viernes, 27 de marzo de 2020

CALENDARIOS ESCOLARES CON HISTORIA: EL VERANO DE SEIS MESES

Vivimos un tiempo atípico, un periodo en casa sin referencias.
Sin embargo, hubo en la historia de España otro periodo sin clase por...orden ministerial.
Designado por Carrero Blanco, Julio Rodríguez Martínez fue nombrado ministro de Educación y pensó en racionalizar el calendario. El curso siguiente no sería el 1973/1974 sino el 1974/1974. Empezaría el curso en enero y terminaría en diciembre. De esa forma los estudiantes que iban a incorporarse a la universidad tuvieron un verano de seis meses. Increíble pero cierto e histórico.
Cesaron al ministro en ese mismo mes de enero.
Aquí tenéis el BOE con la Orden que establecía el nuevo calendario y las razones sociológicas, educativas y económicas que alegaba.

martes, 24 de marzo de 2020

SIGLO XX

miércoles, 18 de marzo de 2020

GAUDÍ Y EL MODERNISMO

Ahí va la propuesta para mañana. Cinco vídeos cortos (6 minutos, 5 minutos, 1'32 minutos, 2,52 minutos y 2,42 minutos) muy visuales que os introducen en el modernismo en general y en el especial y único de Gaudí. A continuación los esquemas del modernismo.

martes, 17 de marzo de 2020

lunes, 16 de marzo de 2020

martes, 10 de marzo de 2020

Los retratos "ocultos"de Rembrandt

Rembrandt es considerado el pintor holandés más importante del siglo XVII ya que logró convertirse en un referente en diversos campos (pintor, grabador y dibujante). Curiosamente, su destreza con el retrato, no había sido suficientemente valorada como para que se organizara en nuestro país una exposición dedicada exclusivamente a esa faceta. Sin embargo, El Museo Nacional Thyssen-Bornemisza sale al paso de esa afrenta. La muestra presenta un centenar de pinturas y grabados que incluye algunos de los mejores ejemplos, tanto de Rembrandt (39 en total, 22 de ellos retratos), como de otros artistas de la época: Juguer Ovens, Bartholomeus van der Helst, Frans Hals, con el fin de mostrar la gran variedad y extraordinaria calidad del Siglo de Oro holandés. Las obras proceden de museos y colecciones de todo el mundo y muchos de ellos no habían estado antes en España (en algún caso, dejan su museo prácticamente por primera vez).
Se supone que su carrera en Ámsterdam pudo despegar gracias a Hendrick Uylenburgh, un primo de Saskia, su esposa. Este trajo al pintor a Ámsterdam con la perspectiva de un trabajo seguro, lo que significaba principalmente producir retratos. Uylenburgh seguramente desempeñó un papel  importante como intermediario para el encargo de La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp, un hito temprano en la obra de Rembrandt debido a la innovadora composición y las cualidades narrativas de la pintura.
Como otros retratistas en Ámsterdam, Rembrandt estuvo condicionado por un mercado sujeto a las leyes de la oferta y la demanda. Pero, a diferencia de otros artistas, él no permitió que la opinión de sus clientes o de sus colegas pintores interfiriera en su inigualable estilo. Es por ello que la exposición hace hincapié en presentar su trabajo junto al de sus contemporáneos, para que se puedan apreciar así sus verdaderos hallazgos.
María Escuin

miércoles, 4 de marzo de 2020

Miró y la musa blanca

El Museo Nacional de Escultura presenta la exposición Miró y la  musa blanca, que reúne 30 esculturas en escayola, la mayoría presentadas por primera vez que el artista realizó como modelos para su posterior fundición en bronce. Las obras se encontraban en el propio taller del autor o en distintas fundiciones.
Todas están realizadas con escayola que ayudan a visualizar el desarrollo de la obra en la imaginación del autor, el propio Miró manifestó en diversas ocasiones su deseo de que fuesen mostradas públicamente, algo que no vio cumplido en vida. Sobre las obras se dijo que “son seres inquietantes que parecen esconder una carga explosiva, disimulada tras su frágil e inofensivo aspecto”. Y la exposición se hace en la Casa del Sol, que es la sede más singular del museo y que contiene también reproducciones de alta calidad de obras griegas y romanas.
Nerea Atienza

martes, 25 de febrero de 2020

Leonardo da Vinci pulveriza el récord histórico de visitantes de una exposición del Louvre

