La guía Michelín del 2012 sobre España peninsular incluye este texto sobre Teruel. Localiza los errores que muestra. Nos pondremos en contacto con ellos para que recuperen sus prestigiosas estrellas.
Víctor Aguilar
miércoles, 26 de diciembre de 2012
sábado, 22 de diciembre de 2012
San Pedro de Moissac en El nombre de la rosa
Reyes Quiñones
PARECIDOS RAZONABLES
martes, 18 de diciembre de 2012
‘El último Rafael’ acabó el primero para los expertos
El tercer puesto lo ocupa la exposición con la que La casa encedida (centro cultural madrileño) celebra sus 10 años de funcionamiento y muestra la producción tardía de Louise Bourgeois. El cuarto puesto es para la ambiciosa exposición del Reina Sofia con “Encuentros en los años 30”. El quinto puesto es para El joven Van Dyck en el Prado y el sexto lugar es para la muestra de David Hockney en el Guggenheim de Bilbao.
El séptimo corresponde a la muestra de María Blanchard (en la Fundación Botín de Santander y el Reina), mientras que en el octavo empatan Hans Haacke (Castillos en el aire, también en el Reina) y Mona Hatoun en la barcelonesa Fundació Miró.
Completan el top 10, Espectros de Artaud, Lenguaje y arte en los años cincuenta (Reina Sofía) y Ernst Ludwig Kirchner en la Fundación Mapfre de Madrid.
Paula Baigorri
domingo, 16 de diciembre de 2012
jueves, 13 de diciembre de 2012
Cenizas de Majdanek
Von Hausswolff se las ingenió para hacerse con un puñado de cenizas pertenecientes a las víctimas que murieron allí y se las llevó a su estudio de Estocolmo. Asegura que durante años fue incapaz de tocarlas porque "estaban demasiado impregnadas de las atrocidades que habían tenido lugar en Majdanek". Pero hace un par de años sintió la necesidad de liberar la "energía" que las cenizas contenían: "Recuerdos de almas, de gente torturada, atormentada y asesinada por otra gente en una de las guerras más despiadadas del siglo XX". Mezcló dichas cenizas con agua y pintura y de esta manera pasaron a formar parte de un cuadro que se expondrá desde el sábado en una galería de esa ciudad (Estocolmo).
Las autoridades polacas han calificado de "acto bárbaro" su idea, y los responsables del museo de Majdanek admiten que la intención de Von Hausswolff puede ser plantear "una provocación artística", pero lo único que merece es una condena verbal.
Abraham Foxman, líder de una organización judía de Nueva York que promueve la memoria del Holocausto, ha dicho que "el uso de restos humanos en el arte es irrespetuoso y ofensivo, y punto; pero lo que hace este hecho aún peor es que von Hausswolf está haciéndolo a expensas de las víctimas de Hitler".
En un programa de la televisión sueca, uno de los representantes de los supervivientes del Holocausto dijo que el cuadro le parece "repulsivo en extremo". Y añadió: "Quién sabe, puede que esas cenizas pertenezcan a algún pariente mío". Por su parte, el propietario de la galería que alberga la obra dice no tener "ningún problema moral" por mostrar esta obra en sus instalaciones.
A pesar de que la policía polaca dice estar dispuesta a abrir una investigación, por ahora no se ha presentado una denuncia formal, por lo que, al menos de momento, los planes para inaugurar la exposición siguen adelante.
Laura Aragonés
viernes, 7 de diciembre de 2012
miércoles, 5 de diciembre de 2012
TEMPLO DE LA AGONÍA EN TIERRA SANTA
En su interior se venera la Roca sobre la que, según los Evangelios, Jesús oró hasta sudar sangre (lo que en la foto pone piedra). Se llama de la Agonía por este hecho y de las Naciones porque cuenta con 12 cúpulas en su interior perteneciente cada una a un país distinto (España tiene una). Como casi todo en Tierra Santa, está bajo el cuidado de los franciscanos, aunque también los ortodoxos tienen el derecho de asistir el día de Jueves Santo. Tiene planta basilical con tres naves y en la cabecera es donde está la Roca, frente al altar.
