PRÁCTICAS DE ARTE EN SALOU

Alumnos de Historia del Arte (y de Artes) haciendo prácticas de relieve historiado en la playa de Salou.
Material: carne viva y arena.
Tipología: Relieve, en algunos puntos altorrelieve. Modalidad, yaciente.
Técnica: Modelado, con áreas muy pulimentadas.
Color: sin policromía añadida, solamente el juego de paños que sirve de mandorla o halo.
Calidades táctiles: preguntar a los que le rodean.
Masa: pesao, parece pesao.
Emplazamiento: en la gloria.
Efectos de luz: muestra referida a los últimos rayos de sol que marcan el contraste de luces y sombras.
Realismo: variable según las zonas. Rostro, muy, muy realista.
Composición: ligero contraposto si estuviera levantado.
Movimiento: bastante estático (hieratismo), quizás algo en la cola (de la sirena).
Tema y significado: clara alusión al mar, al mundo de los sentidos y al paraíso perdido de la infancia.
Estilo: naif (aunque se admiten otras clasificaciones).
Cronología: siglo XXI, seguramente.
Autor: Sin firma, aunque hay indicios que apuntan a futuros artistas.
Contexto: atentados en Túnez, cambios políticos en España, corrupción generalizada, amenaza de nuevas leyes educativas, inminencia de estudios superiores... pero quizás no tengan nada que ver (o sí, por aquello de la huida de los problemas y refugio en los placeres).
Relaciones: Entre el mundo de la publicidad, el arte pop... ah, y los juegos en la arena de los niños.

DICEN

Chema Madoz impone las reglas del juego

La obra de Chema Madoz posee una elegancia natural. Con fotografías más próximas a la poesía, el fotógrafo llega a la Sala Alcalá 31 (Madrid) donde exhibe, hasta el 8 de agosto, una retrospectiva bajo el título 'Chema Madoz, 2008-2014. Las reglas de juego'.

La exposición reúne 124 fotografías en blanco y negro en papel ‘baritado’, algunas de ellas inéditas, realizadas durante los últimos seis años, una etapa de madurez y depuración conceptual en la que ha profundizado y ampliado las claves que han marcado su investigación fotográfica.

Con esta retrospectiva se puede ver “cómo mi trabajo ha ido evolucionando poco a poco”, asegura el artista. “Lo que ha ido cambiando son los elementos sobre los que voy trabajando, cambia la mirada a lo largo de los años y también la forma de acercarse a los objetos y de trabajar con ellos”.

La poética del objeto ha construido el diálogo en el trabajo de Madoz, abriéndose a otros referentes e influencias como la presencia de la naturaleza, la aparición de la figura animal, la inclusión del dibujo como otra forma de representación o la aparición del texto como un vehículo natural de la imaginación. El artista juega en sus fotografías a la relación entre opuestos, imágenes que “suelen ser binarias. En ellas, dos elementos que no tienen ninguna relación se entremezclan para crear una realidad diferente”.

Arancha Pons

Venecia y el pabellón de los decapitados

Si tu país está en guerra y te invitan a participar en un evento artístico de relevancia internacional como la Bienal de Venecia, (136 artistas, 89 pabellones), tienes dos opciones. La primera es abstraerte de lo que está pasando en tu tierra y presentar creaciones que nada tienen que ver con tu realidad cotidiana. La segunda, superar la concepción meramente esteticista del arte y mirar lo que tienes a tu alrededor.

Irak ha optado por el segundo camino, acudiendo a la 56º edición del certamen veneciano con un pabellón cargado de dolor y de hermosura. «Invisible beauty» (Belleza invisible) lo han titulado con acierto y en él están representadas las creaciones de cinco artistas de EL. .

Haider se ha atrevido a retratar la máxima expresión de la brutalidad: las cabezas cortadas de sus víctimas. Sus ocho acuarelas, en las que predominan el azul, el negro y el rojo, les devuelven a esas personas la humanidad que los yihadistas quisieron arrebatarles. 

Algunos tienen los ojos tapados con una venda, a otros les gotea aún la sangre de la boca, al más desafortunado incluso le han clavado la cabeza en una pica tras decapitarle. 

JabBar se acerca a estas atrocidades con ternura, colocándose muy lejos del espectáculo que algunos canales de televisión tratan de conseguir con la barbarie pero él, utiliza el dolor y le da forma en sus acuarelas, sencillas y directas a la conciencia de quien las contempla, comprensibles para todos y capaces de convertir en algo común a otras muchas de las creaciones.