La exposición que durante cuatro meses dedicó el Museo del Louvre al artista en el quinto
centenario de su muerte ha pulverizado el récord de asistentes a una muestra temporal en esa institución. 1.071.840 visitantes, casi el doble  que la anterior más visitada, la de Delacroix en 2018, que registró 540.000.
La dirección del Louvre atribuyó este martes en un comunicado esta «asistencia excepcional» a las 46 jornadas en las que el museo permaneció abierto por las noches, en las que 175.000 visitantes acudieron a la exposición, así como las tres últimas noches gratuitas, algo que nunca antes había hecho.
De media, 9.783 personas asistieron al día a la exposición que reunió entre el 24 de octubre de 2019 y el 24 de febrero pasado una decena de pinturas, un centenar de dibujos y una inédita muestra de imágenes en infrarrojos del icono del Renacimiento.
El director del Louvre, Jean-Luc Martínez, destacó la fascinación que Leonardo genera en el público y el atractivo que supuso haber reunido las principales obras del autor junto a la más icónica de ellas, la Gioconda.
Además, recordó que la exposición solo podía visitarse previa reserva de la entrada, lo que facilitó la acogida de los visitantes y mejoró la estancia de los mismos, que accedieron sin hacer colas. De esta forma, la exposición de Leonardo se convierte en la quinta que supera el millón de visitantes en París.
Claudia Aragón

martes, 11 de febrero de 2020

El Louvre abrirá sus puertas toda la madrugada para ver gratis la exposición de Da Vinci

Será la primera vez que el Louvre abra al público durante toda la noche, desde las 21:30 horas hasta las 8:30 horas de la mañana, las noches del 21, 22 y 23 de febrero, para la exposición temporal de Leonardo Da Vinci, el pintor renacentista.
Se ofrecerán cerca de 30.000 entradas, así Es una forma de decir a todo el mundo que el museo es para todos. Aunque en el año pasado con 9,6 millones de visitantes, un 40 % tuvo acceso gratuito al museo por ser menor de 18 años o menor de 26 y ciudadano de la Unión Europea. Quieren celebrar el fin de la «aventura» que ha supuesto reunir más de un decena de sus lienzos y un centenar de dibujos de Da Vinci, para celebrar el 500 aniversario de su muerte en Amboise (Francia) en 1519.
De las apenas veinte pinturas que se conservan de él, el Louvre considera haber reunido  prácticamente la totalidad de lo que se podía juntar, teniendo en cuenta que «La adoración de los magos» o el fresco de «La última cena» no pueden ser desplazados por su fragilidad.
Además esta exposición, que abrió sus puertas el 24 de octubre, contó durante los primeros dos meses con el delicadísimo «Hombre de Vitruvio», un préstamo que estuvo momentáneamente bloqueado por la Justicia italiana.
Natalia Sánchez.

martes, 4 de febrero de 2020

Desvelado el misterio de la Torre de Pisa: su autor (hasta ahora desconocido) se avergonzaba de su inclinación.

Han hecho falta muchos años (846 para ser exactos) para desvelar la autoría de una de las torres más famosas del mundo y de la más visitada de toda Italia: la de Pisa, ahora se ha confirmado que el arquitecto que la levantó en el siglo XII fue Bonnano Pisano, pero al comprobar que estaba torcida se avergonzó de ella y no quiso firmarla.
La construcción de la torre campanario de la catedral de Pisa comenzó 1173, pero pronto comenzó a hundirse por alzarse sobre un terreno blando y húmedo. Pisano no pudo soportar que su obra tuviera semejante tara, lo que consideró un fracaso personal, por lo que no quiso que se relacionara con su nombre.
Por eso, decidió deshacerse de una piedra en la que se indicaba que él era el autor. Esa roca ha aparecido ahora en las inmediaciones del monumento y ha sido Giulia Ammannati,
investigadora de Paleografía de la Escuela Superior de Pisa, la que ha desvelado el misterio. En la inscripción se puede leer Bonanus civis Pisanus, lo que quiere decir que el creador era
Pisanus, no que estuviera enterrado ahí, como se creía. Según la científica, el propio Pisano se
encargó de tal inscripción.
Las obras comenzadas en 1173 se paralizaron al ver cómo se inclinaba el edificio y no se retomaron hasta un siglo más tarde, cuando Pisano ya estaba muerto. Aun así, Giorgo Vasari, arquitecto italiano del siglo XVI, ya dijo en su momento que el creador del emblemático campanario era Pisano, pero nunca se aceptó tu teoría.
Lucía Garcés