Rosa Gasque Rubio
martes, 4 de diciembre de 2012
El escultor de retratos Alejandro Monge inaugura su primera exposición en solitario
Ayer el escultor zaragozano Alejandra Monge inauguró su primera exposición en solitario que recoge 34 obras del autor que desde 2010 ha realizado en exposiciones colectivas las que trascienden del lienzo, el volumen y la profundidad convirtiéndolas casi en esculturas.
Alejandro Monge es técnico superior de artes plásticas y diseño con la especialidad de escultura en la Escuela de Artes de Zaragoza.
Escultor vocacional, hace tres años cogió los pinceles por primera vez y descubrió en el retrato una nueva vía de expresión. Sus retratos trascienden del lienzo, el volumen y profundidad que crea los convierte casi en esculturas que pugnan por liberarse de las dos dimensiones. Los claroscuros recuerdan a Caravaggio y la estética a los impresionistas, principalmente a Sargent, el pintor que más le ha influido, osea sus retratos son súper realistas.
En la escultura le gusta investigar y experimentar con nuevos materiales: polímeros, resinas, plásticos o fibra de carbono, por ejemplo. La escultura de los billetes, que inicia la serie de obras del proyecto “La destrucción como forma de creación”, está hecha de papel petrificado con resinas; está todo pintado y modelado a mano, no se ha utilizado el fuego en ningún momento. El objetivo no es provocar sino hacer pensar a través de la belleza de lo insólito.
Raquel Sánchez
EL MOLINO Y LA CRUZ, de Majeswki
EL MOLINO Y LA CRUZ TRAILER H264 from Surtsey Films on Vimeo.
El 14 de diciembre, en los cines Babel de Valencia.
Una exhibición se asoma en Nueva York a la búsqueda de la perfección de Matisse
La muestra "Matisse: En busca de la verdadera pintura" acercará al Museo Metropolitano de Arte hasta el 17 de marzo de 2013 una selección de 49 lienzos del pintor fauvista, procedentes de museos franceses o daneses, que ejemplifican su exhaustivo sistema de trabajo, en el que retocaba y reformulaba sus cuadros hasta la extenuación.
En sus inicios se dedicó a pintar parejas de cuadros, como dos bodegones. El francés continuó con su exploración creativa retratando a un lugareño adolescente con los vívidos colores que fueron insignia del movimiento fauvista en "Joven marinero I".
En los años siguientes, Matisse pintó sendas versiones de un trío de desnudos a tamaño natural encuadrados en un paisaje marítimo. "El lujo I" y "El lujo II" mientras que en 1914 hizo varias obras en las que plasmó las vistas de la catedral de Notre-Dame, de las que disfrutaba desde su estudio de París.
En la etapa final de su carrera, un septuagenario Matisse recuperó el tema recurrente en su iconografía de las escenas de interior, en las que se permitió abrazar el color hasta las últimas consecuencias.
Con estas pinturas, que se exhibieron sin marco, para que el público se viera envuelto por el puro e intenso color del artista, Matisse culminó una trayectoria hecha a base de un perfeccionismo y una búsqueda de la verdad en pintura que permitieron decir al crítico Clement Greenberg 1949 que este "maestro no puede evitar pintar bien en la misma medida que no puede evitar respirar".
Pilar Soler
sábado, 1 de diciembre de 2012
CAMPAÑA DE VUITTON EN BUENA COMPAÑÍA
La sala elegida es la de la Gioconda y se detiene en lo que ve ella, la fiesta a la que está invitada siempre, Las bodas de Caná de Veronés. La presencia masculina intuida evoca al San Juan Bautista de Leonardo. Todo queda en casa.
Reyes Quiñones
lunes, 26 de noviembre de 2012
El país (femenino) de las Maravillas (surrealistas)
El
Museo de Arte de Moderno de México alberga “In Wonderland”, organizada
conjuntamente por el Los Angeles County Museum. En ella, aparecen más de 200
obras de un grupo de mujeres mexicanas y estadounidenses (la mayoría a partir
de 1931). Estas artistas reflejan en su obra un estilo surrealista, como medio
de expresión de su soledad, con personalidades luchadoras, que han sido
incomprendidas y en muchos casos eclipsadas por sus parejas.