Este autor se formó en la Escuela de Bellas Artes de Bagdad y hoy vive exiliado en una ciudad de Turquía. Debido a unas circunstancias personales sabe definir lo que es el dolor por ello, dibujo estas escenas terribles.

La brutalidad del EI también impregna las obras de los refugiados iraquíes.

El pabellón está instalado en la isla de San Lázaro de los Armenios, un lugar de singular importancia para la cultura de este pueblo.

Silvia Jarque

ILUMINACIÓN DEL PRADO

Halógenas (izquierda) y led (derecha)

Contemplar el arte tal y como lo veían sus creadores ante la mirada impasible de sus inquilinos es el nuevo objetivo que se ha planteado el Prado haciendo que en estas salas se haya hecho de día.

El tono amarillento y apagado de los halógenos deja paso a la nueva luz led, consiguiendo un ahorro energético del 75% y los nuevos focos duran 50 veces mas, pero no solo se trata de ahorra, hay más colores más profundidad y más volumen pudiéndose apreciar toda la variedad cromática formal que tienen los cuadros y contemplad con más detalle los matices del moldeado de las esculturas. Durante meses técnicos de Iberdrola y del museo han estado realizando pruebas debido a que los focos led ayudan a la conservación gracias a que no emiten rayos infrarrojos o ultravioleta.

Las salas que ya cuentan con esta iluminación en la actualidad son las que albergan obras del S. XIX y los últimos años de Goya, el broche de oro se dará a finales de 2017 con la iluminación de las meninas, nueva luz para cambiar la forma del arte.

Marcos Nadal

National Gallery de Frederick Wiseman

'National Gallery'
Recomendación de Juan Carlos Calvo (estudiante de 1º de Historia del Arte en Barcelona y antiguo alumno del instituto. Gracias)

TODOS FOTÓGRAFOS

El Museo d'Orsay de París permitirá a sus visitantes hacer fotos después de que la ministra de Cultura colgara en las redes sociales una imagen tomada en el museo. El Orsay era uno de los pocos museos que mantenía la prohibición de retratar los cuadros que cuelgan de sus paredes. Una regla que no pareció importar a la ministra de Cultura, Fleure Pellerin, que durante una visita a la retrospectiva del postimpresionista Pierre Bonnard fotografió con su móvil una obra y la colgó en la red social Instagram.

La foto no pasó desapercibida para las asociaciones que reclamaban, en nombre de la difusión de la cultura, que se permita fotografiar las obras del museo. El museo aceptó levantar el veto a las fotos.

Queda por saber si, con su foto, Pellerin cometió un error o simplemente trató de forzar al museo a aplicar una medida que ella defiende. La dirección del Orsay reconoce que la foto de la ministra «aceleró» la decisión de levantar el veto.

La ministra, por su parte, afirmó que con su foto lo único que hizo fue incentivar la campaña «Todos fotógrafos», creada en julio de 2014, con la que su ministerio pretende que el público contribuya a la difusión de la cultura a través de la fotografía. En base a ese principio, los museos de la capital fueron permitiendo que se fotografíen sus obras.

Marcos Nadal

SELECTIVIDAD: PRACTICA ARTE E INGLÉS DE UN SOLO GOLPE

EL SALÓN DE TODOS: EL CONGRESO BIENAL DE VENECIA

136 artistas, 89 países y 44 exposiciones colaterales reunidas en una sola ciudad, la ciudad del arte, Venecia y hasta el 22 de noviembre en la 56 edición de una Bienal que cumple ya 120 años.

La exposición general lleva el título de «Todos los futuros del mundo» y, como hace presagiar un título tan amplio, aquí cabe de todo. Los pensamientos de Sean Scully en una serie pinturas abstractas que se pueden ver en el Gran Canal, Marlene Dumas (con una serie de pequeños retratos de calaveras), Hans Haacke (con una instalación en la que un ventilador es el protagonista), Walker Evans (con sus míticos retratos de los años 30), Robert Smithson (con la reproducción de su mítico árbol muerto de 1969) o Bruce Nauman, quien expone sus conocidos tubos de neón junto con un conjunto de machetes realizados por AdelAbdessemmed. 

