sábado, 20 de diciembre de 2014

SOTS ART DONDE MIKEY MOUSE SE VUELVE COMUNISTA


“Si el Pop Art surgió como una reacción a la superproducción de bienes de consumo y de su publicidad, el Sots Art, nace de la superproducción de ideología y propaganda”.
Cuando Andy Warhol reprodujo cientos de latas de sopa la gente reaccionó ante tal exposición y se sorprendió por el uso de elementos de consumo, algo muy común en la sociedad norteamericana, en el arte. Varios años después, los vecinos del bloque comunista decidieron reaccionar ante tal expresión artística e incorporaron a esta nueva forma de arte algo de lo que ellos iban sobrados, imágenes de líderes políticos, dando lugar así al Sots Art.
La colección Post Pop: East meets West presenta desde el pasado 15 de diciembre en la galería Saatchi de Londres una recopilación de las mejores obras de este arte que consiguió fusionar algo tan propio de la cultura capitalista, el arte pop, con los iconos propios de la cultura comunista. 
En la exposición se pueden observar un conjunto de 250 obras, firmadas por más de cien autores, que varían desde la combinación de un busto en bronce de Josef Stalin con Marilyn Monroe- obra del ruso Leonid Sokow- , la sustitución del martillo por el símbolo del dólar en el emblema comunista, la seriación del Mao o una figura que une los personajes de Lenin, Mickey y Jesucristo con los brazos entrelazados. 
Pablo Edo Castro 
http://cultura.elpais.com/cultura/2014/12/15/actualidad/1418639523_246130.html
http://www.saatchigallery.com/current/postpop.php

miércoles, 17 de diciembre de 2014

DOS SOROLLAS A LA VENTA


El pasado miércoles, 10 de diciembre, se subastaron en la casa Sotheby's (Londres), una serie de cuadros de Joaquín Sorolla entre los que destacó Vuelta de la pesca y Triste herencia cuyos precios de venta alcanzaron cerca de los tres millones y 230.000 euros respectivamente.
Aludiendo a estos dos cuadros representan paisajes de la playa de Valencia, ya que para Sorolla el Mediterráneo trasmitía una gran positividad y donde la luz y los colores vivos y brillantes obtienen una gran importancia.
Respecto a Vuelta de la pesca, refleja uno de los temas más recurrentes de Sorolla, ya que el acostumbraba a pintar situaciones reales y ésta era una de las más comunes en Valencia, representando así a una serie de pescadores que vuelven de realizar su trabajo.
Triste herencia representa a una serie de niños desnudos jugando en el mar. Este se expuso por primera vez en París en el año 1900, donde obtuvo un gran éxito. A esta obra se le otorga una gran importancia ya que, en primer lugar, en él Sorolla muestra una gran destreza para captar la luz, siendo a partir de entonces conocido como el maestro de la luz. En segundo lugar, este le sirve al autor para cerrar su interés por los temas religiosos y sociales que había plasmado hasta 1890 y dar paso a temas enmarcados en el ámbito valenciano.
Sara Jáñez

jueves, 27 de noviembre de 2014

IGLESIA DE SAN FRANCISCO

Montaje realizado a partir de las fotografías de José María Sanz.

viernes, 21 de noviembre de 2014

El claustro de Palamós es falso

En el año 2012 se hizo un estudio sobre el claustro de Palamós en el que se concluye que se trata de una construcción del siglo XX con elementos del siglo XII extraídos de las arcadas del claustro de la catedral de salamanca, pero al no saber ni cuántos ni cuáles se decidió no proclamarlo bien de interés cultural. Un año después rectifican y lo nombran bien de interés cultural, este miércoles la Generalitat dio a conocer un nuevo informe en el que se sostiene que el claustro es totalmente falso según el catedrático en historia del arte Eduard Carbonell con argumentaciones como que las muescas que se atribuyen a haber hecho palanca para trasladar los bloque no son otras que las resultantes de la extracción de los bloques de las canteras también dice que no se han encontrado restos de haber usado instrumentos medievales en las tallas, que no hay restos de mortero y además el claustro había sido planteado de una sola vez y usando el sistema métrico decimal actual.
Sergio Nuevo

martes, 18 de noviembre de 2014

LA COTIZACIÓN DEL ARTE ESPAÑOL

Aunque no cuenta con los apoyos institucionales que debería y no se estimula el coleccionismo, según reclaman los expertos, el mercado español del arte crece. En 2013 se registraron unas ventas en galerías y casas de subastas de 336 millones de euros, un 3% más que el año anterior. Se trata del tercer ejercicio consecutivo con un crecimiento débil, y alcanza sus niveles máximos desde el inicio de la crisis en 2008. En los últimos diez años el mercado del arte en España experimentó un crecimiento de tan solo el 68%, un porcentaje discreto si se compara con el 155% de incremento registrado a escala mundial.
Todos estos datos se encuentran en el informe El mercado español del arte en 2014, presentado por la Fundación Arte y Mecenazgo, impulsada por La Caixa.
Los cinco artistas más vendidos el año pasado en España fueron Pablo Picasso, Joan Miró, Juan Gris, Dalí y Eduardo Chillida. Entre los 20 primeros tan solo figuran dos artistas vivos: Manolo Valdés y Miquel Barceló. Por ejemplo, una obra de Picasso, Femme Assise Près d'une Fenêtre, alcanzó los 33,7 millones de euros en una subasta en Londres.
Los precios medios del arte en España, unos 3.000 euros por pieza, se sitúan por debajo de la media europea, especialmente en los sectores modernos, donde los precios globales son siete veces más elevados en mercados como Nueva York o Londres.
Marcos Nadal

viernes, 14 de noviembre de 2014

lunes, 10 de noviembre de 2014

FOTOS CADA AÑO

Cada año, fotógrafos de todo el mundo participan en el concurso Sony World Photography Awards. 
Los temas de estas fotografías van desde pequeños detalles de la vida cotidiana a impresionantes escenas de culturas remotas.
En la edición de 2014, la organización ha recibido 139.544 imágenes de 166 ciudades, el mayor número de fotos recibidas en los siete años de historia del concurso. Todas las fotografías finalistas se exhibirán en una muestra en Somerset House en Londres del 1 al 18 de mayo. Los ganadores se darán a conocer en una gala en la capital británica el 30 de abril.
Autora de la fotografía: Melissa Golden
Fotógrafa de EEUU, finalista en la categoría Sociedad: foto tomada tras un tornado en Moore (Oklahoma)
Beatriz Castellot