Hay
gran variedad, desde pinturas de Leonora Carrington, Frida Kahlo, Lacqueline
Lamba, Helen Lundeberg,Rosa Rolanda,Key Sage, Dorothea Tanning y Remedios Varo,
pasando por fotografías de Lola Álvarez Bravo, Kati Horna, Lee Millier y
Francesca Woodman ,hasta esculturas de
Louise Bourgois y Adaine Kent. Estas obras muestran personalidades, traumas y
miedos de las 48 mujeres artistas que llevaron el movimiento surrealista de
André Bretón hasta la década de los setenta.
En
estas obras destaca como tema la obsesión por la maternidad, expresada por
Frida Kahlo (debido a que su vida estuvo marcada por varios abortos) la
cual se autorretrata desnuda, en un hospital , desangrándose,
apareciendo símbolos que representan la maternidad y la feminidad (como un
bebé). Este no fue el único autorretrato, ya que tiene gran presencia en la
muestra. Las mujeres sentían la necesidad de plasmarse a si mismas en lienzos o
fotografías para expresar como se sentían o quienes eran. Otro ejemplo
significativo es la obra de Bridget Tichenor, que cubrió un gran lienzo con
imágenes de su retrato sin pelo, creando la obra Autorretrato.
Esta
muestra es una gran expresión de las mujeres que instauraron el movimiento
surrealista en el continente americano. Trataron de mostrar su realismo
interior, como ideas que surgen de sus mentes como el conejo de Alicia de su
madriguera (In Wonderland…)
Fuente
: http://cultura.elpais.com/cultura/2012/11/25/actualidad/1353871145_101252.html
Reyes Quiñones
viernes, 23 de noviembre de 2012
sábado, 17 de noviembre de 2012
EL “NUEVO” TIZIANO EN EL MUSEO DEL PRADO
La obra San Juan Bautista atribuida recientemente
a Tiziano se expone por primera vez en el Museo del Prado a partir
del lunes 5 de noviembre, tras un largo y complejo proceso de restauración.
Esta pieza llegó en 1872 al Museo como "anónimo
madrileño del siglo XVII" y, como tal, fue enviado, catorce años
después, a la iglesia parroquial de Nuestra Señora del Carmen en Cantoria, una
localidad de la provincia de Almería.
En el catálogo de la exposición Tiziano en 2003, ya se
proponía que la obra podía ser la copia puntual de un San Juan Bautista de
Tiziano perdido, pero en 2007 se rebeló que era el original de Tiziano.
Este San Juan Bautista llegó al museo en un "lamentable
estado de conservación", pero con un gran esfuerzo de restauración,
finalmente se ha podido apreciar la grandeza y sutilidad del arte de
Tiziano".
La importancia del nuevo San Juan Bautista radica
en que fue una de las composiciones religiosas de Tiziano más populares en
España.
Asimismo, el lienzo ofrece un testimonio excepcional sobre
el modo como Tiziano replicaba sus composiciones y ofrece información sobre los
otros dos San Juan Bautista de Tiziano conservados.
Claudia Pesquera
viernes, 16 de noviembre de 2012
CUANDO LA LOCURA SE HACER ARTE Y VICEVERSA...
En febrero de 2010 Pedro Cuevas ingresa el hospital psiquiátrico Borda, con la intención de inspirarse y salir de la rutina del arte. Se le prestó el antiguo pabellón cultural destruido. Tras varios meses, lo arreglaron y le dieron buen aspecto, todo gracias a la colaboración tanto de pacientes como de exteriores. Creó un proyecto llamado “Dadores de Arte” en el que se convocaba a artistas a pintar y a donar obras al hospital para crear un museo. Acudieron 200 artistas de todo el mundo. La principal finalidad de este proyecto fue que la sociedad entrara dentro del hospital para que desapareciera esa gran tristeza que había en el centro mezclando tanto personas externas como internas en él.
Cuevas era un desconocido pero ahora es muy conocido tanto en pintura como en trabajos social.
El centro ya tiene 50 artistas estables.
Cuevas en su estilo tiene el arte marginal, se mete en la piel de otras personas buscando así la inspiración.
La principal idea que quería fomentar Cuevas con este proyecto es que el arte es de todos y para todos y que las obras tiene que hacerse de corazón, sin miedo y haciendo, haciendo, haciendo...
