lunes, 9 de diciembre de 2013

VÍCTIMAS MUDAS DE UNA GUERRA



La policía egipcia ha recuperado una estatua del arte egipcio la cual representa a Anjesamón, la hermana de Tutankamón, que fue robada del museo de la localidad de Mallawi en el mes de agosto durante unos saqueos.
La estatua está tallada en piedra caliza, mide 32 centímetros y es una de las piezas más importantes del museo. Fue recuperada por la autoridades egipcias en una operación contra una banda de tráfico de antigüedades la cual pretendía venderla en el zoco de la ciudad a los turistas.
En total la banda robó 1500 piezas del museo de la ciudad de las cuales han podido recuperarse solamente 800. Esta ciudad se ha visto notablemente afectada por los saqueos debido a que se encuentra dentro de una de las provincias más afectadas por el golpe de estado y es uno de los puntos de mayor tensión del país.
Aunque durante siglos se han sucedido los saqueos, desde la revolución que afectó al país en 2011 la protección en los yacimientos arqueológicos ha disminuido notablemente lo que facilita la sustracción de objetos por parte de los traficantes lo cual hace que tumbas como la de Tutankamón cuyo valor radica en su conservación total pierda parte de su importancia y su valor.
Fuente: El País
Juan Carlos Calvo

lunes, 25 de noviembre de 2013

LA CREATIVIDAD A PARTIR DE LA DESTRUCCIÓN

José María Sicilia es un pintor español que estudió en la Facultad de Bellas Artes de Madrid y después se marchó a París. En 1989 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España. Su pintura se caracteriza por un marcado matiz expresionista.

Hace poco ha realizado una exposición llamado “Fukushima. Flores de invierno”, donde refleja las sensaciones tras el terremoto y tsunami ocurridos en Japón, que expone a la vez en Japón y España, como parte del intercambio cultural por los 400 años de relación entre estos países.

Acción Cultural Española inauguró la exposición el pasado mes de octubre en el Fukushima Prefectural Art Museum, y estará expuesta hasta el 1 de diciembre.
En España, la exposición se muestra en una antigua nave de despiece convertida en centro de arte.
Lo que quiere representar el autor es un reflejo de cómo surge la creatividad a partir de la destrucción.
José María Sicilia viajó a Japón poco después del gran terremoto y posterior tsunami del 11 de marzo de 2011, porque lo que pretendía era descifrar sensaciones para proyectarlas de forma visual. Expone la música y el lenguaje del desastre a través del sonido del tsunami, las voces de los supervivientes que subieron vídeos a Youtube y testimonios directos.
Realizó talleres en las ciudades afectadas con psicoterapeutas, profesores y niños, para que estos le expresaran artísticamente su experiencia.
La exposición cuenta con varias esculturas simbólicas, un documental y la banda sonora con esos sonidos recopilados; el nivel del agua, la presión atmosférica, las voces de terror... son plasmadas en creaciones artísticas.

En esta exposición José María Sicilia reflexiona sobre la brevedad de la vida y el ataque de lo inesperado.
Andrea Maldonado

miércoles, 20 de noviembre de 2013

EXPOSICIÓN OUT ART EN TRUJILLO

Esta exposición fue realizada por primera vez en Junio de 2013 al aire libre en pleno paseo peatonal del jirón Pizarro, en el centro histórico de Trujillo, debido a la falta de galerías motivando así a un grupo de artistas plásticos de esta ciudad a realizar una exposición, denominada "Out Art", la cual, es una muestra de pintura, escultura, intervenciones y fotografías de carácter diverso, con el fin de que la gente pueda ver gratuitamente las nuevas tendencias y técnicas variadas del arte vanguardista.
Al igual que la primera edición, el 22 de noviembre a las 10.30 de la mañana se inagurará otra nueva exposición, en la cual, participarán artistas de la Escuela de Bellas Artes de Trujillo.
Esta exposición tiene como fin mostrar el arte vanguardista al público de a pie en uno de los lugares más transitados de la ciudad.
Noelia Maícas

lunes, 11 de noviembre de 2013

UN SECTOR LIBRE DE CRISIS



La semana que viene se celebran en Nueva York una serie de subastas de arte de posguerra y arte contemporáneo, en ellas se ofrecerán obras muy codiciadas por los coleccionistas a precios muy elevados.
El día más esperado es el martes, en el cual se espera obtener más de 495 millones de dólares, superando así a la subasta más cara de toda la historia. La obra más codiciada es un tríptico de Francis Bacon, ''Three Studies Of Lucian Freud'', la cual posiblemente supere el record de 86,3 millones de dólares establecida por el propio artista en 2008 con otro tríptico. Además se piensa que podría llegar incluso a superar al cuadro más caro vendido en una subasta: El Grito de Edvard Munch (120 millones).
Durante la subasta la atención también estará focalizada en el artista neo-pop Jeff Koons y el archiconocido artista pop-art Andy Warhol de los cuales también van a comercializarse algunas obras, se estima que por valor de entre 40 y 60 millones de dólares.
Todos estos precios astronómicos contrastan fuertemente con lo que se paga por obras más antiguas de maestros como Rubens, Goya o Botticelli por las cuales se desembolsan entre 2 y 5 millones y medio aproximadamente. Este desajuste se debe a que cada vez hay menos obras antiguas de calidad que no estén ya en museos y a que la gente quiere comprar arte de su generación.
Fuente: abc.es
Juan Carlos Calvo

miércoles, 6 de noviembre de 2013

¿ARTE?