Expansión del arte dentro de nuestras fronteras






















El pasado 6 de noviembre Daniel Merlín, un pintor madrileño, fue elegido como ganador del Premio BMW de Pintura en su 29ª edición. Es un certamen destinado a promover el arte en España, pero sobre todo la pintura, mediante la difusión de las diferentes obras y el descubrimiento de nuevos talentos. Así, la obra de Daniel Merlín, se definió como expresionista, compuesta por papeles pintados encolados pegados sobre un lienzo que representan la cabeza de Samuel Beckett, poeta irlandés y uno de los máximos representantes del experimentalismo literario del siglo XX, resaltando su figura y haciendo referencia al gran ingenio que este poseía.
El Mundo, 7/11/14
Sara Jáñez

miércoles, 5 de noviembre de 2014

DE PASEO POR LA AMPLIACIÓN DEL MNAC

Sara Jáñez nos traía la noticia, el 29 de septiembre, de la ampliación del MNAC de Barcelona, Juan Carlos Calvo lo ha visitado y nos manda su selección de salas. Sin embargo, el románico siempre será el mejor objetivo de nuestras visitas a este museo.

lunes, 27 de octubre de 2014

LOS GRAFFITIS DENTRO DE LA NORMA


Desde la ordenanza de civismo de 2006 en Barcelona se esfumó el graffiti como por arte de magia, todo el arte urbano que había crecido desde los 90 en esa ciudad primeriza de España en la adopción de esta nueva corriente de arte procedentes de Norteamérica se había visto entorpecida e iba en declive.
Pero los escritores y artistas de este Arte, junto con partidarios de este movimiento, no se quedaron de manos cruzadas y comenzaron a promover iniciativas para que no desapareciera por completo el graffiti dentro de la legalidad, ya que fuera, estaba claro que permanecería aunque de peor calidad. Barcelona había pasado de no tener regulación alguna a directamente prohibir.
Tras años de diálogo, acuerdos y tolerancia poco a poco ha habido permitiéndose y creándose nuevas formas de actuación y expresión para este arte de manera legal.
Esta semana se está celebrando la cuarta edición de la OpenWalls Conference en Barcelona, encuentro donde se proporcionan lugares y permisos para dejar expresarse a grandes maestros de "las latas". Esto hace ver claramente que ya hay un punto de inflexión acerca de este tema, tanto es así que dedicaron un día a revisar algunas normativas sobre el graffiti.
Diego García

domingo, 19 de octubre de 2014

Artistas exponen sus obras en El Camaleón

Luis Curán
“El Camaleón” es un encuentro de expresión artística organizado por estudiantes del décimo semestre de la carrera de Ciencias de la Comunicación de la Universidad de San Carlos, Guatemala.
Más de 30 artistas nacionales de distintas ramas artísticas presentaron el pasado Sábado sus más recientes obras de todo tipo (óleos, crayones de cera, grafitis, caricaturas de anime, fotografía...) en la tercera edición del Festival Artístico y Cultural Camaleón. 
El festival nació en 2012 y es una iniciativa de los estudiantes y este año contará con célebres artistas guatemaltecos como invitados.
Arancha Pons
De: http://www.prensalibre.com/noticias/comunitario/Artistas-exhiben-sus-obras-Usac_0_1232876708.html

miércoles, 15 de octubre de 2014

Meadows Museum, un pequeño Prado en el norte de Texas

El ciego de Toledo, Joaquín Sorolla
El museo especializado en arte español más importante del mundo (por detrás del Museo del Prado) está donde nunca iríamos a buscarlo: en Dallas (EE. UU.), en el campus de una universidad privada. El Meadows Museum se creó por iniciativa de Algur H. Meadows, un acaudalado industrial petrolero de Dallas, que en los años 50 visitó España en busca de oro negro. Hizo perforaciones por todo el territorio español, pero no encontró yacimientos dignos de explotación. Con todo, su estancia en nuestro país no fue en vano. Algur se alojaba en el Hotel Ritz y pasaba las tardes en el Museo del Prado con su esposa Virginia, alimentando un amor cuyo fruto cumple en 2015 nada menos que 50 años. Y es que las buenas relaciones del museo texano con los museos españoles ha propiciado continuos intercambios; pero el conocimiento del gran público español se ha retrasado hasta ahora; el próximo año se cumple medio siglo desde que se fundó este tesoro.
Ese "toda la colección" significa más de 200 cuadros, además de esculturas, dibujos y una pequeña manifestación de artes decorativas españolas: Tenemos Velázquez, El Greco, Murillo, todas las primeras ediciones de Goya, Ribera, Miró, Picasso, Juan Gris, Tapiès. Además de mostrar los fondos de la colección permanente, el Meadows Museum hace dos o tres exposiciones temporales al año en las que se esfuerzan por poner en el contexto histórico las obras de arte. La mayor parte de los fondos proceden de distintas fundaciones y donantes privados. Se creó un patronato del museo hace ocho años y ha sido fundamental para el museo por la implicación que se ha llevado.
Silvia Jarque



lunes, 13 de octubre de 2014

LA CUEVA DE ALTAMIRA


La cueva de Altamira en Cantabria, descubierta hace 135 años por Marcelino Sanz de Sautuola y su hija María y cerrada sus puertas desde el año 2002, va a reabrir para que puedan elaborar un documental dirigido por José Luis López Linares. Pese a contar con el permiso del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes, el cineasta ha tenido que esperar casi un año debido a las investigaciones científicas que desde 2012 se vienen realizando para elaborar el nuevo Plan de Conservación Preventiva y determinar el régimen de acceso.
El País acompañó esta semana a José Luis López durante los primeros días de rodaje en la caverna. Éstos vieron como medían la temperatura, la humedad, la presión atmosférica y el CO2, mientras el equipo estaba trabajando en su interior.
El rodaje estaba previsto del 6 al 16 de octubre y solo se autorizó para seis días intercalados y el resto de los días, que serían miércoles, viernes, sábado y domingo la cueva debe descansar, para que las pinturas no se deterioren. Además, el tiempo máximo de rodaje diario establecido es de 360 minutos entre todo el equipo; no obstante sólo se puede estar 120 minutos dentro de Polícromos, la sala en cuyo techo se encuentran pintados los bisontes, el espacio más protegido de Altamira. El maestro de Altamira va a guiar a López por la cueva enseñándole muchas de sus maravillas para que las pueda utilizar en su documental.
Muchos científicos temen que tan solo por visitar unas horas Altamira una serie de personas esas pinturas podrían desaparecer, pero lo más probable es que desaparezcan por la naturaleza, y nada podemos hacer contra ella.
Cuando habían pasado los tres días de rodaje, López pudo conseguir las imágenes y se dio cuenta de que el arte es parecido ahora que hace 15.000 años.
Tamara Pérez