martes, 28 de enero de 2020

La restauración del cuadro «más robado de la historia» sorprende por la humanización del cordero de Dios


La pintura más robada de la historia, obra maestra creada por los hermanos van Eyck llamada «La adoración del cordero místico» o también conocido como el Altar de Gante, ha sido restaurada.
Este cuadro ha sido robado más de 10 veces, por lo que se comprende el mal estado en el que se encontraba y la mejora que requería puesto que ha sufrido incluso quemaduras en su trayectoria.
Según cuenta «Iflscience», sería un vicario el primero que robaría la obra tras un primer siglo de tranquilidad, luego casi es destruido en un incendio por disturbios calvinistas y robada por las tropas napoleónicas. Durante la Primera Guerra Mundial, el cuadro terminó en un museo en Berlín, y su regreso a Gante se convirtió en una de las condiciones del Tratado de Versalles. Pero fue robado nuevamente, en la Segunda Guerra Mundial, Hitler y sus nazis también quisieron hacerse con él y otras tantas vicisitudes hasta ser considerada la pintura con mayores hurtos en su haber.
La pintura, efectivamente, representa a una oveja en un altar rodeada de fieles y está siendo restaurada por fases intentando seguir las formas del original, «con pigmentos similares».
Así, al final de la segunda fase del proyecto, los cinco paneles interiores inferiores, incluida la adoración central del cordero místico, han regresado a su hogar en la catedral de San Bavón este 24 de enero después de un tratamiento de tres años mientras que los ocho paneles restaurados en la primera fase llegarán en febrero. Y lo más sorprendente de todo fue la cara humanizada del cordero, que surgió bajo su aspecto más animal del siglo XVI. El cordero original tiene una «interacción más intensa con los espectadores», afirma Dubois que ahora le queda, junto a sus compañeros, investigar por qué los Van Eyck eligieron ese estilo de rostro con rasgos tan marcados.
En las redes también han circulado incluso memes subrayando la sorpresa que ha causado la visión del cordero que tenía el pintor en su momento original.
María Escuin

miércoles, 22 de enero de 2020

Van Gogh sí se pintó enfermo

El museo del artista en Ámsterdam confirmó el lunes que el Autorretrato de 1889, que pertenece a la colección del Museo Nacional de Oslo desde 1910 sí que era de Van Gogh. La obra muestra los efectos del primer gran ataque de psicosis que sufrió mientras estaba internado en un sanatorio. Durante años había sido descartada por los estudiosos porque no se parecía al resto de su producción. Ahora las conclusiones de la investigación efectuada por los expertos del museo adjudican el cuadro sin dudas a Van Gogh, sumándolo así a los otros cerca de 35 retratos de sí mismo que pintó entre 1886 y 1889. Este cuadro destaca por su expresión con una mirada doliente, casi vacía. El color verde fangoso que utilizó era sobre todo lo que hacía que dudaran del autor de este. Y a través de este cuadro se han desarrollado dos teorías de por qué
se cortó la oreja, la primera es que se enfadó con otro pintor llamado Paul Gauguin al intentar montar una utópica comunidad de artistas, y la segunda teoría es que le dio su oreja a una joven francesa de 18 años conocida suya que trabajaba en un burdel.
Nerea Atienza

