domingo, 17 de mayo de 2015

Chema Madoz impone las reglas del juego

La obra de Chema Madoz posee una elegancia natural. Con fotografías más próximas a la poesía, el fotógrafo llega a la Sala Alcalá 31 (Madrid) donde exhibe, hasta el 8 de agosto, una retrospectiva bajo el título 'Chema Madoz, 2008-2014. Las reglas de juego'.
La exposición reúne 124 fotografías en blanco y negro en papel ‘baritado’, algunas de ellas inéditas, realizadas durante los últimos seis años, una etapa de madurez y depuración conceptual en la que ha profundizado y ampliado las claves que han marcado su investigación fotográfica.
Con esta retrospectiva se puede ver “cómo mi trabajo ha ido evolucionando poco a poco”, asegura el artista. “Lo que ha ido cambiando son los elementos sobre los que voy trabajando, cambia la mirada a lo largo de los años y también la forma de acercarse a los objetos y de trabajar con ellos”.
La poética del objeto ha construido el diálogo en el trabajo de Madoz, abriéndose a otros referentes e influencias como la presencia de la naturaleza, la aparición de la figura animal, la inclusión del dibujo como otra forma de representación o la aparición del texto como un vehículo natural de la imaginación. El artista juega en sus fotografías a la relación entre opuestos, imágenes que “suelen ser binarias. En ellas, dos elementos que no tienen ninguna relación se entremezclan para crear una realidad diferente”.
Arancha Pons

Venecia y el pabellón de los decapitados

Si tu país está en guerra y te invitan a participar en un evento artístico de relevancia internacional como la Bienal de Venecia, (136 artistas, 89 pabellones), tienes dos opciones. La primera es abstraerte de lo que está pasando en tu tierra y presentar creaciones que nada tienen que ver con tu realidad cotidiana. La segunda, superar la concepción meramente esteticista del arte y mirar lo que tienes a tu alrededor.
Irak ha optado por el segundo camino, acudiendo a la 56º edición del certamen veneciano con un pabellón cargado de dolor y de hermosura. «Invisible beauty» (Belleza invisible) lo han titulado con acierto y en él están representadas las creaciones de cinco artistas de EL. .
Haider se ha atrevido a retratar la máxima expresión de la brutalidad: las cabezas cortadas de sus víctimas. Sus ocho acuarelas, en las que predominan el azul, el negro y el rojo, les devuelven a esas personas la humanidad que los yihadistas quisieron arrebatarles. 
Algunos tienen los ojos tapados con una venda, a otros les gotea aún la sangre de la boca, al más desafortunado incluso le han clavado la cabeza en una pica tras decapitarle. 
JabBar se acerca a estas atrocidades con ternura, colocándose muy lejos del espectáculo que algunos canales de televisión tratan de conseguir con la barbarie pero él, utiliza el dolor y le da forma en sus acuarelas, sencillas y directas a la conciencia de quien las contempla, comprensibles para todos y capaces de convertir en algo común a otras muchas de las creaciones.
Este autor se formó en la Escuela de Bellas Artes de Bagdad y hoy vive exiliado en una ciudad de Turquía. Debido a unas circunstancias personales sabe definir lo que es el dolor por ello, dibujo estas escenas terribles.
La brutalidad del EI también impregna las obras de los refugiados iraquíes.
El pabellón está instalado en la isla de San Lázaro de los Armenios, un lugar de singular importancia para la cultura de este pueblo.
Silvia Jarque

sábado, 16 de mayo de 2015

ILUMINACIÓN DEL PRADO

Halógenas (izquierda) y led (derecha)
Contemplar el arte tal y como lo veían sus creadores ante la mirada impasible de sus inquilinos es el nuevo objetivo que se ha planteado el Prado haciendo que en estas salas se haya hecho de día.
El tono amarillento y apagado de los halógenos deja paso a la nueva luz led, consiguiendo un ahorro energético del 75% y los nuevos focos duran 50 veces mas, pero no solo se trata de ahorra, hay más colores más profundidad y más volumen pudiéndose apreciar toda la variedad cromática formal que tienen los cuadros y contemplad con más detalle los matices del moldeado de las esculturas. Durante meses técnicos de Iberdrola y del museo han estado realizando pruebas debido a que los focos led ayudan a la conservación gracias a que no emiten rayos infrarrojos o ultravioleta.
Las salas que ya cuentan con esta iluminación en la actualidad son las que albergan obras del S. XIX y los últimos años de Goya, el broche de oro se dará a finales de 2017 con la iluminación de las meninas, nueva luz para cambiar la forma del arte.
Marcos Nadal