EL ARTE EN FAVOR DEL 9-N

Arte o reivindicación, reivindicación o arte, nunca podremos distanciar la una de la otra como nunca podremos comprender si una nación para la otra. Desde Picasso con su famoso Guernica hasta los artistas del grafiti, pasando por Miró o Delacroix todos han utilizado el arte para revindicar. En la coyuntura actual que vive Cataluña los artistas también han querido dejar claro que su arte también sirve para revindicar. 



Desde el pasado 9 de noviembre el Museo de Historia de Cataluña expone la obra de artistas pro-consulta como Mariscal, Perejaume, Viladecans, Arranz-Bravo y Susana Solano. 
Desde el pantocrátor de Taüll tuneado por Quim Domene hasta un payés con barretina amordazado por una bandera española que le impide hablar dibujado por Anthony Garner, pasando por una partitura de dos pentagramas y dos Sí que simboliza su papeleta electoral, un remake de la Norma de Esquerra o la erótica de votar de Antoni Llena. 
 En definitiva 80 obras en formato DIN-A3 de 100 artistas que plasman en una frase o una imagen, una sola idea, la realización de la consulta.
Pablo Edo

IMÁGENES QUE HABLAN

Todos nos hemos preguntado alguna vez cómo sería el paisaje antes de que nosotros fuéramos sedentarios; antes de que empezáramos a pensar cómo sería posible vivir más cómodos; a pensar, cómo fabricar casas resistentes para cuando se enfade la naturaleza; a pensar que nos mereceríamos, por cada triunfo, un monumento, una estatua, un arco; a pensar en cómo construir caminos mejores; a pensar cómo tener una mayor energía y así, lo que hemos logrado, es hacer llorar a la naturaleza arrancándole poco a poco trocitos de su cuerpo.
Estamos quitando la belleza que tiene este planeta cambiando nuestro entorno a nuestra voluntad, como si fuéramos esos dioses mitológicos de la religión de la Antigua Grecia; o ese dios de Platón, conocido como Demiurgo y caracterizado por ser el artesano del mundo; o tal vez ese dios cristiano, al que llaman Dios; ¿o por qué no? también podemos mencionar al dios de los musulmanes cuyo nombre es Alá. Estamos imitando a estos dioses cuya existencia desconocemos pero que optamos por practicar su técnica, con la diferencia de que nosotros estrangulamos ese cosmos, ese universo, esa naturaleza, que ha ido desarrollándose a lo largo de millones de años.
Esta imagen se puede ver en las redes sociales y a mucha gente le impacta, pues la naturaleza se ha convertido en una mujer a la cual, una mano humana, le está apuntando con una pistola, una pistola que sostiene algún que otro edificio, por lo que este dibujo equivale a una crítica a la excesiva construcción de fábricas, rascacielos, reactores nucleares... que nosotros, con nuestras propias manos, estamos creando. Y claro, no todo cabe en este planeta, si ponemos unos cuantos inmuebles hay que quitar lo natural, lo primario, lo prehistórico. Y sí, esta señora tiene boca y nariz, y ojos, pero no puede decir nada ya que, al fin y al cabo ésta no sabe hablar, porque no es un ser humano, ni un animal que aun podría irse corriendo o gruñir. No, ella está en el suelo, pegada a la tierra por las raíces que la sostienen, o dejándose llevar por ese cauce que le otorga al agua unas vistas de todo un valle u observando desde bien arriba tanto lo que se cuece en las alturas como debajo de sus pies, gracias a los rascacielos naturales, las montañas. Por eso vemos a la mujer llorando, reflejando el dolor que sufre la naturaleza y que la mayoría de la gente pasa de ese detalle.
Todos hemos pensado alguna vez: “menuda catástrofe hemos preparado en tan solo unos siglos cuando a la naturaleza le ha costado millones de años ser tan bella”. Y es que, poco a poco, nos estamos quedando sin esos tonos verdes en primavera, marrones y amarillos en otoño, blancos en invierno... sin esos perfumes que se les escapa a las flores, a los arbustos, a los árboles... nos estamos quedando sin ese néctar tan valioso para las abejas y sin ese polen que, a la mayoría de la gente les provoca un cosquilleo desagradable en la nariz y es la causa de que lloren en primavera y en otoño; pero a la vez, esas plantas que a veces las creemos tan caprichosas y maliciosas nos dan la vida, porque sin esas plantas de múltiples colores, no tendríamos oxígeno porque, aunque sean minúsculas como 'la lenteja de agua' que mide apenas unos milímetros, o tan grandes como la secuoya, que puede medir hasta cien metros , siguen haciendo la fotosíntesis y regalándonos unos minutos más de existencia.
Para finalizar solo me quedaría resaltar la frase que dejó nuestro amigo Parra, 'el error consistió en creer que la tierra era nuestra cuando la verdad de las cosas es que nosotros somos de la tierra.'Tamara Pérez

martes, 7 de octubre de 2014

Goya visita EE. UU.