sábado, 18 de enero de 2020

VAN EYCK, AL COMPLETO


domingo, 12 de enero de 2020

10 obras de arte que puedes comprar por menos de 1.000 euros

'Murciélago' (2017),
de Pablo Capitán del Río
obras de arte baratasEn la creación artística no hay saldos, pero sí es posible encontrar piezas ajustadas a todos los presupuestos.  Al contrario de quienes aprovechan las rebajas en ropa, los que buscan una pintura, un grabado o una escultura a un precio asequible deben buscar su oportunidad en artistas emergentes o en piezas pequeñas o experimentales de otros más consagrados. En este experimento enseñan 10 posibilidades que no implican arruinarse. Para ello, han fijado un tope de 1.000 euros sin IVA. Algunas de estas obras son:
-How to Catch Cosmic Rays at Home II' (2019), de Linarejos Moreno que es un fotograbado a partir de plancha de polímero, chine-collé y termoimpresión con lámina de oro en papel Somerset Antique y cuesta 300€.
-'Vanguardias 1902-1929' (2019), de Enric Farrés Durán que es una caja de metacrilato que guarda unas páginas que han generado un vacío en el libro original del que proceden. Su combinación ofrece infinitas posibilidades. Esta cuesta 950€.
-'T opicalismo (plátano)' (2018), de Carlos Fernández-Pello, inspirada en una banana sujeta a la pared con cinta adhesiva (una obra de Maurizio Cattelan vendida por 120.000 dólares), en este caso pueden obtener una obra paercida por mucho menos dinero y conseguir este otro plátano de poliespán con enchufe el cual cuesta 200€.
CLAUDIA ARAGÓN

martes, 7 de enero de 2020

QUIZÁS

martes, 26 de noviembre de 2019

Con el cáliz hasta la tumba

El hallazgo de un individuo del siglo XIV enterrado junto a su ‘santo grial’ es uno de los hallazgos más destacados de la arqueología catalana en 2019.
Hace unos días, en Cataluña el protagonista fue un pequeño cáliz de plata con baño de oro en alguna de sus partes y decorado con pequeñas piedras de pasta vítrea.
Las características de la pieza, de 21 centímetros de alto, 12 de diámetro y 350 gramos de peso, remiten a un elemento del ajuar litúrgico de tradición gótica del siglo XIV y se puede encontrar todavía en algunas iglesias como objeto de culto.
Lo extraño es que este objeto se ha localizado, no sobre un altar o en un rincón de una iglesia
perdida, sino junto a un muerto, en la necrópolis situada alrededor de la iglesia de Santa María de Besora (Osona). En concreto sobre el brazo izquierdo de un individuo del que, solo se sabe que era un hombre que se enterró envuelto en un paño de lino.
El cáliz estaba dentro de una caja de madera de la que solo han sobrevivido los clavos de hierro.
El arqueólogo que recuperó este santo grial explica que no tienen ningún indicio de quién era el individuo, quizá un clérigo o el mismo rector de la parroquia que decidió enterrarse con su cáliz, con el que había oficiado durante su vida, o que se trate de un ladrón que se llevó al más
allá su último hurto. No hay ningún rastro que indique que se trata de una cosa o de otra; ni botonaduras, ni hebillas, nada de nada. Hay que esperar al resultado de los análisis de
laboratorio y si se pueden llegar a saber las causas de la muerte del individuo para poder saber más.
Otros de los numerosos objetos artísticos que se han recuperado en el último año en Cataluña son: una lucerna romana del siglo II con forma de gladiador localizado en el área residencial de La Estrella, de Badalona, en el que se han excavado enormes cavidades en las que se encajaron recipientes cerámicos (dolias) para fermentar vino. Y otro de los avances importantes que se anunció fue la localización de las estructuras portuarias de la colonia griega de Empúries (Alt Empordà) que hasta ahora se había resistido a aparecer.
Lucía Garcés

El Roto entra en el Prado de la mano de Goya


Andrés Rábago, conocido como El Roto, ha expuesto 300 obras como homenaje a Goya, llamado “solo la voluntad me sobra”, en el claustro de los Jerónimos del Museo del Prado. Lo que ha querido utilizar son los elementos iconográficos de Goya y pretendió reflejar temas de la actualidad junto con temas que Goya trato. Según el viñetista, una mañana estuvo tomando apuntes de obras satíricas pero le resultaba que iba a quedar heterogéneo, hasta que llego a Goya. Además, con motivo de esta exposición, la editorial Reservoir Books y El Prado han editado un libro que suma 15 dibujos más y dos textos del autor y del comisario de la muestra, José Manuel Matilla.