martes, 12 de mayo de 2015

National Gallery de Frederick Wiseman


'National Gallery'
Recomendación de Juan Carlos Calvo (estudiante de 1º de Historia del Arte en Barcelona y antiguo alumno del instituto. Gracias)

lunes, 11 de mayo de 2015

TODOS FOTÓGRAFOS

El Museo d'Orsay de París permitirá a sus visitantes hacer fotos después de que la ministra de Cultura colgara en las redes sociales una imagen tomada en el museo. El Orsay era uno de los pocos museos que mantenía la prohibición de retratar los cuadros que cuelgan de sus paredes. Una regla que no pareció importar a la ministra de Cultura, Fleure Pellerin, que durante una visita a la retrospectiva del postimpresionista Pierre Bonnard fotografió con su móvil una obra y la colgó en la red social Instagram.
La foto no pasó desapercibida para las asociaciones que reclamaban, en nombre de la difusión de la cultura, que se permita fotografiar las obras del museo. El museo aceptó levantar el veto a las fotos.
Queda por saber si, con su foto, Pellerin cometió un error o simplemente trató de forzar al museo a aplicar una medida que ella defiende. La dirección del Orsay reconoce que la foto de la ministra «aceleró» la decisión de levantar el veto.
La ministra, por su parte, afirmó que con su foto lo único que hizo fue incentivar la campaña «Todos fotógrafos», creada en julio de 2014, con la que su ministerio pretende que el público contribuya a la difusión de la cultura a través de la fotografía. En base a ese principio, los museos de la capital fueron permitiendo que se fotografíen sus obras.
Marcos Nadal

domingo, 10 de mayo de 2015

sábado, 9 de mayo de 2015

EL SALÓN DE TODOS: EL CONGRESO BIENAL DE VENECIA

136 artistas, 89 países y 44 exposiciones colaterales reunidas en una sola ciudad, la ciudad del arte, Venecia y hasta el 22 de noviembre en la 56 edición de una Bienal que cumple ya 120 años.
La exposición general lleva el título de «Todos los futuros del mundo» y, como hace presagiar un título tan amplio, aquí cabe de todo. Los pensamientos de Sean Scully en una serie pinturas abstractas que se pueden ver en el Gran Canal, Marlene Dumas (con una serie de pequeños retratos de calaveras), Hans Haacke (con una instalación en la que un ventilador es el protagonista), Walker Evans (con sus míticos retratos de los años 30), Robert Smithson (con la reproducción de su mítico árbol muerto de 1969) o Bruce Nauman, quien expone sus conocidos tubos de neón junto con un conjunto de machetes realizados por AdelAbdessemmed. 
Mención especial tiene este año el pabellón español, consagrado este año a la figura de Dalí, que le sirve como punto de partida a Salazar, que ha realizado una gran instalación para ser recorrida con la vista, el oído y el olfato y a Francesc Ruiz quien ha homenajeado a la publicación «Dalí News» con un quiosco repleto de noticias de escándalos sobre Berlusconi y un apartado de publicaciones para adultos. 
En definitiva, la EXPO del arte que un año más vuelve a la ciudad que inventó el lienzo a su antiguo esplendor y la sitúa en la cabeza del arte mundial.
Pablo Edo

sábado, 2 de mayo de 2015

EL DAVID DE MIGUEL ÁNGEL, MÁS DESNUDO QUE NUNCA

CÓMO SE CONSTRUYÓ LA CÚPULA DE BRUNELLESCHI

SIN TÍTULO

El sábado 11 de abril en la ciudad de Valencia se ha dado a conocer el llamado Street Art Tour mediante una nueva propuesta muy original de CaminArt en la cual se incentiva un nuevo modelo turístico, recorriendo zonas con grandes dosis de arte, a base de murales y “pintadas”. Ha sido un éxito y a este nuevo recorrido turístico de la mano de Belén García Pardo, especializada en el grafiti y post-grafiti de Valencia, se ha unido un gran numero de personas para pasear por el casco histórico de Valencia y el barrio del Carmen, donde podemos encontrar gran variedad de obras de altísima calidad mientras la guía detalla conceptos y diferencias del grafiti o explica algún tipo de información que es importante a ojos del inexperto en el tema, como puede ser el paso de un “grafitero vandálico” a un auténtico artista callejero o la diferencia entre firma, tag, o bombardeo de “pintadas”. Porque no hace falta que el arte esté en un museo o enmarcado en un cuadro tras una vitrina, muchas veces hay arte donde no lo vemos y debemos aprender a ver.
Diego García