Mención especial tiene este año el pabellón español, consagrado este año a la figura de Dalí, que le sirve como punto de partida a Salazar, que ha realizado una gran instalación para ser recorrida con la vista, el oído y el olfato y a Francesc Ruiz quien ha homenajeado a la publicación «Dalí News» con un quiosco repleto de noticias de escándalos sobre Berlusconi y un apartado de publicaciones para adultos. 

En definitiva, la EXPO del arte que un año más vuelve a la ciudad que inventó el lienzo a su antiguo esplendor y la sitúa en la cabeza del arte mundial.

Pablo Edo

EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL, MÁS DESNUDO QUE NUNCA

CÓMO SE CONSTRUYÓ LA CÚPULA DE BRUNELLESCHI

SIN TÍTULO

El sábado 11 de abril en la ciudad de Valencia se ha dado a conocer el llamado Street Art Tour mediante una nueva propuesta muy original de CaminArt en la cual se incentiva un nuevo modelo turístico, recorriendo zonas con grandes dosis de arte, a base de murales y “pintadas”. Ha sido un éxito y a este nuevo recorrido turístico de la mano de Belén García Pardo, especializada en el grafiti y post-grafiti de Valencia, se ha unido un gran numero de personas para pasear por el casco histórico de Valencia y el barrio del Carmen, donde podemos encontrar gran variedad de obras de altísima calidad mientras la guía detalla conceptos y diferencias del grafiti o explica algún tipo de información que es importante a ojos del inexperto en el tema, como puede ser el paso de un “grafitero vandálico” a un auténtico artista callejero o la diferencia entre firma, tag, o bombardeo de “pintadas”. Porque no hace falta que el arte esté en un museo o enmarcado en un cuadro tras una vitrina, muchas veces hay arte donde no lo vemos y debemos aprender a ver.

Diego García

EL GRAN MANTEGNA VIVE

El Museo de Reina Sofía recibe a Guzmán con los brazos abiertos

Federico Guzmán aparece en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro para presentarnos su exposición: “Tuiza. Las culturas de la jaima”, organizada en colaboración con San Sebastián (ciudad española)

Guzmán lleva años admirando la cultura saharaui, desde que empezaron los Encuentros Internacionales de Arte y Derechos Humanos del Sahara Occidental. De esa admiración ha surgido una jaima beduina llamada Tuiza.Dicha jaima es diferente a todas las que hemos visto siempre, pues está construida con los melhfas, vestidos tradicionales de las mujeres saharauis, que ellas mismas han pintado y teñido.

La decisión de que las paredes fueran melhfas es debida a que Guzmán se quedó impresionado y sobrecogido con la historia que le contó una poetisa saharaui. Esa historia hablaba de como las mujeres saharauis para cuidar a sus familias del sol, colgaban sus vestidos en un árbol proporcionándoles sombra, mientras huían de sus casas con lo puesto, por los bombardeos a los que estaba expuesta su ciudad. Por otra parte, el techo está realizado con benias (tejido acrílico fino, resistente y decorado con motivos geométricos multicolores) y en el interior se pueden ver cojines, alfombra de rezo, un baúl beduino, juegos de té, incienso, pufs y asientos forrados de brocado.

La jaima se ha convertido en un lugar de reunión para intercambiar información cultural de manera oral. Allí se funden dos formas de afrontar una construcción y dos periodos históricos distintos, por un lado el popular y nómada que opta por la igualdad de culturas; y por otro, el de la construcción de hierro y vidrio de finales del siglo XIX, época de utopías y de desigualdades sociales.

Tamara Pérez

Los diez mejores besos de la historia del arte

El 13 de abril de cada año, se celebra el Día Internacional del Beso, una fecha que surgió gracias al beso más largo de la historia, que según wikipedia, duró 46 horas 24 minutos y 9 segundos
1.- "El beso" de Gustav Klimt
2.- "El Beso", de Rodin
3.- "Los amantes II" de Rene Magritte
4.- "Los amantes de Ain Sahkri",
5.- "Beso frente al Hôtel de Ville, París" de Robert Doisneau
6.- "Eros y Psique", Antonio Canovas
7.- "El beso de Times Square", Alfred Eisenstaedt
8.- Erastes y Erómeno,
9.- "Beso de la hermandad"
10.- "Policias besándose", Banksy

Silvia Jarque

Un Greco robado por los nazis es recuperado y devuelto a sus propietarios

Un cuadro de El Greco, perteneciente a un industrial vienés y capturado por la Gestapo en Viena en 1938, ha sido devuelto a la familia de su antiguo propietario después de un proceso de rápida recuperación.