David Walsh, tras forrarse ganando en el casino, invirtió sus ganancias en una impresionante colección de arte valorada en 80 millones de euros, en las que se encuentran mosaicos romanos y sarcófagos egipcios. Para exhibir estas obras, fundó el Museum of Old and New Art, cuya superficie dobla al Guggenheim de Nueva York. Las obras están mayoritariamente marcadas por su vínculo por el sexo, la muerte y la escatología. Su mundo representa la incertidumbre de la democracia y la duda. La Maison Rouge de París expone una parte de sus posesiones hasta el 12 de enero. Wals incita al visitante a tener una copa en la mano, ya que el alcohol ayuda a entender el arte.
Carmen Zaera

sábado, 2 de noviembre de 2013

miércoles, 30 de octubre de 2013

Un pintor maño triunfa en la feria FRIEZE de Londres




Frieze es una de las ferias de arte contemporáneo más importantes del mundo, que tiene lugar cada mes de octubre en Londres y que cerró, el pasado domingo día 20, con 70.000 visitantes.

En esta edición de 2013, la galería madrileña Maisterravalbuena ha agotado las existencias de lienzos y dibujos del pintor Néstor Sanmiguel Diest .

Néstor Sanmiguel Diest nació en Zaragoza en 1949. Vive en Aranda de Duero y comenzó a pintar casi a los 40 años. Su obra ha cautivado a quienes se han acercado a la zona de proyectos individuales Frame de la feria.

Según explican sus responsables, les quitaron de las manos los 40 dibujos que conforman la exposición «Armas de saqueo» y varios lienzos del artista.

Sanmiguel, de 64 años, había hecho él mismo la selección, rescatando obras de 21 cm. por 30 realizadas entre 1996 y 2006. Rebuscó en sus carpetas, identificó los que le interesaban, y los restauró uno a uno.

Canadienses, austriacos y británicos quedaron cautivados por las obsesivas geometrías narrativas de Sanmiguel. 

Un coleccionista suizo decidió llevárselos todos cuando le dijeron que solo les quedaban once.

«El artista es bueno, y eso es lo que caracteriza Frieze, que aprecian la calidad de la obra aunque no te conozcan como galería», explica Pedro Maisterra, codirector de la galería.
Llamaron a Sanmiguel para que enviara más dibujos, pero la preparación y restauración lleva tiempo.
Sus dibujos se venden a 750 euros, y sus lienzos de mayor tamaño alcanzan los 21.000 euros.

Pero, como ocurre a menudo, es casi un desconocido en España. «En Frieze han venido muchos comisarios españoles confesando que descubrían aquí su obra», explica Belén Valbuena, codirectora de la galería.

En Londres, sus complejas tramas visuales, un uso del color minucioso y sus enigmáticas narrativas encriptadas -sus dibujos llevan títulos como «Parada en Erhenrang», «Sócrates sobre Burbank» o «El arco inconcluso»- han cautivado al exigente público de esta feria.
Rubén Sánchez

lunes, 28 de octubre de 2013

LA FUNDACIÓN Y EL MUSEO REINA SOFIA VAN DE LA MANO



Se ha realizado una reunión plenaria, en la que han acudido los miembros del Patronato de la Fundación Museo Reina Sofía, en la que se ha aprobado la apertura de una oficina en Nueva York, que tiene como objetivo facilitar las donaciones para la Fundación por parte de mecenas y coleccionistas internacionales. También se ha aprobado la incorporación de dos nuevos patronos a la Fundación: el empresario y coleccionista español José Lladó Fernández-Urrutia (primer presidente del Museo Reina Sofía entre 1986 y 1994, y un matrimonio de coleccionistas argentinos que vienen a ocupar los sitios vacantes dejados por otros coleccionistas y financieros. 
  Además, se ha aprobado el Plan de actuación 2013-2014, que recoge como uno de sus principales objetivos reforzar las líneas de colaboración entre el Museo y la Fundación. Por ello, se ha firmado un convenio de cara a vincular ambas instituciones. De esta forma, la Fundación podrá servir como vehículo para la promoción, el conocimiento y el acceso del público al arte moderno y contemporáneo en sus diversas manifestaciones, así como ayudar a promover, enriquecer y difundir su colección en el ámbito internacional y especialmente en Iberoamérica.
El acuerdo servirá, asimismo, para consolidar los programas de colaboración en red ya impulsados por el Museo Reina Sofía con otros museos, centros de arte y centros culturales en el ámbito nacional e internacional.
Almudena Sánchez