Boston acoge la mayor muestra estadounidense sobre Goya en los últimos 25 años, bautizándola como “Other Worlds, Other States” (“Otros mundos, otros estados”).
El museo de Bellas Artes de Boston (EE UU), albergará 170 obras de Francisco de Goya entre pinturas, dibujos y grabados.
Gracias a la colaboración del Museo del Prado, promovida por el embajador de España en EE UU y patrocinado por el Banco Santander.
Sin seguir un orden cronológico, las obras se han dividido en ocho categorías distinguiéndose por distintos temas.
Esta exposición es la mayor sobre el maestro aragonés en los últimos 25años, la pinacoteca destaca no solo la colaboración del Prado al haber prestado 21 obras sino también del Louvre, Galería de los Uffizi, del MET y de la Galería Nacional de Arte de Washington, todas ellas añadidas a la colección permanente del MFA que cuenta con unas 60 obras aproximadamente, un gran conjunto de obras del autor.
Marcos Nadal

lunes, 6 de octubre de 2014

Un ayuntamiento borra un mural de Banksy al pensar que era racista


El Ayuntamiento del pueblo inglés Clacton-on-Sea ha borrado un mural de Banksy.
El equipo de limpieza del municipio limpió la pared en la que de forma anónima Banksy había pintado cinco palomas sobre lo que parece un cable eléctrico con carteles contra la inmigración dirigidos a un pájaro africano mucho más exótico.
Un portavoz del ayuntamiento dijo que se había eliminado el mural tras recibirse una queja de que era “ofensivo” y “racista”. Después de enterarse de que la obra ya inexistente era un Banksy, con un valor calculado de 400.000 libras (medio millón de euros), el Ayuntamiento lamentó haber perdido lo que hubiera sido un reclamo turístico.
Banksy, cuya identidad se desconoce aunque se sabe que es de Bristol (oeste de Inglaterra), es conocido por su humor negro y habilidad para la sátira que plasma en murales que aparecen por sorpresa en cualquier parte del mundo y que son cada vez más cotizados en el mundo del arte.
Silvia Jarque
Fuente de información:
http://www.larazon.es/detalle_normal/noticias/7528801/cultura+arte/un-ayuntamiento-borra-un-mural-de-banksy-al-pensar-que-era-racista#.Ttt16dokZivJsxV

domingo, 5 de octubre de 2014

Velázquez, Dalí y el pop

¿Hay algo que siga más la estética Pop que un buen chupachups?.
Dalí diseñó el logotipo (con margarita que envuelve la palabra). La siempre presente infanta Margarita, escapada de las Meninas, se puso su imagen en la cabeza. Y un creativo bañó todo con un aire pop.
La campaña que hizo la infanta Margarita en favor del chupachups lo resume todo en un cartel rosa y amarillo. ¿Más pop?

Pablo Edo

viernes, 3 de octubre de 2014

Cristo se personificó en Cástulo y nos sorprendió siendo alejandrino

Aparentemente desde la lejanía los vestigios de Cástulo (Jaén) son solo un montón de restos, un poblado más en ruinas en nuestra Península. Pero este pequeño poblado no deja de sorprendernos, primero fueron restos iberos (pequeñas monedas, ajuares y algunas necrópolis), más tarde restos cartagineses (el león de la puerta por la que probablemente Aníbal entró a Hispania), a su vez restos romanos (increíbles mosaicos, termas…). Ahora le ha tocado el turno a los cristianos, una patena del S. IV en vidrio con la imagen de Cristo junto a los apóstoles Pedro y Pablo.
La patena, de 22 centímetros de diámetro y apenas cuatro centímetros de altura, está considerada ya como una de las manifestaciones de iconografía cristiana sobre este soporte más antiguas y mejor conservadas de la Península Ibérica.
La figura central es un Cristo en majestad, al más puro estilo alejandrino (imberbe y con el cabello rizado), flanqueado por dos apóstoles, probablemente Pedro y Pablo. La escena se desarrolla en el orbe celeste, enmarcado entre dos palmeras que son símbolo de la inmortalidad. 
Un resto más que destaca la importancia artística de nuestra península y que subraya la calidad de estos vestigios que nos pueden deparar un poco más de luz a un pasado que no está totalmente esclarecido.
Pablo Edo

Las obras de la Colegiata de Santa María se podrán visitar desde el verano de 2015

El templo bilbilitano recibirá hasta entonces una inversión de casi 8000000 euros para abrirlo desde el crucero hasta la capilla mayor.
La Colegiata de Santa Maria Mayor de Calatayud, Patrimonio de la Humanidad, cerrado al culto y a las visitas desde el agosto de 2010, va a conseguir el deseado brillo que necesitaba en los próximos meses.
Se prevé que en el verano de 2015 se abrirá para mostrarse en obras.
Para poder enseñar una parte de la iglesia a las visitas (la zona de crucero y la capilla mayor) tendrán que poner 788.000 euros de los cuales 400.000 los asumirán el Patrimonio Cultural, otros 265.900 la DGA y 125.000 el Ayuntamiento.
Tamara Pérez

lunes, 29 de septiembre de 2014

SALA NUEVA EN EL MNAC


El Museo Nacional de Arte de Cataluña, el cual tiene una de las más prestigiosas colecciones de arte medieval, decide dedicar por primera vez una sección al arte moderno creado desde la segunda mitad del siglo XIX hasta mediados del XX con el objetivo de poder convertir su colección en una de las más importantes. Así, la exposición cuenta con más de 1.300 obras y 260 artistas, entre los que destacan Edvard Munch, Pablo Picasso y Salvador Dalí, entre otros.
Sara Jáñez

jueves, 25 de septiembre de 2014

EXPOSICIÓN DE SOROLLA EN LA FUNDACIÓN MAPFRE DE MADRID

Estos días se está celebrando por primera vez en España la exposición de los cuadros pintados por Sorolla y que son parte de las colecciones de museos norteamericanos.
En 1909 Sorolla enamoró a los norteamericanos con sus cuadros de escenas de playa bañadas por el sol del Mediterráneo y se convirtió en el pintor español de la época más famoso en Estados Unidos.
La exposición se propone relatar la historia de Sorolla en Estados Unidos. La mayor parte de las obras pertenecen a colecciones de museos americanos, se compone de retratos, paisajes y jardines y sobre todo de las playas de su tierra, Valencia.
Beatriz Castellot

miércoles, 11 de junio de 2014

LI HONGBO


Li Hongbo: Statues in Motion from Todd Martin on Vimeo.
Recomendación de Rosa Gasque al saber que El David  de Miguel Ángel nos había visitado en la selectividad.