Se trata de la pintura «Retrato de un caballero», un lienzo del que se sabe que fue vendido en la década de los 50 a un intermediario en Nueva York, pero los intentos de llegar a él no tuvieron éxito y el óleo cambió de manos varias veces en los últimos sesenta años, hasta que por fin ha sido recuperado.

Según expertos, el cuadro representaba a los herederos del antiguo propietario, además han asegurado que la recuperación con tanta rapidez se trata de un buen ejemplo de la ayuda que están realizando los coleccionistas de arte para que se puedan recuperar las obras saqueadas por los nazis. 

El retrato de El Greco de un hombre con barba, apoyado en un libro con la mano izquierda sobre el pecho y una mirada profunda, reflexiva, que colgaba sobre el aparador en el comedor de la casa de los Priesters antes de la Segunda Guerra Mundial

Silvia Jarque

VELÁZQUEZ VIAJA A PARÍS

Cuando Manet vio por primera vez las Meninas de Velázquez, se rindió a los pies de aquel cuadro. Un siglo después, los parisinos se vuelven a rendir ante el gran Velázquez en una exposición en el Grand Palais de París. La exposición está compuesta de cuatro secciones que recorren la vida de Velázquez y van mostrando a los visitantes las incontables maravillas de un pintor que era moderno para los pintores del S.XIX pese haber nacido dos siglos antes.

En ella se puede observar la evolución pictórica del autor desde la Andalucía del siglo XVII, de una Sevilla cosmopolita y trasatlántica hasta sus últimas obras como pintor de la corte, con la serie de las infantas. Pasando por las facetas “naturalistas” y “picarescas”de un Velázquez que comenzaba a convertirse en un gran maestro de su tiempo o la “Venus del espejo”.

Sin lugar a dudas, una exposición única que ha conseguido acercar a los parisinos obras únicas que de no ser por ellas, la pintura francesa no sería lo que es y el arte seguiría anclado en el reflejo fiel de la realidad. 

Pablo Edo

Los caprichos de Goya y Dalí «conversan» en el Instituto Cervantes de Nueva York

 Los caprichos de Goya son célebres, pero los de Salvador Dalí son prácticamente desconocidos, y ambos dialogan desde este el 7 de marzo en el Instituto Cervantes de Nueva York, un lugar donde se muestran a dos de los pintores españoles más geniales de la historia.

"El sueño de la razón produce monstruos", de Francisco de Goya es uno de sus más célebres grabados. Y Dalí, amante y retratista de lo onírico, no pudo más que rendirse a pintar, entre 1973 y 1977, sobre la obra de Goya sus propias pinceladas a veces obscenas, a veces irónicas, que pasaron desapercibidas en su carrera.

A muchos de ellos les dio color, les introdujo mucha fantasía y hasta les cambió los pies de página. Pero hubo uno que lo dejó igual, apenas le introdujo un poco de color: era el "El sueño de la razón produce monstruos". 

Las obras de uno y otro pintor, se exponen en Manhattan en sencillo diálogo (arriba los originales de Goya y abajo las reinterpretaciones de Dalí) y estarán visibles hasta el 4 de abril.

La vigencia del Goya más caricaturesco y libre brilla por sí sola. Escenas macabras, con caras desencajadas de una España llena de miseria y superstición y perseguida por la Inquisición. 

Lo que hace Dalí es una revalorización en términos del siglo XX, después de haber vivido dos guerras mundiales. Ironiza y a la vez respeta la idea de Goya.

Curiosamente, esta exposición se abre poco después de que se surgieran 20 años sin "Los Caprichos" de Goya en Nueva York. “Los caprichos" quedó patente el año pasado gracias a los coleccionistas estadounidenses que los recuperaron en una subasta.

Silvia Jarque

DALÍ Y PICASSO, LOS AMIGOS ENFRENTADOS

La opinión pública tiende a confrontar a los grandes genios de la historia y sacar en sus obras muestras de esa enemistad. La historia de Dalí y Picasso no fue para menos, sin embargo, el Museo Picasso de Barcelona y el Museo Dalí de Saint Petersburg (Florida), en colaboración con la Fundación Gala-Salvador Dalí de Figueras han decidido desmentir estos hechos en una exposición conjunta denominada “Picasso/Dalí. Dalí/Picasso”, que podrá visitarse en la ciudad condal hasta el próximo 28 de junio. 