miércoles, 23 de octubre de 2013

NUEVA EXPOSICIÓN DE LEONARDO DA VINCI





La academia de Venecia reúne 52 dibujos de Leonardo da Vinci que no habían estado disponibles desde hace treinta años. La exposición está formada por una gran parte de las obras artísticas e investigaciones científicas de Leonardo. Ahora estarán expuestos hasta el 1 de diciembre. Annalisa Perissa, encargada y especialista de obras de Leonardo da Vinci, advierte que solo podrán ser expuestos durante tres meses por motivos de conservación ya que la luz es fatal para los dibujos, pudiendo llegar a borrarlos. Después de la exposición las obras serán guardadas y conservadas en la oscuridad para que no se deterioren.

La exposición constará aparte de las obras de la academia de Venecia de otras valiosas prestadas por la Biblioteca Real de Turín, la Galería de los Uffizzi de Florencia, la Galería Nacional de Parma, la Colección Real del Castillo de Windsorf y el British Museum de Londres.

Carlos Punter

lunes, 21 de octubre de 2013

TINA CELIS VUELVE PINCEL EN MANO

La conocida colombiana Tina Celis expone sus ocho obras en la feria de arte La Aduana en donde plasma en sus cartulinas sus pinturas con acrílicos donde expone evocaciones, momentos y lugares de su vida, tras haber estado casi veinte años apartada de la pintura y el arte.
En sus obras se puede ver una serie de imágenes muy particulares donde utiliza un tratamiento neoexpresionista, cuyo estilo no ha variado a penas a lo largo de su trayectoria profesional.
A pesar de conservar su estilo ha podido variar la significación de sus métodos formales.
Tina Celis ha expuesto en varias ocasiones en la Bienal de Bogotá, en el museo La tertulia de Calí y en varias ocasiones en Estados Unidos.
Por último, podemos comentar que la artista confiesa que uno de sus grandes artistas para ella es el pintor Kiefer y los expresionistas alemanes.Y se siente muy agradecida con su maestro Norman por haberle introducido al mundo de la pintura. Su próximo proyecto es poder promover la pintura de Norman y de ella.
Reyes Pobo

miércoles, 16 de octubre de 2013

Precursora de la Gioconda



Expertos de la Universidad Leonardo, han anunciado el descubrimiento de un retrato de Isabel de Este, pintado por Leonardo da Vinci. Este retrato había permanecido 500 años en el anonimato y puede considerarse, Isabel, una de las precursoras de la célebre Mona Lisa.
El retrato a color, ha sido encontrado en el búnker de la casa de una adinerada familia suiza y es el sucesor del carboncillo. Todo indica que, el carboncillo fue realizado por Da Vinci a principios del s.XVI cuando era huésped del marqués Francisco II Gonzaga en la ciudad de Mantua.
El profesor Pedretti, califica este retrato como una pintura excepcional y asegura que es único en el mundo.
Esta pintura es un óleo sobre tela realizado entre los años 1513 y 1516. Mide unos 61cm de largo y 46,5cm de ancho y presenta varios motivos iconográficos inspirados en Santa Catalina de Siena como la corona y el cetro.
No hay dudas sobre su autenticidad ya que Pedretti afirma que la tela sobre que ha sido pintado es auténtica.
Similitudes con la Gioconda:
El color, la iluminación y la pose de ambas modelos.  
Alexandra Nastase

jueves, 10 de octubre de 2013

EN EL FONDO, LA HISTORIA DEL ARTE


El pasado lunes, Lady Gaga, presentó la portada de su nuevo trabajo discográfico ARTPOP, curiosamente con varias evocaciones a la historia del arte. El nacimiento de Venus de Botticelli y Apolo y Dafne de Bernini componen el fondo mientras que la figura de la cantante viene representada por una escultura del artista neo-pop Jeff Koons, el cual se auto inspira en su obra y coloca la bola azul mono cromada tan característica de su serie escultórica Gazing Ball. Toda la portada es una metáfora sobre la concepción artística (Nacimiento de Venus y la estatua de la propia Gaga, en posición de parto) y sobre el proceso de transformación y evolución al que se ve sometido el artista durante la creación de su obra (Apolo y Dafne). La escultura azul metalizada muestra el reflejo de un museo ya que la obra será posteriormente expuesta en diferentes museos estadounidenses y se quiere transmitir esa idea también en la imagen fija que el álbum llevará como portada
Juan Carlos Calvo Asensio

