domingo, 26 de mayo de 2013

lunes, 20 de mayo de 2013

Comentar una obra actual: JERUSALEM AZUL, AURORA VALERO



Jerusalem Azul es un óleo sobre lienzo realizado por Aurora Valero. Fue concebida en el año 2000, después de haber viajado a Israel junto con otros pintores de todo el mundo, cuyo objetivo era pintar Israel. Sería una experiencia muy importante para ella, que intentó reflejar de un modo abstracto en su obra.
           Presenta un formato apaisado, por lo que se trata de un paisaje. Este aspecto se corrobora con el título de la obra, por lo que también podría considerarse una vedutta, representación pictórica de una ciudad, aunque el concepto quede un poco desvirtuado por el grado de abstracción.
            Fruto de esa abstracción observamos que la línea, concebida tradicionalmente como elemento que retiene el color, ha desaparecido, dando paso a un virtuosismo cromático mediante manchas de color con aspecto descuidado, pero con un trasfondo expresivo y emotivo. Predomina una cromática fría, limitándose al color azul y algunas manchas de negro y gris. Esta monotonía se rompe con el color ocre u oro en el centro del lienzo que, además de contrastar, simula un segundo plano al encontrarse debajo de la capa azul. El empleo de este color puede deberse a la posesión de la ciudad por el bando israelí en la fecha en que se concibió, cuya bandera juega con los mismos tonos cromáticos (excepto el oro).
            Al igual que se anula la línea, también el volumen, la luz y la perspectiva, propio de la abstracción, cuyo objetivo no es reflejar fielmente la realidad, sino huir de una representación figurativa que evoque algún aspecto de la misma. A la composición horizontal se contraponen las pinceladas verticales del centro del lienzo, que rompen la horizontalidad tan definida de la obra, tanto por el formato como por la mayor parte de las pinceladas.
           Es una obra abstracta, con ciertos rasgos expresionistas como es el trato del color (pincelada cargada) y la gran vinculación de la autora con la música para realizar sus obras. El movimiento abstracto surgió alrededor de 1910, formando parte de las vanguardias artísticas. De las tres corrientes abstractas, muestra rasgos de la abstracción lírica (supresión de la línea), o del Neoplasticismo Holandés (colores básicos, predominio de la línea recta). Los rasgos expresionistas recuerdan, en cierto modo a la pincelada de Van Gogh, Goya o Munch, uno de los principales representantes del movimiento de vanguardia que surgió  alrededor de 1900.
           Aurora Valero nació en Alboraya en 1940. En los primeros años muestra una obra muy cercana al expresionismo, hasta que comenzó a experimentar con el modelado en la segunda etapa. A partir de 1980, comienza a mostrar rasgos de la abstracción sin abandonar la figuración, como muestra en la serie Versit Barat, a la que pertenece la obra comentada.
             En 1969 fue nombrada Catedrática Numeraria en la universidad de Córdoba, Barcelona y la Politécnica de Valencia, en la que desde 1988 es Doctora en Bellas Artes. Además, recientemente ha sido nombrada Académica Numeraria de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Ha realizado un total de doce series, muchas de ellas expuestas por diversos países, como Italia, Francia, Nueva York, Japón.
           Esta obra se presenta como una fotografía, pues las pinceladas no se ciñen a las dimensiones del lienzo, sino que se cortan, como si fuera una panorámica que no ha entrado en el objetivo de la cámara. En el período en que se realizó, el conflicto palestino-israelí atravesaba por una nueva etapa de violencia tras el intento de estabilización con el Camp David. Se iniciaba en septiembre (después de la temporada propia de peregrinaciones en la que pudo acudir la autora) la Segunda Intifada.
              Rosa Gasque Rubio