lunes, 2 de junio de 2014

MONDRIAN, TAN CERCA

Juan Carlos Calvo

domingo, 1 de junio de 2014

PENSAR CON IMÁGENES, PENSAR SOBRE IMÁGENES

Hace poco hicimos un ejercicio sobre la sociedad de la imagen y bueno vi esta foto en Instagram con 1708 me gustas tras solamente 8 minutos de margen desde que esta había sido colgada en este perfil que me dio de pensar. 
La imagen ha sido editada con varios efectos interesantes que muestran una ciudad moderna llena de grandes edificios y con algo de tráfico. Es invierno y está en blanco y negro, una mezcla triste y a la vez elegante. Y delante podemos ver a una chica medio transparente que sobrepasa a toda esa ciudad en tamaño como si la estuviese dominando. Es una chica muy delgada como se puede apreciar, con las piernas separadas por su extrema delgadez, pelo largo y claro, todo ello son estereotipos actuales.
Las manos por encima de su cabeza, en cruz, pero también parece que esté espolvoreando algo, quizás la intención era parecer que era ella la que espolvoreaba la nieve que hay sobre la calle de la ciudad pero también me ha dado a pensar que puede transmitir cómo que está hechizando a la civilización moderna desde arriba, e incluida a ella ya que su cabeza está por debajo de sus manos. 
Finalmente, al ver estas manos cruzadas me ha hecho pensar que es como una señal de que no le gusta eso que pasa, el que nos dejemos dominar por los estereotipos, pero que abre sus manos y lo deja caer sin que nadie aprecie que estas están cruzadas, de que es algo malo, la gente lo ve como algo normal algo a lo que nadie da importancia y por ello no le queda otra que hacerlo, pues casi nadie intenta evitar que cierre sus manos al revés, la inducen a que lo haga (revistas, jefes de pases de modelos, nosotros...). 
Además de que la nieve que está cayendo por su ciudad, bonita y normal, acabará sentimentalmente, físicamente y mentalmente con la felicidad y así con la vida de muchas personas. 
Todos estamos bajo una sociedad dominada por la imagen, eso es lo más importante para casi todos actualmente, la imagen vale más que el corazón, y aunque no se publiquen imágenes con intenciones como esta o parecidas estamos tan influenciados por ellas que no nos damos cuenta de todo lo que estas contienen y de cómo nos están transformando, solo vemos que es una imagen bonita, porque no somos capaces de analizarlas, solo de tragárnoslas hasta ver en ellas algo bonito y normal cuando en realidad, también inconscientemente, puede estar afectando en otro grado a muchos de nosotros.
Gloria Chulilla (4º B)

sábado, 17 de mayo de 2014

JAPÓN EN LA ACADEMIA

Se realiza una exposición en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, que se enmarca en los actos programados para conmemorar el Año Dual España – Japón. 
Kunisada y la escuela Utagawa, exponen una selección de 116 estampas de la colección de ukiyo- e. Es una manifestación artística que su temática abarca imágenes de la vida cotidiana, lugares famosos o actores de kabuki. Son unos ejemplares muy poco conocidos que mantienen su color original y hasta ahora nunca se habían expuesto. 
Esta exposición se realizara desde el 15 de mayo de 2014 hasta el día 10 de Julio de 2014. 
La escuela de Utagawa fue fundada en el siglo XVIII por el famoso grabador Utagawa Toyoharu. Alcanzó una popularidad superior al resto de escuelas. Entre sus artistas destacan: Kunisada que fue el maestro de retratos de bellezas femeninas; Kuniyoshi, fue especialista en estampas de guerreros y Hiroshige fue el gran creador de paisajes.
Alexandra Nastase

martes, 13 de mayo de 2014

LA APARICIÓN DE NUEVAS OBRAS DE DALÍ

La Fundación Gala-Salvador Dalí ha descubierto dos óleos desconocidos hasta el momento que el genio pintó en 1930. Estas dos obras se pueden ver a partir de hoy en el catálogo razonado del artista online, junto con las fichas de otras 756 obras de entre 1910 y 1964, pertenecientes a cien colecciones diferentes.
Una de ellas es “El Simulacre de la nit”, un óleo que se encuentra en manos de un coleccionista privado. En él está representada una mano venosa enrojecida situada sobre una columna apoyada sobre un paisaje estéril y en primer plano un animal putrefacto. La pintura, que hasta hoy no estaba publicada, se pudo localizar gracias a que se supo que Dalí había participado en una exposición surrealista en Tenerife, con dos obras, “Reflexe cranial” y “Lliure inclinació del desig”.
Se localizó gracias a una fotografía de un recorte de periódicos.
En el segundo tramo del catálogo (1931-1939), que incluye 211 pinturas, también se han podido incluir otras seis obras de las que finalmente se ha tenido información suficiente. Algunos ejemplos serían unos óleos sobre tela “El Somni apropant-se” (1932), o el óleo sobre metal “Planxa d’associacions demencials o focs artificials” (1930-31).
La fundación Gala-Salvador Dalí espera incorporar la última etapa de producción del artista, que se compone de obras realizadas entre 1965 hasta el último año de su actividad, se ha destacado que a partir de ahora el catálogo, que pretenden que sea una herramienta imprescindible para profundizar en la actividad artística de Dalí, se puede consultar en catalán, castellano, inglés y francés.
Carmen Zaera

lunes, 5 de mayo de 2014

EXPOSICIÓN: PINTORAS EN ESPAÑA 1859/1926, DE MARÍA LUISA DE LA RIVA A MARUJA MALLO

PARANINFO DE LA UNIVERSIDAD DE ZARAGOZA, del 20 de febrero al 28 de junio de 2014
http://moncayo.unizar.es/unizara/actividadesculturales.nsf
 El objeto de esta exposición es rescatar la producción artística de varias pintoras activas entre mediados del siglo XIX y comienzos del XX y analizarla dentro del contexto social en el que vivieron, realizando un gran esfuerzo, pues buena parte de las obras que la componen se hallaban dispersas o en paradero desconocido.
 Algunas de las expresiones empleadas para calificar a las pintoras activas de esta época fueron “pintoras aficionadas” y “pintoras de flores”, un periodo durante el cual la capacidad intelectual y creativa de la mujer estaba menospreciada en toda Europa. A pesar de ello y de los obstáculos que debieron sortear, un amplio grupo de artistas decidió seguir con su vocación.
 Para presentarla, se ha elegido como punto de partida la figura de la pintora María Luisa de la Riva (Zaragoza, 1859-Madrid, 1926), que sirve como hilo conductor para profundizar en el trabajo de otras 22 artistas coetáneas que desarrollaron su actividad entre 1859 y 1926, y cuya trayectoria no había sido presentada conjuntamente hasta la fecha, aun constituyendo una parte representativa del arte español de ese momento.
 La exposición reúne sesenta y tres obras, en su mayoría pinturas, en las que se muestran los diferentes lenguajes artísticos y que, a grandes rasgos, coinciden con las dos principales vertientes plásticas de la época.
En la primera sala se presenta la más académica, propia del arte decimonónico, y junto a las obras de María Luisa de la Riva, se incluyen otras de autoras como Julia Alcayde, Fernanda Francés o Alejandrina Gessler.
Los inicios de la vanguardia artística de principios del siglo XX, ocupa la segunda sala, y en ella destacan las pinturas de Luisa Vidal, Carolina del Castillo, María Blanchard, Sonia Delaunay o Maruja Mallo.
 Con esta muestra, la Universidad de Zaragoza pretende cubrir el vacío investigador y expositivo existente sobre el trabajo de estas autoras. 
Rubén Sánchez