Algunas de las obras fueron, el dibujo de un condenado por la inquisición que cuelga bocabajo, martirizado, dos siglos después de que Goya reflejase el horror de la tortura. También destaco, lo llaman amor en el que la zarpa de una bestia desgarra el pecho de una mujer, estampa de un día en el que un hombre ha matado de una cuchillada a su pareja en Tenerife. Otra obra fue la de Saturno que no devora a sus hijos, sino salchicha. Por último, una pintura que trata sobre la tauromaquia, en el que un torero se dispone a matar a una mosca gigante. Él critico que no entendía como le han podido llamar goyesca a una corrida de toros (Ronda, Málaga), además sin haber pedido permiso a Goya por ello.
El País. Natalia Sánchez

miércoles, 20 de noviembre de 2019

25 N

martes, 12 de noviembre de 2019

El monumento romano que era visigodo

Resultado de imagen de acueducto milagrosEl mito de que el acueducto de Los Milagros, en Mérida, es de  construcción romana se tambalea. Si hasta ahora se creía que esta edificación monumental había sido levantada en el siglo I d. C., las recientes pruebas de termoluminiscencia realizadas por la Universidad Autónoma de Madrid retrasan su fábrica, por lo menos, al siglo IV, rozando el inicio de la Edad
Media.
Este acueducto de 830 metros de longitud y una altura de 25 metros en su parte más elevada siempre ha sido considerado el paradigma de lo que se supone que es una construcción romana. Pero dos análisis de laboratorio realizados en España y Alemania lo ponen en duda ya que arrojan la fecha de construcción en torno al año 560, ya en plena época visigoda. Según estos resultados, la edificación tendría su origen en una de las frecuentes guerras civiles visigodas.
El ingeniero de Caminos Manuel Durán Fuentes, cree que la arquería de Mérida “presenta fábricas de época tardía por algunos detalles constructivos”. Y lo explica: “Por ejemplo, el empleo de ripiado [pequeñas piedras entre los sillares para nivelar el acueducto] se corresponde más a épocas tardoantiguas y altomedievales que a romanas”.
Durán, que ha estudiado la práctica totalidad de los puentes romanos de Hispania, cuestiona también otras dataciones en la Península. Expone como ejemplo el puente de Villa del Río. “Su
fábrica no es romana tampoco, aunque sí la cimentación”.
María Escuin

domingo, 10 de noviembre de 2019

miércoles, 6 de noviembre de 2019

Viaje a la generación de ‘rock stars’ del arte de los ochenta

Querían acabar con la diapositiva en blanco y negro de la España atrasada y marginal. Así que deciden recurrir al arte contemporáneo para
introducirse en los grandes espacios internacionales. Javier Solana, Ministro de Cultura entre 1982 y 1988, tenía muy claro que con la entrada de España en la Comunidad Económica Europea en 1986 era una oportunidad única para presentar a los nuevos creadores. 1990, en Madrid el Museo Nacional Reina Sofía abriría sus puertas. Hubo entonces cinco artistas que, a modo de rock stars, pasearon su obra por todos los escenarios posibles. Fueron Miquel Barceló, Ferran García Sevilla, José Manuel Broto, José María Sicilia y Miguel Ángel Campano, legaron inmediatamente después otros artistas españoles como Juan Muñoz, Cristina Iglesias, Susana Solano o Juan Uslé, aunque las crónicas de la época se centran en el quinteto capitaneado por
Barceló. Carmen Giménez trajo su experiencia como comisaria independiente y colaboradora del Comité Conjunto Hispano-Norteamericano para la Cooperación Cultural y organizó la exposición,  Contemporary Spanish Prints, que estuvo durante dos años y medio en ocho museos y universidades de los Estados Unidos y allí había obras de varios artistas.
Asegura que ella no escogía a los artistas participantes en las numerosas exposiciones que se celebraban en el extranjero. Todos eran muy jóvenes (en torno a los 30 años), la pintura era su medio de expresión y practicaban un informalismo próximo a lo que se podía contemplar en las galerías de
Nueva York, Londres o París. Nada que ver con las generaciones inmediatamente anteriores. Todos siguieron viviendo de su trabajo y, con mayor o menor fortuna, han seguido apareciendo en diferentes exposiciones.
Nerea Atienza

martes, 29 de octubre de 2019

Arte que suena en los ojos y la imaginación

La Fundación Joan Miró de Barcelona reúne en una exposición 70 obras para mostrar la huella
del sonido en las artes plásticas.