Comentar una obra actual: L’HORTA, AURORA VALERO



L’ Horta es el óleo sobre lienzo realizado por Aurora Valero en 1980, como protesta contra las políticas que destruían la huerta valenciana llevadas a cabo en esta época. De temática costumbrista, muestra un formato apaisado, propio de las representaciones de paisajes.
Presenta una concepción de la línea racional, marcada con color blanco, que rige la organización de la obra. Al igual que con las pinceladas, ofrece una contraposición compositiva entre las líneas y pinceladas verticales del centro y las horizontales de los lados.
                El color se encuentra, de esta manera, supeditado al dibujo, ofreciendo al mismo tiempo un nuevo contraste, entre los colores cálidos predominantes con los fríos del centro, que representan las acequias. Transmiten una sensación de calidez, de lo cotidiano, de un elemento “de estar por casa”, con el que la autora está muy relacionada. En el trato del color podemos señalar también la facetación de las parcelas que representan los campos, sin un sentido realista.
                Fruto de esa facetación, la luz no está definida y se ha eliminado el volumen, como la perspectiva. Está concebido desde un punto de vista cenital, lo que puede dar lugar a una confusión con una perspectiva aérea. La composición, centrífuga por la dirección horizontal de las pinceladas, es en sí racional, fomentada esta racionalización por las líneas marcadas y el predominio de formas geométricas.
                Como muestra de su carácter abstracto, no muestra ninguna referencia a la realidad, aunque la crítica que realiza puede encontrarse con las líneas rectas. Estas líneas no se observan en el entorno natural, sino que son fruto de la intervención humana, criticando así las políticas antinaturales que se pretendían llevar a cabo.
                Además de ser una composición abstracta, muestra rasgos también propios del cubismo, especialmente en la anulación del volumen, de la luz y del realismo con la facetación cromática. La abstracción surgió en torno a1910 como un movimiento de vanguardia más. De las tres corrientes abstractas, muestra rasgos del neoplasticismo holandés con el predominio de la línea recta y de los colores básicos (amarillo y azul), aunque en esta obra aparecen graduados, complementados por colores neutros, como el negro, el blanco o el gris. 
Nacida en 1940 en Alboraya, Aurora Valero ha experimentado una evolución en sus obras. Su primera etapa está marcada por el estilo expresionista, hasta que comenzó a experimentar con el modelado. Las primeras obras abstractas las realizó a partir de 1980, como esta serie de L’ Horta, a la que pertenece la obra comentada. Después de ser nombrada Catedrática Numeraria en la universidad de Córdoba, Barcelona y la Politécnica de Valencia en 1969, es desde 1988 Doctora en Bellas Artes. Además, recientemente ha sido nombrada Académica Numeraria de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Ha realizado un total de doce series, muchas de ellas expuestas por diversos países, como Italia, Francia, Nueva York, Japón.
 En los inicios de la década de 1980, España iniciaba el proceso democratizador, mostrando un fuerte desarrollo económico, gracias en parte a la expansión turística y al crecimiento demográfico. Estos dos factores supusieron una fuerte agresión al ámbito agrario, especialmente en la costa mediterránea. El planteamiento simbólico de la obra era denunciar esta agresión, que desde el punto de vista de la autora destruía la cultura tradicional de muchos pueblos valencianos.
Con todo ello, podemos observar grandes semejanzas compositivas con la obra Composición en rojo, azul y amarillo de Mondrian, uno de los principales representantes del Neoplasticismo holandés. La facetación cromática nos remite a la obra de grandes pintores cubistas, como Picasso y, por el trato del color, podemos establecer cierta semejanza con los impresionistas, como con el pintor valenciano Sorolla que, siguiendo la nueva teoría del color, realizó juegos cromáticos con colores contrapuestos (facetación azul en el color amarillo). 
Rosa Gasque Rubio

martes, 14 de mayo de 2013

Choque franco-alemán en el Louvre



La exposición llamada De L’Allemagne 1800-1939, inaugurada hace poco más de un mes en el museo del Louvre, ha provocado una gran polémica al ser considerada por los alemanes como una interpretación falsa del arte, siendo relacionados cuadros de temáticas paisajísticas con el germen hitleriano y la catástrofe de la Segunda Guerra Mundial. Esta exposición fue creada con la intención de estrechar los lazos entre Francia y Alemania (contó con el patrocinio de François Hollande y Angela Merkel), como celebración del 50 aniversario del Tratado del Elíseo, el cual permitió sellar la paz entre ambas potencias tras casi un siglo de enfrentamientos.
La prensa alemana ve el acontecimiento como un “escándalo político-cultural”, puesto que se muestran interpretaciones como que el neoclásico alemán anticiparía la escultura de Arno Breker y la arquitectura de Albert Speer, considerando este arte programado para la catástrofe y la guerra. Otras visiones de la prensa son, por ejemplo, que este punto de vista elegido por los franceses se debería a un posible sentimiento de inferioridad provocado por el mal estado de su economía respecto a la alemana, o que la exposición termine justo en el año 1939 no es una mera casualidad. El Centro Alemán de Historia del Arte , el cual participó en la gestación de la muestra, denunció que el Louvre había ignorado sus consejos sobre la línera directriz de la exposición y la redacción de los textos que acompañan a las obras, juzgados tendenciosos.
Estas acusaciones parecen ser originadas por la estructura elíptica de la muestra, y la poca presencia de los expresionistas, o la ausencia de la Bauhaus.  El director del Louvre, Henri Loyrette, ya ha comunicado que en ningún momento el museo ha intentado dar una visión siniestra de Alemania. Hollande y Merkel todavía no se han pronunciado.
Reyes Quiñones