lunes, 28 de abril de 2014

Homenaje a Salvador Victoria en Rubielos de Mora

Se ha hecho un homenaje a Salvador Victoria que se inaugura con motivo del 20 aniversario de la muerte del pintor y que reúne obras de 17 artistas amigos del creador durante sus años de formación en Valencia y París.
Mompó, Genovés, Andreu Alfaro, Amadeo Gabino, Equipo Crónica, Rosa Torres y Dora Balaguer son algunos de los artistas, cuyas obras se podrán ver más adelante en el Museo Salvador Victoria, que conserva el legado del pintor y obras de otros creadores de la generación abstracta de los años 50, que abrió las fronteras de España al arte de vanguardia internacional.
Salvador Victoria (Rubielos de Mora 1928-Alcalá de Henares, Madrid 1994) estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, donde entabló amistad con algunos de estos artistas que conservó a lo largo de los años, durante los que se fueron uniendo al grupo otros creadores de generaciones posteriores.
Doro Balaguer, que ha viajado a Rubielos para la inauguración, fue gran amigo de Salvador, con quien compartió casa en Madrid después de sus años de formación en Valencia, y luego estudió en París, donde viajaron juntos en 1956.
Además de los pintores y escultores citados, están representados otros artistas del grupo Parpalló, el más importante, que surgió en torno al crítico de arte Vicente Aguilera. Son los pintores Vicente Castellano, Joaquín Michavila, Monjalés y Salvador Soria; el escultor Bayarri y el arquitecto Juan Estellés.
Este homenaje continuará el próximo 14 de mayo, con una exposición en Zaragoza, en el Museo Pablo Serrano, que incluirá la totalidad de las 70 obras donadas por su viuda, Marie Claire Decay.
Almudena Sánchez

miércoles, 23 de abril de 2014

A SUBASTA UNA ICÓNICA OBRA DE WARHOL

Marilyn Blanca, de Andy Warhol, saldrá a subasta en la sala Christie's de Nueva York el próximo 13 de mayo y se espera que alcance un precio de entre 8,7 y 13 millones de euros. Esta obra forma parte de una de las series de este artista más valoradas. Esta obra fue realizada por Warhol en 1962, justo después de la muerte de la actriz. Es uno de los ocho cuadros que seleccionó el artista para su primera exposición monográfica, que se celebró en la Stable Gallery de Nueva York. La obra está dedicada a la dueña de la galería, Eleonor Ward. Otras «marilynes» de Warhol se hallan en lugares de gran importancia: la de color menta se la entregó Warhol a Jasper Johns, la dorada cuelga en la National Gallery de Washington; la azul, en Princeton. 
Andy Warhol siempre sintió fascinación por las estrellas de Hollywood. La obra que sale a subasta es uno de los retratos más icónicos de Warhol, que quedó obsesionado con la actriz, tras su muerte. Con su capacidad única de fusionar la pintura y la fotografía, Warhol crea esta obra, en la que la actriz trasciende como un ser excepcional.
Carlos Punter

miércoles, 9 de abril de 2014

El arte, recompensado en la Iglesia de Sant Climent de Taül.

La Iglesia de Sant Climent de Taül es considerada como patrimonio de la humanidad desde el año 2000.
Sus pinturas fueron arrancadas por miedo a la venta extranjera, pero gracias a la novedad tecnológica podemos observar virtualmente las coloristas pinturas de hace 800años. Esta incorporación tecnológica a costado 400000€.
Un mapping con seis proyectores de gran calidad permite hacer un recorrido en apenas unos 10 minutos. Seis meses después de inaugurarse esta nueva manera de ver y percibir ha recibido un premio internacional "El mejor proyecto multimedia", premio que cada año concede el congreso Museums and web celebrado en Baltimore (EEUU) .
Gracias a este proyecto a aumentado un 40% las visitas respecto al año pasado.
Todo ello ha coincidido con la restauración integral de la Iglesia.
Reyes Pobo

Regresa la figura gitana de Pierre Gonnord

Esta exposición de fotografía realizada en el 2013 como trabajo de Pierre Gonnord trata sobre el pueblo gitano, hace un homenaje a Lorca, estará expuesta en Almeria hasta el próximo 15 de junio inaugurado por la CAF (centro andaluz de fotografía). Esta exposición consta de diferentes retratos como gitanos de Sevilla, de las tres mil viviendas, también incluye paisajes inéditos.
Este trabajo quiere homenajear al clan gitano muchas veces criticado por la sociedad y con pensamientos erróneos.
El autor quiere expresar en los retratos de los gitanos las expresiones de carisma, su reflejo de fuerza y su fe.
Gonnord dejo hace una década su trabajo de economista para dedicarse al mundo de la fotografía y poder vivir nuevas experiencias y nuevos mundos. En la imagen adjunta se muestra la fotografía de una joven llamada Elena con su hijo en brazos mientras reciben un visitante, su rostro muestra verdad con sólo mirarla , es lo que quiso representar Gonnord . Esta fotografía recibe el nombre de Elena y AQuiles.
Por último las fotografías de paisajes y animales reprendan el pueblo nómada en el que se envuelven los gitanos nómadas , un ejemplo claro podría ser el caballo por el que sienten gran admiración.
Reyes Pobo