La exposición solo se podrá visitar en Barcelona con el objetivo de que los amantes del arte catalanes y los que visiten la ciudad durante estos días hagan suya la exposición, “Al igual que Dalí y Picasso se hicieron suya, durante un tiempo, la ciudad de Barcelona”. En ella, se podrán observar pinturas, dibujos, collages, esculturas y grabados, para argumentar la relación entre los dos gigantes del siglo XX y a su vez se destacará la admiración de ambos pintores por Goya y Velázquez.

La propuesta de la exposición deriva de la publicación de un libro con las cartas que se escribieron ambos pintores durante toda su larga vida, pues aunque no tengamos ninguna foto de ambos juntos, su vida siguió un destino paralelo, especialmente remarcado con su encuentro en París.

Pablo Edo

El museo Kunstmuseum cede 176 obras maestras a España

El museo Kunstmuseum, localizado en Basilea (Suiza), es considerado actualmente como uno de los más importantes a escala mundial debido a la extensa colección que este guarda, así como a la gran diversidad e importancia de la misma, ya que desde el siglo XVI esta institución se ha dedicado a albergar en su interior muchas de las grandes obras de arte. 

Debido a una reforma y ampliación del mismo, el museo ha decidido ceder de forma gratuita 176 obras maestras a España, 10 de ellas, pertenecientes a Picasso, han sido expuestas en el Museo del Prado como La pareja, Mujer con sombrero sentada o Los dos hermanos; mientras que las 166 restantes han sido destinadas al Reina Sofía, las cuales se han expuesto bajo el título de Fuego Blanco constituyendo un recorrido por las principales vanguardias europeas con obras de autores como Picasso, Munch, Le Corbusier, Rothko o Warhol.

Sara Jáñez

LIMA SIN PINTURAS

El pasado jueves, 12 de marzo de 2015, el alcalde de Lima, Luis Castañeda, anunció que serían borrados todos los murales del centro histórico de dicha ciudad. Elliot Túpac asegura que es por una rivalidad política, pues se realizaron cuando estaba en el ayuntamiento Susana Villarán. Estas pinturas serán sustituidas por el color amarillo (color de la nueva agrupación política), que cubrirá pronto los edificios abandonados, en mal estado y privados de ese centro histórico.

Esos murales fueron elaborados por peruanos y extranjeros, destacando los nombres de Entes, Pésimo y Elliot Túpac (jóvenes muralistas peruanos), en sitios donde no estorbaban, es decir, que no se realizaron en ninguno de esos 608 monumentos históricos que hicieron posible que el centro de Lima fuera patrimonio mundial, proclamado por la UNESCO. Por ello muchos ciudadanos están indignados por la sentencia de su alcalde y dicen que se deberían preservar por su originalidad. Por dicha indignación, muchos jóvenes se organizaron en grupos y se reunieron alrededor de algunos murales para evitar su desaparición y la aparición del color del partido Solidaridad Nacional.

¿Se deberían tapar los murales? Si los murales se realizaron por personas que no podían tener acceso al arte ¿de verdad deberían ser eliminadas esas obras de arte callejeras?

Tamara Pérez

El IS destruye las reliquias asirias de Mosul

(Retiramos el vídeo de los hechos porque no queremos contribuir a la difusión de la ignorancia o del morbo)

El IS cuya principal fuente de ingresos procede de la venta del petróleo y el control de las plantas petrolíferas ha colgado un nuevo vídeo en la red, donde se muestra como en Mosul, la segunda ciudad de Irak, varios hombres derriban, golpean con mazas, trituran y taladran esculturas de la civilización asiria que hasta ahora permanecían expuestas en el museo de la ciudad o en las ruinas de la ciudad de Nínive, o la quema de numerosos libros de la biblioteca como de la universidad.

La mayoría de las obras saqueadas en los principales edificios de la región han sido vendidas para su financiación, mientras que han destruido todas aquellas que no han podido vender.

Con este vídeo aseguran las autoridades que su objetivo es influenciar y controlar a la población para conseguir nuevos miembros a su organización.

El patrimonio destruido pertenece a la civilización asiria, que ocupó el norte de la antigua Mesopotamia entre el 1813 a.C. y el 609 a.C.
Marcos Nadal

Arte con plátanos

Desde que Andy Warhol inmortalizase el plátano como uno de los símbolos por excelencia del Pop art, no habíamos vuelto a ver a nadie convertir este alimento en arte. El holandés Stephan Brusche puede transformar esta fruta en arte con un toque muy original. El artista utiliza la piel del plátano para crear divertidas formas o para emular grandes obras de arte como La Creación de Miguel Ángel o el precioso Beso de Klimt. En este recorrido de arte culinario nos topamos con el mismísimo Homer Simpsons, Los Beatles o Marilyn Monroe.