miércoles, 9 de octubre de 2013

KLIMT Y EL RETRATO VIENÉS

El museo de Londres, National Gallery, lleva a cabo una exposición sobre el retrato en Viena en 1900. Cuenta con obras de Klimt, Schiele, Gerslt, Kokoschka y Schonberg.
La editorial Taschen pone a la venta una recopilación de las obras del icono modernista que recopila por primera vez la obra de Klimt casi íntegra.
Gustav Klimt decía que “la clave no está en saber a cuántos les ha gustado, sino a quién le ha gustado”.
La obra de este famoso pintor es la protagonista de la exposición que da comienzo el 9 de octubre en la National Gallery de Londres, llamada: “Frente a la modernidad: El retrato en la Viena de 1900”, y que durará hasta el 12 de enero de 2014.
“El retrato en la Viena de 1900” también cuenta con obras de otros grandes artistas del período: Egon Schiele, Richard Gerstl, Oscar Kokoschka y Arnold Schonberg, exponiendo pinturas como “La familia” (autorretrato) de Schiele, “Autorretrato desnudo” de Gerstl, y de otros artistas importantes aunque menos conocidos en la época.
Y se muestran obras de Klimt como “Retrato de una dama de negro” o “Ria Munk en su lecho de muerte”, aunque no estará su cuadro más icónico, “El beso”.
Esta exposición aparece un año después del 150 aniversario del nacimiento de Klimt, coincidiendo con la publicación de una obra llamada: Gustav Klimt. Obras completas, de Tobías G.Natter director del Leopold Museum de Viena e historiador de arte, donde hace un detallado repaso a la carrera de este “representante del modernismo”.
Andrea Maldonado