lunes, 31 de marzo de 2014

ARTE EN CALANDA

Calanda es un municipio de la provincia de Teruel, que cuenta con el Centro Buñuel (CBC) que inaugura desde el día 30 de marzo una exposición de Joaquín Ferrer, pintor procedente de Caspe, que mantendrá expuesta hasta finales de mayo. No es la primera vez que Joaquín Ferrer expone en el CBC, la primera vez fue en el 2007. La exposición actual, llamada Arte en la Frontera, cuenta con 35 obras que su autor define “basadas en la poesía, la música y el ritmo”. Joaquín Ferrer combina geometría, color, armonía e imaginación y opina que “no quiere comentar sus obras ante el espectador ya que un cuadro transmite tantas sensaciones que no quiere condicionar la imaginación de quienes lo observan.” 
Las bandas sonoras y músicas que han inspirado las obras suenan durante todo el recorrido y los cuadros expuestos tienen al lado pequeños carteles que incluyen una parte de la letra de la canción que se plasma en ellos.
La obra de este artista muestra gran influencia de la música de Serrat, John Lennon o José Antonio Labordeta, entre otros. La música es su mayor fuente de inspiración, como explica diciendo “esas canciones que escuchas y acaban transformándote y emocionándote merecen ser llevadas a un lienzo”.
Los cuadros de esta exposición son óleo sobre lienzo y combinan colores cálidos y fríos, y, según explica su autor en la inauguración, tarda un mes aproximadamente en finalizar cada uno de ellos, escucha la música y la traslada al papel, en él hace modificaciones hasta que logra una composición y de ahí la traslada al lienzo donde la termina.
Andrea Maldonado

miércoles, 19 de marzo de 2014

“Veronés: Magnificencia en la Venecia del Renacimiento” se expone en The National Gallery

 Desde ayer The National Gallery reúne 50 obras maestras del pintor renacentista Veronés, uno de los pintores “venecianos” que más destacó junto a sus coetáneos Tiziano y Tintoretto. En sus obras se pueden observar la opulenta paleta de colores, tan propios de la ciudad de Venecia y que parece salirse del cuadro, así como la representación de melodramas bíblicos (“La conversión de San Antonio”, “La boda mística de Catalina”…) y mitológicos en sus lienzos.

Veronés recurrió también al sentido del humor para abordar un tema tan universal como lo es el amor, como ocurre en las cuatro “Alegorías del amor”.
En el «Respeto», el dios Cupido impide que un hombre, presuntamente casado, se acerque a una mujer que duerme desnuda. En la «Unión feliz», un matrimonio comparte castamente una rama de olivo. Pero el amor implica también, según Veronés, «Infidelidad», que representa con una mujer abrazada a un hombre mientras pasa un mensaje en un papel a otro. Y «Desprecio», una actitud que Cupido castiga en un mal marido a base de golpes con su pequeño arco. No se sabe qué representan exactamente, ni quién realizó el encargo al pintor.
Este conjunto de cuatro lienzos perteneció primero a la colección del duque Felipe de Orléans, y, después, pasó por a manos del emperador del Sacro Imperio y de la Reina Cristina de Suecia.
Otro aspecto que hace todavía más atractiva la exposición es que las “Alegorías del amor” comparten sala, por primera vez desde que fueron vendidas a la National Gallery, con “Marte y Venus unidos por el amor”. Esta obra, prestada por el Metropolitan de Nueva York, viene a representarnos la idea del haz el amor y no la guerra. Además la sala incluye una versión más cómica de este último lienzo en la que el caballo de Marte sorprende a la pareja en la cama.


Cabe destacar también que cuarenta de las cincuenta obras expuestas han sido prestadas por otros países, entre las cuales destaca una en especial, “El Martirio de San Jorge”. Se trata de la primera vez que dicha obra es cedida por la Iglesia en la que habitualmente se encuentra, aunque ya viajó a través de las manos de Napoleón, quién se lo llevó como motín de guerra.
En este último lienzo, al igual que en la mayoría de la obra de Veronés, se puede observar la teatralidad en las escenas, la sensación de bienestar y calidez y, en muchas de ellas, el típico desnudo femenino delicado y sensual que los artistas venecianos introdujeron.
Podemos encontrar también algún retrato, como la “Bella Nanni”, de este magnífico maestro veneciano del que tanto se fijaron los artistas más notables de etapas posteriores.


Alfonso González Féliz de Vargas

lunes, 17 de marzo de 2014

RECONSTRUYEN UNA EXPOSICIÓN DE ARTE DEGENERADO DE LOS NAZIS

     
Ziegler /Klee
En 1892, Max Nordau, llevando a cabo un radicalismo crítico, formuló por primera vez el concepto de arte degenerado. A partir de ahí los nazis tomaron esa idea y en 1937 organizaron en Munich una exposición con 600 obras, de las veinte mil incautadas y prohibidas por el régimen, que catalogaron como ''Arte Degenerado''. Acusaban a sus artistas de ''falta de talento'' y a sus obras de ser ''productos enfermos de la locura'' además de no defender la idea de la Alemania Imperial.
Ahora, la Neue Gallery, principal núcleo de arte alemán y austriaco en Nueva York, rescata todas esas obras y las muestra en una exposición denominada: ''Arte degenerado: el ataque al arte moderno en la Alemania nazi, 1937''. El objetivo de la exposición es mostrar la ofensa que hicieron los nazis contra artistas como Paul Klee, Ernst, Emil Nolde... Como mayor atractivo la organización ha añadido uno de los libros originales en los que se hacía inventario sobre las veinte mil obras confiscadas además de un cuadro que Hitler tenía colgado en el salón de su casa a modo de antítesis con el resto de obras.
Fuente: 20minutos.es
Juan Carlos Calvo

viernes, 21 de febrero de 2014

lunes, 17 de febrero de 2014

Exposición "Ernesto Neto: el cuerpo que me lleva"