Claudia Aragón

miércoles, 23 de octubre de 2019

DESCUBREN RESTOS VALIOSOS EN EL BARCO QUE TRASLADABA A INGLATERRA LOS MÁRMOLES DEL PARTENÓN Y QUE NAUFRAGÓ


El bergantín se hundió tras haber chocado contra unas rocas en la isla de Citera, al sur de Peloponeso, a pocos metros del puerto de Avlemon en septiembre de 1802.

Arqueólogos subacuáticos griegos que investigan el naufragio del bergantín Mentor,que transportaba a Inglaterra los mármoles retirados de la Acrópolis de Atenas por Lord Elgin, han descubierto objetos importantes que van desde la Antigüedad hasta el suceso.
El embajador británico del Imperio Otomano Lord Elgin consiguió recuperar del naufragio todas las cajas que contenían las metopas del Partenón, unas piezas impresionantes que Grecia aún espera recuperar de Inglaterra. Elgin había conseguido las piezas gracias al permiso del Sultán, tras lo cual mandó arrancar gran parte del friso interior, cortar las metopas para separarlas del alto relieve -lo que provocó la mutilación de muchas esculturas-, y se adueñó de otras, como una de las cariátides del
Erecteion y varias piezas de los Propileos y del Templo de Atenea Niké, todos en la Acrópolis.
Entre los hallazgos de la investigación, que se llevó a cabo entre el 27 de agosto y el 15 de septiembre, se encuentran la empuñadura de una ánfora antigua fabricada en la isla de Rodas, dos pendientes de oro, un anillo también de oro decorado con flores, partes de un compás de madera, tres peones de ajedrez, una vasija de barro que servía para cocinar y poleas de madera con restos de cuerdas.
El mundo, 17/10/19
Natalia Sánchez Gascón

lunes, 14 de octubre de 2019

Recuerdos de Ottawa

Gloria Chulilla, antigua alumna de esta materia y habitante del blog, nos manda su experiencia comparativa al entrar en la iglesia de Otawwa y ver el parecido con su natal Teruel en la iglesia de San Pedro..
Gracias, Gloria.

Dubuffet celebra el arte de los locos y al hombre común en ‘Un bárbaro en Europa’

El IVAM exhibe la obra del controvertido creador francés que rompió con el "buen gusto". Al francés Jean Dubuffet (1901-1985) se le despreció por no saber pintar y por hacer un arte degenerado.
En su credo de Art Brut no distinguía entre el dibujo de una persona ingresada en un psiquiátrico o de un preso y el de un artista reconocido.
En su vida trabó amistad con Henri Michaux, autor del libro Un bárbaro en Asia, en el que el
poeta y pintor relata su viaje por Asia y cómo descubre su condición de bárbaro entre esas culturas. Haciendo referencia a esto, la exposición de Jean Dubuffet que se ha presentado este lunes pasado en el Institut Valencià d’Art Modern se llama “Un bárbaro en Europa” y toma prestado el título de Michaux para mostrar las diversas caras del artista francés.
La escultura 'El triunfante', de 1973, de Dubuffet,
junto a un retrato del artista
y una de las antiguas esculturas que admiraba.
Dubuffet abogó por un arte sin jerarquías, cuestionando la noción académica y acercándose a culturas antiguas. Fue el creador del concepto Art Brut, creaciones realizadas por personas al margen de la cultura artística junto a sus esculturas y cuadros donde destaca el uso del grafiti que él consideraba una de las expresiones más genuinas de la cultura y de la naturaleza humana.     
Para él no importaba quién hubiera hecho la obra, si estaba loco o no, sino que la obra nos enloquezca. Se trata de una retrospectiva dividida por bloques temáticos. El primero está dedicado a la celebración del hombre común, y en él se proclama los valores de la humildad y la modestia. El segundo recorre sus inquietudes etnográficas que vincula con el arte e incluye un despojado y divertido retrato de un Michaux un tanto alucinado. El último refleja la crítica radical de la cultura humanista, cuestionando el punto de vista, el lenguaje, los sistemas de creencias y los valores del arte de la época.
Pinturas de Aloïse Corbaz, recluida en un psiquiátrico suizo,
que forman parte de la colección Art Brut de Dubuffet
Jean Dubuffet presentó bajo un aspecto ridículo el concepto de modernidad blanca y occidental y lo amplió dando voz a un conjunto de aspectos, creaciones artísticas que se estaban elaborando en otras culturas y en otros sectores.
https://elpais.com/cultura/2019/10/07/actualidad/1570454048_817737.html
Lucía Garcés