lunes, 7 de octubre de 2013

ANÁLISIS DE UNA IMAGEN PUBLICITARIA



         El cartel publicitario de esta cadena de grandes almacenes (como se señala en la parte central inferior en inglés y en español), es un interesante laberinto por el que nos atrevemos a perdernos para disfrutar descifrándolo.
 La composición, geométrica, organizada y equilibrada va acorde al marco arquitectónico que ocupa el fondo, un conjunto de arcos de medio punto, bóvedas de cañón y arcos carpanel (al fondo). Un fondo neoclásico que, a su vez, hace un guiño al tono marmóreo del que está impregnada toda la imagen. Podríamos pensar que ese tono hace alusión a la temporada de otoño, pero el cartel lleva expuesto desde la Navidad del año pasado, así que no tiene por qué ser así. Además, la composición triangular del centro sugiere la silueta del ya casi tradicional árbol de Navidad.
Sobre este fondo, en primer plano y en el centro de la imagen, tres triángulos: uno escalonado y lleno de triángulos verdes, negros y blancos que sirve de apoyo a la modelo cuyo vestido liso, blanco en su mayoría, vaporoso (para nada escalonado), forma otro triángulo. Ambos triángulos forman el tercer triángulo que los engloba cuyo vértice superior se encuentra en el rostro de la modelo. La chica es la única presencia humana y ocupa el espacio central con un gesto clave que da sentido al resto de la imagen. Tiene los ojos cerrados y nosotros, como espectadores, vemos lo que ve, lo que imagina. Los pájaros de la parte derecha, relacionados con la decoración vegetal del vestido que produce un efecto de plumas de pájaro, son el puente que une el espacio exterior con el interior, un espacio híbrido, suntuoso e iluminado donde, como en los sueños, todo es posible. La indumentaria de la modelo aporta nuevas referencias. Destacan las cadenas, los brazaletes (en espiral, diseño que nos recuerdan a modelos íberos) y la gargantilla que, aun siendo metálicos, tienen forma de encaje, un contraste que rompe una imagen idílica.
Estos triángulos aportan un mayor equilibrio y sobriedad a la composición, además de ser continuidad del logotipo de El Corte Inglés, situado en la esquina inferior derecha, con un color contrastante y que sirve como un inicio al triángulo de las bolsas de la parte central. En definitiva, una composición en la que se enfatizan los valores clásicos: geometría, composición equilibrio, racional, sobriedad, ensalza el arco de medio punto (y no esconde el arco carpanel, al fondo), e incluso el tono marmóreo. Y como reafirmación de este estilo, la decoración de dragones a candelieri en el friso que recorre la estancia principal y las guirnaldas que recorren los arcos. Este marco arquitectónico palaciego y sofisticado nos lleva a una arquitectura historicista nutrida de variedad de estilos, desde la referencia a Miguel Ángel en las pinturas del techo, los estucos asimétricos del rococó, las referencias neoclásicas ya señaladas y las figuras femeninas de los capiteles y los cajeados de los pilares de evocación modernista. Destaca el suelo laminado de madera, un elemento contrastante del material orgánico y cálido con el carácter frío e inerte del mármol que reafirma la contraposición del mundo onírico y el mundo real.  
 A ambos lados del triángulo, dos vanos de medio punto nos permiten la entrada a unas grandísimas galerías donde encontramos un panorama arquitectónico descriptivo de varias ciudades españolas muy influyentes en el desarrollo de la cadena de estos grandes almacenes y de la industria textil en España: Barcelona, Madrid, Sevilla y Valencia.
 Para encontrar un sentido al porqué de estas ciudades tenemos que recurrir a su historia. El Corte Inglés inicia sus camino en Madrid y toma el nombre de una sastrería de 1890. En 1935, se compra la sastrería y se inicia un proceso de expansión y crecimiento empresarial que se verá frenado durante la Guerra Civil. En 1940, Ramón Areces constituye ya la sociedad limitada El Corte Inglés. Del mismo modo que la Guerra Civil influyó en el desarrollo del gran almacén, también lo hizo la época del Desarrollismo, los años sesenta. Fue cuando se inauguraron nuevos centros periféricos, como en Barcelona, Bilbao o Sevilla.
 Desde finales de los sesenta hasta mediados de los noventa, se da un fuerte crecimiento, caracterizado por la apertura de nuevos centros en otras capitales de provincia y por la diversificación de la actividad comercial: se crea la sociedad Viajes El Corte Inglés (1969), Hipercor (1979), la sociedad Centro de Seguros (1982)…
 Con el tiempo, El Corte Inglés ha ido creciendo, creando nuevos centros por toda la Península y en el extranjero, además de establecer convenios con diversas empresas extranjeras que le permiten una mayor movilidad empresarial y comercial. Queda así justificado la muestra de estas ciudades españolas: Madrid, lugar de inicio y centro coordinador, Barcelona, Sevilla y Valencia.
 Dos conocidas puertas son la vía de paso para acceder al resto de la arquitectura enmarcada por los vanos de medio punto: la Puerta de Alcalá y las Torres de Serranos (hacían –y hacen- función de uno de los accesos principales a la ciudad de valencia). En el vano de la izquierda, Barcelona y Madrid. La fácilmente reconocible Sagrada Familia de Gaudí en Barcelona (iniciada en 1882) domina verticalmente un espacio en el que entramos por la madrileña Puerta de Alcalá del arquitecto Francesco Sabatini (1769-1778). Entre uno y otro, la plaza España de Sevilla con una de sus torres. En el vano derecho accedemos por el río Turia de Valencia (lo señala la vegetación de primer plano con palmeras datileras o Phoenix dactylifera) ante las Torres de Serranos (no son las Torres de Quart porque éstas son redondas, no poligonales). Al fondo, como eje vertical, sobresale la Giralda de Sevilla y todavía más al fondo, el skyne line de Madrid con los rascacielos de la Castellana.
 El tipo de letra es CENTURY GOTHIC. Fue diseñada por Monotype en 1991, basada en la 20th Century de Sol Hess entre 1936 y 1947. Esta tipografía está muy indicada para lograr una buena reproducción en los medios digitales actuales. Es clara, legible, grande y sencilla, por lo que es muy empleada en titulares, rótulos, slogans… Como es nuestro caso. La letra, que se ha empleado en el anuncio, además de ser legible y clara, va a tono con el estilo neoclásico ya señalado.
 Como elemento anecdótico, la bandera de la Comunidad Valenciana, que nos dice que la imagen fue tomada en la Calle Colón de Valencia.
 Un anuncio clásico en la composición, la letra y los tonos, elevado con el bilingüismo en el texto (inglés y español), español por las referencias geográficas y de El Corte Inglés por los colores ensalzados: el negro, el blanco y el verde (en el fondo, la referencia al mármol y los detalles vegetales en los que no se ha suprimido el color verde). 
Rosa Gasque Rubio

EL SUEÑO SURREALISTA EN EL THYSSEN

Noelia Maícas

miércoles, 2 de octubre de 2013

¿MENINAS DE DORSET DE VELÁZQUEZ?

 Hasta ahora se le atribuían a Martínez del Mazo, su yerno.
Algunos como Javier Portús afirman que no son de Velázquez.
Matías Díaz Padrón ha asegurado hoy en un acto celebrado en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando que las Meninas de Dorset que están en el museo Kingston Lacy son también de Velázquez y además son las primeras que hizo, puesto que se trata de un boceto de su obra que posteriormente entregó. Los argumentos que da es que esa obra de arte fue demasiado costosa económicamente para haber sido creada por un discípulo, y si realmente fuese una copia, también aparecerían las figuras más importantes: los reyes.
Alba Hinojosa

lunes, 30 de septiembre de 2013

UN NUEVO DAVID, UN NUEVO NAPOLEÓN

 El investigador Simon Lee ha identificado, en Nueva York, un retrato de Napoleón Bonaparte pintado por Jaques-Louis David. La obra, que hasta ahora había sido identificada una copia, fue comprada en 2005 por un coleccionista privado por unos 18.000€.
El cuadro representa a un Napoleón en 1813, en un momento especialmente delicado ya que Gran Bretaña y Prusia amenazaban con invadir Francia.
Dicho retrato formó parte de la colección de una familia que era residente de un castillo de Escocia, hasta llegar a una generación que decidió cederla a la Real Academia Escocesa.
Según Simon Lee, la presencia que este cuadro tuvo en Escocia refleja la admiración que despertaba el emperador. Lee, dice también que el cuadro buscaba fomentar el patriotismo pero que no se pudo hacer llegar dicho mensaje  a un destinatario muy amplio ya que al ser invadida Francia, la obra dejó de estar en circulación.