El Museo Guggenheim Bilbao presenta hasta el próximo 18 de mayo “Ernesto Neto: el cuerpo que me lleva”, una retrospectiva dedicada a la obra de Ernesto Neto (Río de Janeiro, 1964), uno de los artistas más sobresalientes de Brasil, famoso internacionalmente por sus esculturas orgánicas, a menudo de dimensiones colosales.
La exposición reúne una selección de más de cincuenta obras, algunas de las cuales se han reconfigurado específicamente para adaptarse a los singulares espacios arquitectónicos del Museo.
Son obras creadas para atravesarlas, habitarlas, sentirlas e incluso olerlas, con la intención de que el espectador pueda interactuar con ellas, sin perder de vista que, al mismo tiempo, son, como el cuerpo humano, frágiles y delicadas.
Como Ernesto Neto afirma, una exposición es un lugar para la poesía: “Todo el tiempo recibimos información, pero quiero que aquí se deje de pensar. Refugiarse en el arte. Pienso que no pensar es bueno, es respirar directamente de la vida”.
Es un trabajo en el que subyace, de forma permanente, el concepto de 'naturaleza como maestra del arte'. Es de la naturaleza de la que aprendemos, no cabe ninguna duda al respecto. En ella se encuentra y se resume todo. Estoy seguro de que algún día viviremos en plena armonía con el mundo natural, afirma Ernesto Neto.
Dividida en nueve espacios ('¿Por qué vas de nuevo a Roma?', 'Así es la vida', 'La casa de los sueños', 'Dulce borde', 'Que no te asuste el caos', 'Hermano de montaña', 'Trueque trueque', 'Vendo caramelos' y 'Comer con los ojos'), la muestra introduce al espectador en algunas zonas de inestabilidad, para regalarle después momentos de sosiego y de reconciliación con su ser. Un viaje mágico a través de túneles por los que vagar, superficies en las que hundir el cuerpo, figuras prominentes a las que abrazar y entornos fantásticos para oler y sentir.
http://ernestoneto.guggenheim-bilbao.es/
Rubén Sánchez

miércoles, 12 de febrero de 2014

EL GRAN TESORO DE MÚNICH

El anciano alemán Gurlitt, en cuyo piso de Múnich la policía halló unos 1.400 valiosos cuadros, guardaba también en su casa de Austria, más de 60 joyas artísticas, entre ellas lienzos de Monet, Renoir y Picasso.
El portavoz de Gurlitt, explicó que las obras serán examinadas por expertos del mundo del arte para despejar dudas sobre sus orígenes y aclarar si pueden ser «arte robado» por los nazis, como se sospecha de parte del tesoro encontrado en su casa de Múnich.
La existencia de estas obras en Austria amplía aún más la leyenda en torno a la colección de Gurlitt, que tiene 81 años y es objeto de una investigación por presunto delito fiscal.
El hallazgo de alrededor de 1.400 cuadros en su apartamento de Múnich fue guardado en secreto durante más de un año por las autoridades, que defendieron la necesidad de investigar sin la presión de los medios el sorprendente descubrimiento
Entre los cuadros de Múnich había lienzos de Picasso, Marc, Nolde, Spitzweg, Renoir, Macke, Courbet o Beckmann y obras nunca catalogadas y hasta ahora desconocidas de artistas como Marc Chagall y Otto Dix.
Hace unos días la justicia alemana atendió una demanda del popular diario «Bild» y decidió que los medios de comunicación deben tener acceso a una lista completa del denominado «tesoro de Múnich».  Almudena Sánchez

martes, 11 de febrero de 2014

Georges Braque en el Museo Guggenheim de Bilbao

Este verano el Museo Guggenheim de Bilbao acogerá del 13 de junio al 21 de septiembre la obra retrospectiva de Georges Braque.
Georges Braque fue junto a Pablo Picasso y Juan Gris el creador del cubismo e iniciador de los papiers collés o papeles pegados (es una técnica pictórica y un tipo de collage, los artistas pegan piezas de papel, tela, etc., en la pintura, la forma de las piezas pegadas determina un objeto. Georges Braque, inspirado en la técnica de collage de Picasso, fue su inventor.)
Braque centró su obra en el estudio de la naturaleza muerta y del paisaje. Fue considerado el pintor francés por excelencia, heredero de la tradición clásica y precursor de la abstracción de posguerra.
En la exposición podremos apreciar desde su periodo fauvista hasta su obra tardía, que culmina en las increíbles series de los grandes talleres y de los pájaros, poniendo un especial énfasis en las fases más destacadas de su trabajo, como el cubismo o los paisajes del final de su vida.
Carlos Punter

miércoles, 5 de febrero de 2014

domingo, 2 de febrero de 2014

UN ZURBARÁN, 350 AÑOS DESPUÉS



Francisco Zurbarán muere en 1664 tras haber dejado una profunda huella religiosa en la pintura española del Siglo de Oro. Una de sus obras ´´Los desposorios místicos de santa Catalina de Alejandría´´, tras haber ido cambiando de propietario y desaparecer sin dejar rastro, ha aparecido. La podemos contemplar en el palacio de Bellas Artes de Bruselas; en el cuadro podemos apreciar a la Virgen María sosteniendo al niño Jesús que coloca el anillo de casada a Santa Catalina. Zurbarán pintó esta escena en los últimos años de su vida. Mayormente pintaba para órdenes religiosas, produjo un gran número de obras gracias a mantener un taller de aprendices muy activos. Este año es el 350 aniversario de la muerte de Zurbarán.
Carmen Zaera

lunes, 27 de enero de 2014

UN CAMINO AL PASADO


Los portugueses tienen a Domingos Sequeira (1768-1837) en el mismo altar que los españoles colocamos a Francisco de Goya. Para ellos es el artista más importante de su época. Sin embargo, en el país vecino, el nuestro, es un completo desconocido.
El Museo del Romanticismo, en la calle San Mateo de Madrid, se ha propuesto subsanar esta carencia y ofrece una exquisita muestra sobre un pintor que simboliza los hechos históricos y políticos de unos años que, como en el caso de España, fueron para Portugal de grandes cambios.
"Es la época, en los primeros años del siglo XIX, del adiós al antiguo régimen y de la bienvenida a la era moderna, y de ahí que el título de la exposición sea 'En el Umbral de la modernidad'.
La exposición reúne 29 pinturas y dibujos, y ofrece a la entrada un código QR para que el visitante pueda descargarse con el móvil una selección de temas en Spotify del compositor portugués y contemporáneo de Sequeiro Joao Domingos Bomtempo (1775-1842). Una bonita manera de recorrer este camino al pasado.
'Domingos Sequeira. En el umbral de la modernidad'. Museo del Romanticismo (C/ San Mateo, 13).
Hasta el 2 de febrero. De martes a sábados, de 9.30 a 18.30 y domingos y festivos, de 10 a 15h. Entrada gratuita a la exposición temporal.
Rubén Sánchez Urbano