lunes, 7 de octubre de 2019

Descubierta en casa de una anciana en Francia una pintura del siglo XIII valorada en más de cuatro millones

Un cuadro del maestro italiano Cimabue, del siglo XIII, ha sido encontrado en la vivienda de una localidad francesa. La familia lo tenía colgado en el salón de la cocina sin darle mayor valor. La mujer no supo explicar cómo la obra había llegado a manos de su familia.
El Cristo burlado, un pequeño cuadro pintado sobre madera de álamo de 25,8 por 20,3 centímetros, formaba parte de una serie de paneles en los que el artista prerrenacentista plasmó escenas de la pasión de Cristo. Hasta ahora solo se conocían dos de esas escenas: una Flagelación de Cristo y una imagen de la Virgen.
El hallazgo será subastado el próximo 27 de octubre y será la primera venta de este pintor
italiano en décadas.
María Escuín

martes, 1 de octubre de 2019

Markerad: la nueva colección para Ikea de Virgil Abloh, objetos ordinarios hechos arte

El creador más cotizado del momento colabora con Ikea en Markerad una nueva colección
que introduce un mensaje irónico en la pragmática línea del diseño escandinavo. Todo ello
nace de la ambición de llevar el arte a los objetos cotidianos. "Voy a liderar una nueva era
en que los diseñadores se conviertan en las nuevas estrellas del rock", escribía Virgil
Abloh, que es la figura más destacada de una generación: el año pasado la revista Time lo
incluía entre las 100 personas más influyentes. Al artista 360º, arquitecto de formación, se
le ve tanto fuera como dentro del circuito de la moda y en todos destaca. En julio, por
ejemplo, su nombre aparecía en el cartel de Circoloco en el programa Off Sonar. Porque
también es DJ, y uno muy reputado. Y el pasado julio consiguió que casi mil personas se
gastaran 150 euros en un ladrillo.
Concebir interiores no es algo ajeno a Abloh. El año pasado diseñó una serie de alfombras
para Ikea como adelanto de Makerad. Cuatro modelos los cuales se agotaron en 48 horas.
Además, recientemente ha participado en una instalación para Vitra, que reflexionaba
sobre la relación de los adolescentes con el mobiliario. "El ethos de la colección es añadir
una cualidad artística a artículos anónimos. De la misma manera que puedes colgar una
obra de arte en la pared, esa cualidad artística también puede integrarse en objetos como
una silla, mesa o alfombra. Ese fue el problema inicial que debía solucionar cuando creé
esta colección", comenta Abloh. Y cree que el momento actual es uno que debe dedicarse
a nuevas exploraciones y nuevas declaraciones sobre nuestra época. Además renueva el
concepto en una fórmula de papel reforzado con plástico y el texto "Sculpture", que lanza
una crítica al panorama artístico del momento. "Siempre hay un mensaje subyacente en
mis creaciones. Un poco de ironía y de conexión humana" argumenta. “Llega un punto en
el que te das cuenta de que hacer que un espacio te haga sentir como en casa conlleva
una cualidad intangible. No se trata solo de una silla o su forma. Se trata de crear algo con
carácter que te haga sentir como que ya llevas tiempo viviendo allí", argumenta.
Nerea Atienza