Alfonso Féliz de Vargas

domingo, 29 de septiembre de 2013

EXPOSICIÓN: ROSA Y SUS ATMÓSFERAS


El próximo día 3 de octubre, jueves, se inaugura en la Cámara de Comercio una exposición de Rosa González. Podrá visitarse hasta el 13 del mismo mes.

miércoles, 25 de septiembre de 2013

FRIDA KAHLO EN FOTOGRAFÍA



El museo La Casa Azul, antigua residencia y actual museo de Frida Kahlo, ha recuperado 369 fotografías de un total de 6500 que forman la colección fotográfica de la artista. Las fotografías las cuales están en proceso de restauración muestran escenas de Kahlo junto con su marido, el pintor y muralista, Diego Rivera y algunos fotógrafos amigos de la pareja.
La restauración consistirá en el análisis y diagnóstico de cada una de las fotos para su posterior restauración en base a su deterioro, edad y estética. Posteriormente las fotografías se someterán a un proceso de restauración consistente en la limpieza de las mismas, la eliminación de cuerpos adheridos a ellas y su posterior laminación para una mejor conservación en cara al futuro. Estas fotos serán añadidas a la extensa colección de documentos, fotos, dibujos y objetos personales que dejó la artista tras su muerte entre los que se incluyen 6.500 fotografías, 3.874 publicaciones, decenas de dibujos, objetos personales, 300 prendas de vestir, calzado, juguetes…
Juan Carlos Calvo

viernes, 26 de julio de 2013

LOGO, LUEGO EXISTO


Aquí dos logos de sendas empresas constructoras que han elegido elementos característicos de la historia de la arquitectura: el ritmo serliano y el arco conopial.
Rosa Gasque

domingo, 23 de junio de 2013

ME GUSTA (ROSA)

ME GUSTA (REYES)

ME GUSTA (RAQUEL)

ME GUSTA (JOSÉ)

ME GUSTA (PAULA)

viernes, 14 de junio de 2013

FRIEDRICH NUNCA MUERE


Esta nueva publicidad recoge un poco la característica de Friedrich de adelantar con su pintura romántica movimientos posteriores, como el expresionismo.
Rosa Gasque

lunes, 10 de junio de 2013

ME APUNTO 2013


Demostrado: la construcción de unos buenos apuntes conducen a un buen resultado. Su elaboración conlleva interiorización de los contenidos, estructuración de la materia y de lo aprendido, fijación de imágenes, gusto por el trabajo bien hecho (y guardado para la posteridad)...
Enhorabuena.