Samuel Ortiz

El Museo de Goya saca a la luz una obra hasta ahora desconocida del artista aragonés

El cuadro es una de las obras que podrá verse por primera vez a partir del próximo 26 de febrero de 2015, dentro de la exposición temporal ‘Goya y Zaragoza (1746-1775). Sus raíces aragonesas’, que se inaugurará con la reapertura del Museo Goya.

Se trata de un óleo sobre lienzo (83,7 x 58,30)que muestra una delicada escena sobre un fondo neutro de una virgen joven de belleza marmórea que mira con dulzura a un niño Jesús rollizo que flota entre paños. Es un cuadro muy temprano del artista que se relaciona estilísticamente con la pinturas murales de Aula Dei; se estima que la obra pudo pintarse entre 1772 y 1774.

Desde el punto de vista estilístico, la obra presenta "recursos que son absolutamente propios, como el rigor y precisión de la pincelada, el colorido o el toque subraya cómo plasma una iconografía como la de la Virgen y el niño de una forma original y única, así como el naturalismo tanto en la ejecución de las figuras como en la expresión de los sentimientos "que son muy fuertes, eso es absolutamente de Goya". Dice la jefe de conservación de Pintura del Siglo XVIII del Museo del Prado,

Las radiografías realizadas durante la fase de estudio revelaron que el lienzo había sido reaprovechado, y en él se había pintado previamente la figura de San Francisco de Paula, también de medio cuerpo.

Se cree que la obra tuvo que haber sido un encargo por alguien que lo iba a pagar, seguramente para algún patrono de Zaragoza o alguien del mundo religioso". En la actualidad es propiedad de un coleccionista que la adquirió en 2010 hasta este momento.

Silvia Jarque

DECORACIÓN BARROCA EN LAS CARMELITAS DE TERUEL

LA REAL FÁBRICA DE TAPICES CONSIGUIÓ SACAR EL GOYA MÁS COSTUMBRISTA

No tenía ni 28 años cuando en 1774 Goya se trasladó a Madrid para trabajar como pintor de la Real Fábrica de Tapices y realizar así los bocetos de los tapices que recorrerían las estancias de El Escorial y el Palacio del Pardo. Se trata de 63 dibujos coloreados que como el Director del Prado, Miguel Zugaza reconoció, “no son simplemente plantillas para tapices, sino obras maestras complejos por derecho propio”, que consiguieron consolidar al pintor en las cortes de Carlos III y IV.

Los enormes dibujos animados - ricos en detalle, de varias capas, y haciendo uso de la perspectiva para invitar al espectador en el centro de la composición - son prueba de que Goya era "mucho más que un grabador de las tradiciones y la vida cotidiana de las personas de Madrid "y que estas piezas son obras de arte.

Ahora, estos cartones han sido recogidos por el museo del Prado y serán expuestos en una de sus salas hasta el próximo 3 de mayo, para mostrar una vez más la grandeza del pintor aragonés y la maestría de los restauradores, que tras limpiar y radiografiar los cartones nos demuestran que para ver bien tenemos que frotarnos los ojos.

Pablo Edo

“SAN JUANITO” DE ÚBEDA: EL INFANTE DE MIGUEL ÁNGEL

Corría el año 1936, cuando un grupo de anarquistas de la Sección Ferroviaria de Linares de la CNT entraron en la Capilla del Salvador de Úbeda (Jaén) y dejándose llevar por el anticlericalismo que se había desatado en los albores de la Guerra Civil, quemaron y destruyeron todos aquellos símbolos religiosos que encontraron en su camino, sin respetar ni siquiera un retablo de Berruguete (fue arrancado y quemado) y una escultura de Miguel Ángel que representaba a San Juan Bautista niño (fue destrozada en 17 pedazos). La obra de juventud del artista fue donada por el duque de Florencia, Cosme I de Medici, a Francisco de los Cobos, secretario del emperador Carlos V, quien la envió a España y la incluyó en su sepulcro personal en Úbeda.