sábado, 11 de mayo de 2013

Nouvel sella su idilio con Barcelona mediante un jardín vertical



El arquitecto francés Jean Nouvel junto el estudio Ribas&Ribas han creado el hotel Renaissance. Su principal elemento son las palmeras. El centro está abierto al exterior y une las dos torres donde están las habitaciones. La palmera plantada en el centro es el tema principal sobre el que está construido el edificio ya que todo el edificio la evoca continuamente y con ayuda de otro tipo de vegetación crea numerosos juegos de luces. Esta vegetación representa el mediterráneo. “No queríamos un hotel cualquiera, buscábamos un hotel que explicara dónde estaba: en una ciudad del Mediterráneo. Por eso dimos tanta importancia a la vegetación, porque los árboles son un signo distintivo de Barcelona”, explicaba Nouvel. La cubierta es de vidrio. La fachada y el interior son juegos de blancos y negros.
Tiene 357 habitaciones de cuatro estrellas. Se han necesitado siete años para construirlo. Es símbolo del desarrollo urbanístico de la era del ladrillo.
Este arquitecto francés ha realizado numerosos proyectos: la torre Agbar, el Parque Central de Poblenou, rehabilitó la fábrica Motriz y ahora tiene un proyecto de una macrodiscoteca.
Berta Perales

viernes, 10 de mayo de 2013

EN EL CIELO, EN TERUEL



El próximo día 15 de Mayo a las ocho de la tarde se inaugurara en la escuela de arte la exposición “En el cielo”.
Se trata de una exposición colectiva en la que participan los profesores de la escuela de arte junto con artistas invitados por ellos, haciendo un total 27 personas.
El tema en torno al que trabajaran es una visión personal sobre el cielo, en la cual, cada uno dará una visión personal utilizando pintura, escultura, grabados, instalaciones…
Esta exposición permanecerá hasta el 25 de Mayo y estará abierta de las 19 a las 21 horas.
¡Estais todos invitados!
Julia Fernández

sábado, 4 de mayo de 2013

Un lienzo pintado con orina de Warhol, vendido por 93.000 dólares


Un lienzo pintado con orina de Andy Warhol se vendió el día 4 de mayo en Nueva York, por más de 93.000 dólares en una subasta online en la que se ofrecían fotografías que el padre del Pop Art realizó a los famosos clientes del mítico club neoyorquino Studio 54.
La obra fue subastada por 75.000 dólares a un coleccionista que pagó más de 93.000. Esta obra es de 1978 en la cual Warhol asegura que también hay muestras de orina del artista mexicano Víctor Hugo.
Esta subasta fue pensada por la Fundación Andy Warhol para recaudar fondos subastando las más de 20.000 obras del artista. Otras de las piezas que se subastan, pero que no consiguen llamar la atención son fotografías realizadas por Warhol a personajes famosos como Michael Jackson, Jerry Hall o Mick Jagger en noches de fiesta en el llamativo Studio 54.
También se han pujado por piezas muy valoradas como fue el retrato que el artista realizó a la actriz Farrah Fawcett y que alcanzó los 30.000 dólares, así como un autorretrato tomado por Warhol y que un coleccionista se llevó por 20.000 dólares. Aunque sin duda, el tema favorito de Warhol en el campo de la fotografía eran los travestís, y una de sus mejores fotos llamada “Drag Queen” fue vendida a un internauta por 18.000 dólares.
Finalmente, Warhol creía que la mejor publicidad, es la mala publicidad, como dice esta cita suya: "Todos los escándalos ayudan a su negocio porque no hay mejor publicidad que la mala publicidad. Si no me crees, ven y echa un vistazo a mis álbumes de fotos".

viernes, 3 de mayo de 2013

LECCIÓN DE HISTORIA DEL ARTE SEGÚN ROMERO DE TORRES

En una exposición de Julio Romero de Torres se muestra esta curiosa una obra suya: Amor profano y amor sagrado.Hace referencia a la obra con el mismo título de Tiziano y, por la composición de los personajes, al Matrimonio Arnolfini de Van Eyck. La contraposición de los paisajes (idílico en el de Tiziano y acogedor en Van Eyck) con el cementerio, la ruptura de la unión con las manos separadas y la sustitución del perro (fidelidad) por la nada, o la presencia del niño en la obra de Tiziano frente el ataúd de la de Torres (vida/muerte), o la mirada perdida del amor sagrado (abstracción) con la mirada hacia el espectador y un aspecto de "ponerse en marcha" del amor profano, el predominio de colores oscuros y fríos del amor sagrado frente al amor profano (que marcan más la ruptura)...
Rosa Gasque