domingo, 26 de mayo de 2013

lunes, 20 de mayo de 2013

Comentar una obra actual: JERUSALEM AZUL, AURORA VALERO



Jerusalem Azul es un óleo sobre lienzo realizado por Aurora Valero. Fue concebida en el año 2000, después de haber viajado a Israel junto con otros pintores de todo el mundo, cuyo objetivo era pintar Israel. Sería una experiencia muy importante para ella, que intentó reflejar de un modo abstracto en su obra.
           Presenta un formato apaisado, por lo que se trata de un paisaje. Este aspecto se corrobora con el título de la obra, por lo que también podría considerarse una vedutta, representación pictórica de una ciudad, aunque el concepto quede un poco desvirtuado por el grado de abstracción.
            Fruto de esa abstracción observamos que la línea, concebida tradicionalmente como elemento que retiene el color, ha desaparecido, dando paso a un virtuosismo cromático mediante manchas de color con aspecto descuidado, pero con un trasfondo expresivo y emotivo. Predomina una cromática fría, limitándose al color azul y algunas manchas de negro y gris. Esta monotonía se rompe con el color ocre u oro en el centro del lienzo que, además de contrastar, simula un segundo plano al encontrarse debajo de la capa azul. El empleo de este color puede deberse a la posesión de la ciudad por el bando israelí en la fecha en que se concibió, cuya bandera juega con los mismos tonos cromáticos (excepto el oro).
            Al igual que se anula la línea, también el volumen, la luz y la perspectiva, propio de la abstracción, cuyo objetivo no es reflejar fielmente la realidad, sino huir de una representación figurativa que evoque algún aspecto de la misma. A la composición horizontal se contraponen las pinceladas verticales del centro del lienzo, que rompen la horizontalidad tan definida de la obra, tanto por el formato como por la mayor parte de las pinceladas.
           Es una obra abstracta, con ciertos rasgos expresionistas como es el trato del color (pincelada cargada) y la gran vinculación de la autora con la música para realizar sus obras. El movimiento abstracto surgió alrededor de 1910, formando parte de las vanguardias artísticas. De las tres corrientes abstractas, muestra rasgos de la abstracción lírica (supresión de la línea), o del Neoplasticismo Holandés (colores básicos, predominio de la línea recta). Los rasgos expresionistas recuerdan, en cierto modo a la pincelada de Van Gogh, Goya o Munch, uno de los principales representantes del movimiento de vanguardia que surgió  alrededor de 1900.
           Aurora Valero nació en Alboraya en 1940. En los primeros años muestra una obra muy cercana al expresionismo, hasta que comenzó a experimentar con el modelado en la segunda etapa. A partir de 1980, comienza a mostrar rasgos de la abstracción sin abandonar la figuración, como muestra en la serie Versit Barat, a la que pertenece la obra comentada.
             En 1969 fue nombrada Catedrática Numeraria en la universidad de Córdoba, Barcelona y la Politécnica de Valencia, en la que desde 1988 es Doctora en Bellas Artes. Además, recientemente ha sido nombrada Académica Numeraria de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Ha realizado un total de doce series, muchas de ellas expuestas por diversos países, como Italia, Francia, Nueva York, Japón.
           Esta obra se presenta como una fotografía, pues las pinceladas no se ciñen a las dimensiones del lienzo, sino que se cortan, como si fuera una panorámica que no ha entrado en el objetivo de la cámara. En el período en que se realizó, el conflicto palestino-israelí atravesaba por una nueva etapa de violencia tras el intento de estabilización con el Camp David. Se iniciaba en septiembre (después de la temporada propia de peregrinaciones en la que pudo acudir la autora) la Segunda Intifada.
              Rosa Gasque Rubio

Comentar una obra actual: L’HORTA, AURORA VALERO



L’ Horta es el óleo sobre lienzo realizado por Aurora Valero en 1980, como protesta contra las políticas que destruían la huerta valenciana llevadas a cabo en esta época. De temática costumbrista, muestra un formato apaisado, propio de las representaciones de paisajes.
Presenta una concepción de la línea racional, marcada con color blanco, que rige la organización de la obra. Al igual que con las pinceladas, ofrece una contraposición compositiva entre las líneas y pinceladas verticales del centro y las horizontales de los lados.
                El color se encuentra, de esta manera, supeditado al dibujo, ofreciendo al mismo tiempo un nuevo contraste, entre los colores cálidos predominantes con los fríos del centro, que representan las acequias. Transmiten una sensación de calidez, de lo cotidiano, de un elemento “de estar por casa”, con el que la autora está muy relacionada. En el trato del color podemos señalar también la facetación de las parcelas que representan los campos, sin un sentido realista.
                Fruto de esa facetación, la luz no está definida y se ha eliminado el volumen, como la perspectiva. Está concebido desde un punto de vista cenital, lo que puede dar lugar a una confusión con una perspectiva aérea. La composición, centrífuga por la dirección horizontal de las pinceladas, es en sí racional, fomentada esta racionalización por las líneas marcadas y el predominio de formas geométricas.
                Como muestra de su carácter abstracto, no muestra ninguna referencia a la realidad, aunque la crítica que realiza puede encontrarse con las líneas rectas. Estas líneas no se observan en el entorno natural, sino que son fruto de la intervención humana, criticando así las políticas antinaturales que se pretendían llevar a cabo.
                Además de ser una composición abstracta, muestra rasgos también propios del cubismo, especialmente en la anulación del volumen, de la luz y del realismo con la facetación cromática. La abstracción surgió en torno a1910 como un movimiento de vanguardia más. De las tres corrientes abstractas, muestra rasgos del neoplasticismo holandés con el predominio de la línea recta y de los colores básicos (amarillo y azul), aunque en esta obra aparecen graduados, complementados por colores neutros, como el negro, el blanco o el gris. 
Nacida en 1940 en Alboraya, Aurora Valero ha experimentado una evolución en sus obras. Su primera etapa está marcada por el estilo expresionista, hasta que comenzó a experimentar con el modelado. Las primeras obras abstractas las realizó a partir de 1980, como esta serie de L’ Horta, a la que pertenece la obra comentada. Después de ser nombrada Catedrática Numeraria en la universidad de Córdoba, Barcelona y la Politécnica de Valencia en 1969, es desde 1988 Doctora en Bellas Artes. Además, recientemente ha sido nombrada Académica Numeraria de la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Ha realizado un total de doce series, muchas de ellas expuestas por diversos países, como Italia, Francia, Nueva York, Japón.
 En los inicios de la década de 1980, España iniciaba el proceso democratizador, mostrando un fuerte desarrollo económico, gracias en parte a la expansión turística y al crecimiento demográfico. Estos dos factores supusieron una fuerte agresión al ámbito agrario, especialmente en la costa mediterránea. El planteamiento simbólico de la obra era denunciar esta agresión, que desde el punto de vista de la autora destruía la cultura tradicional de muchos pueblos valencianos.
Con todo ello, podemos observar grandes semejanzas compositivas con la obra Composición en rojo, azul y amarillo de Mondrian, uno de los principales representantes del Neoplasticismo holandés. La facetación cromática nos remite a la obra de grandes pintores cubistas, como Picasso y, por el trato del color, podemos establecer cierta semejanza con los impresionistas, como con el pintor valenciano Sorolla que, siguiendo la nueva teoría del color, realizó juegos cromáticos con colores contrapuestos (facetación azul en el color amarillo). 
Rosa Gasque Rubio