En 1994 los 17 fragmentos viajaron hasta Florencia, donde el Opificio delle Pietre Dure aceptó el difícil reto de restaurar la obra y fragmento a fragmento fueron uniendo con plexiglás y resina al pequeño Miguel Ángel, al que muchos ya llaman el “antecesor del David”. Finalmente, se limpiaron los fragmentos originales con láser, dejando a San Juanito lo más parecido a las 17 fotografías de las que se extrajo información para su reconstrucción.

Tras la delicada y compleja intervención, realizada con la última tecnología de reconstrucción volumétrica láser 3D, y después de su exhibición en Florencia y Venecia, Il San Giovannino di Úbeda regresa a España y visitará el Museo del Prado antes de su traslado definitivo a su lugar de origen en Úbeda.

Pablo Edo

Graffiti social

El artista Kaler Ockerman (Mear One) es uno de los principales difusores de este tipo de movimiento. En sus muros plasma la crítica de esta sociedad y nuevo orden mundial mediante el uso de su mejor pincel, el aerosol. Su última obra realizada recientemente muestra a la perfección las características de esta sociedad contemporánea basada en el capital, su tema preferido es el manejo de la sociedad por parte de los llamados Illumunatis (clase social superior la cual dicta las directrices de nuestro planeta).

Esto es un claro ejemplo de que el arte de "las pintadas" no sólo es vandalismo e ilegalidad, sino que incide mucho más sobre la actualidad mundial y sus problemas, a pesar de la postura favorable y positiva del propietario del muro y observadores, su último mural más importante fue censurado y borrado. Parece ser que al grupo moderado no le gusta que le critiquen.

(mural censurado primera imagen)

Diego García

Nueva adquisición del Museo de Sorolla

Vista de sala con Retrato de Don Juan Antonio García del Castillo, 1887 Foto Sonia Aguilera

El 'Retrato de Don Juan Antonio García del Castillo' (1887) ya se encuentra en la sala de retratos familiares del Museo Sorolla de Madrid. La obra del pintor valenciano ha sido adquirida por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte por 135.000 euros. Junto a ella se han presentado otros cinco cuatros de Joaquín Sorolla depositados temporalmente en el museo por coleccionistas privados.

El lienzo permanecerá expuesto al público hasta el próximo 1 de febrero para posteriormente volver a las salas, donde se expondrá junto al retrato de su hermana. La adquisición de esta obra enriquece la importante colección de retratos familiares que conserva esta institución.

Sorolla realizó este retrato de su amigo y cuñado en 1887, a quien lo dedicó: “A mi querido amigo Tono”. El joven aparece elegantemente vestido con el traje de etiqueta que llevó en su boda. Tanto en la técnica como en las referencias visuales, Sorolla dibuja un rostro nítido, utiliza su mejor carácter pictórico en el tratamiento de tonalidades del traje negro y en el fondo claro que inunda de luminosidad.

El Museo Sorolla ha presentado cinco cuadros más del pintor valenciano que recientemente han sido depositados en la institución por varios coleccionistas particulares y que permanecerán expuestos temporalmente.

Los lienzos El bote blanco. Jávea, Sombra del Puente de Alcántara. Toledo y Playa de Valencia, procedentes de una colección privada estadounidense, serán depositados en el Museo Sorolla a partir de la próxima semana, tras su paso por la Fundación Mapfre, donde han formado parte de la exitosa exposición Sorolla y Estados Unidos.

Arancha Pons

Velázquez, Da Vinci o Goya ya pueden tocarse en el Prado

Las obras 'Noli me tangere' de Correggio, 'La fragua de Vulcano' de Velázquez, 'El quitasol' de Goya, 'La Gioconda del Taller' de Leonardo da Vinci, 'El caballero de la mano en el pecho' del Greco y 'Bodegón con alcachofas, flores y recipientes de vidrio' de Van der Hamen, podrán tocarse en relieve, estas van dirigidas a personas con algún tipo de discapacidad visual que se ha presentado el día 19-01 en el Museo del Prado, de la mano de la Fundación AXA y con la colaboración de la ONCE.

Los lienzos seleccionados son seis imágenes en relieve correspondientes a diferentes géneros y estilos artísticos que abarcan desde la pintura religiosa, la mitología y la escena costumbrista hasta el retrato y la naturaleza muerta. La reproducción en relieve de estas obras, desarrollada a partir de fotografías en alta resolución a las que se confieren texturas y volúmenes de hasta seis milímetros.

Silvia Jarque