martes, 14 de mayo de 2013

Choque franco-alemán en el Louvre



La exposición llamada De L’Allemagne 1800-1939, inaugurada hace poco más de un mes en el museo del Louvre, ha provocado una gran polémica al ser considerada por los alemanes como una interpretación falsa del arte, siendo relacionados cuadros de temáticas paisajísticas con el germen hitleriano y la catástrofe de la Segunda Guerra Mundial. Esta exposición fue creada con la intención de estrechar los lazos entre Francia y Alemania (contó con el patrocinio de François Hollande y Angela Merkel), como celebración del 50 aniversario del Tratado del Elíseo, el cual permitió sellar la paz entre ambas potencias tras casi un siglo de enfrentamientos.
La prensa alemana ve el acontecimiento como un “escándalo político-cultural”, puesto que se muestran interpretaciones como que el neoclásico alemán anticiparía la escultura de Arno Breker y la arquitectura de Albert Speer, considerando este arte programado para la catástrofe y la guerra. Otras visiones de la prensa son, por ejemplo, que este punto de vista elegido por los franceses se debería a un posible sentimiento de inferioridad provocado por el mal estado de su economía respecto a la alemana, o que la exposición termine justo en el año 1939 no es una mera casualidad. El Centro Alemán de Historia del Arte , el cual participó en la gestación de la muestra, denunció que el Louvre había ignorado sus consejos sobre la línera directriz de la exposición y la redacción de los textos que acompañan a las obras, juzgados tendenciosos.
Estas acusaciones parecen ser originadas por la estructura elíptica de la muestra, y la poca presencia de los expresionistas, o la ausencia de la Bauhaus.  El director del Louvre, Henri Loyrette, ya ha comunicado que en ningún momento el museo ha intentado dar una visión siniestra de Alemania. Hollande y Merkel todavía no se han pronunciado.
Reyes Quiñones

sábado, 11 de mayo de 2013

Nouvel sella su idilio con Barcelona mediante un jardín vertical



El arquitecto francés Jean Nouvel junto el estudio Ribas&Ribas han creado el hotel Renaissance. Su principal elemento son las palmeras. El centro está abierto al exterior y une las dos torres donde están las habitaciones. La palmera plantada en el centro es el tema principal sobre el que está construido el edificio ya que todo el edificio la evoca continuamente y con ayuda de otro tipo de vegetación crea numerosos juegos de luces. Esta vegetación representa el mediterráneo. “No queríamos un hotel cualquiera, buscábamos un hotel que explicara dónde estaba: en una ciudad del Mediterráneo. Por eso dimos tanta importancia a la vegetación, porque los árboles son un signo distintivo de Barcelona”, explicaba Nouvel. La cubierta es de vidrio. La fachada y el interior son juegos de blancos y negros.
Tiene 357 habitaciones de cuatro estrellas. Se han necesitado siete años para construirlo. Es símbolo del desarrollo urbanístico de la era del ladrillo.
Este arquitecto francés ha realizado numerosos proyectos: la torre Agbar, el Parque Central de Poblenou, rehabilitó la fábrica Motriz y ahora tiene un proyecto de una macrodiscoteca.
Berta Perales

viernes, 10 de mayo de 2013

EN EL CIELO, EN TERUEL



El próximo día 15 de Mayo a las ocho de la tarde se inaugurara en la escuela de arte la exposición “En el cielo”.
Se trata de una exposición colectiva en la que participan los profesores de la escuela de arte junto con artistas invitados por ellos, haciendo un total 27 personas.
El tema en torno al que trabajaran es una visión personal sobre el cielo, en la cual, cada uno dará una visión personal utilizando pintura, escultura, grabados, instalaciones…
Esta exposición permanecerá hasta el 25 de Mayo y estará abierta de las 19 a las 21 horas.
¡Estais todos invitados!
Julia Fernández