Cuevas era un desconocido pero ahora es muy conocido tanto en pintura como en trabajos social.
El centro ya tiene 50 artistas estables.
Cuevas en su estilo tiene el arte marginal, se mete en la piel de otras personas buscando así la inspiración.
La principal idea que quería fomentar Cuevas con este proyecto es que el arte es de todos y para todos y que las obras tiene que hacerse de corazón, sin miedo y haciendo, haciendo, haciendo...
Berta Perales
domingo, 11 de noviembre de 2012
LA IMAGEN MENTAL Y LA REAL
Una buena aplicación de lo estudiado pero... NO SE PINTA EN LAS MESAS.
¿CAPITELES EÓLICOS O GRANDES CAULÍCULOS?
Rosa Gasque
jueves, 25 de octubre de 2012
EXHIBEN OBRAS EMBLEMÁTICAS DE RENOIR, MANET Y CÉZANNE:
Como afirma el director es una gran oportunidad que permanecerá abierta hasta enero, el titular explicó que a través de 65 piezas (pinturas, fotografías, dibujos, esculturas, etc.) podrán verse “los modelos de apropiación de las esferas publicas y privadas del S.XIX”
Esta exposición explora una influencia y repercusión de corrientes como el impresionismo; y además hay actividades como la proyección de películas a finales del S.XIX, cafeterías decoradas con fotografías del París antiguo y un vestuario donde los visitantes pueden ponerse ropajes de la época.
El director afirma que se trata de un experiencia lúdica (que da juego, divertida) y que tiene gran importancia porque muestra el origen de la modernidad en Francia y su influencia en el espíritu demócrata, critico y moderno del México contemporáneo; también muestra las virtudes y defectos de la sociedad del S.XIX Los ejes se basan en la cotidianidad de la burguesía de París, en la visión del desnudo femenino y en la apropiación de una idea de edad de oro.
El título (El placer y el orden) que es contradictorio se refiere a una sociedad moderna y democrática según dice el director.
Sandra Juste
domingo, 21 de octubre de 2012
EL ARTE ENTRA EN LA CAMPAÑA DE EE. UU.
El próximo día 1 de noviembre se inaugurará en el New School de Nueva York una exposición que se celebra cada cuatro años, por la fundación Robert Rauchenberg, que irá recorriendo la geografía estadounidense. En ella participará el artista catalán de artes plásticas Antoni Muntadas. La exposición invita a reflexionar sobre los nuevos recortes anunciados para el arte estadounidense y cómo influye la política en el ámbito artístico. Titulada We, the people, reúne 60 obras que abarcan 70 años de historia política. Se expondrán desde los carteles de Norman Rockwell hasta el retrato de Mitt Romney de Richard Philips, además de fotografías de Alvin Baltrop, esculturas de Alex Katz o Tom Otterness, un cuadro de Fernando Botero y un collage de Rauschenberg. Se espera que el tema de las obras de arte haya cambiado, en 2008 fue la raza y el género, ahora serán la política económica y el poder adquisitivo.
Esta exposición se celebra con motivo de las pretensiones de Romney de eliminar las subvenciones al arte si llega a la presidencia. A esta reivindicación se han sumado otros artistas como Saber que sobrevoló Nueva York con una avioneta, cuyo humo dejó el mensaje: “Defiende las artes”.
La instalación misma es una alegoría política pues el espacio lo dividen dos alfombras, una roja y otra azul, que simbolizan a los dos bandos políticos. El retrato de Obama cuelga del techo, mientras que Romney está en el suelo. También se han instalado dos televisiones que simbólicamente se dan la espalda.
Rosa Gasque Rubio
sábado, 20 de octubre de 2012
miércoles, 17 de octubre de 2012
Un bronce de Mallorca rumbo a los mares de Australia
Un alga verde de Mallorca hará de faro -sin destellos- en una playa de Australia. El escultor y pintor Joan Costa (Palma, 1961), emprende esta semana en Australia una aventura de combate solitario. Viaja con una forma de cuatro metros de alto, fundida en bronce, para exhibirla en una playa de Sidney. Es una metáfora de una ‘alga’ del Mediterráneo, como una estela extraída de un naufragio, con la pátina de los pecios. Costa ha sido seleccionado para concurrir al festival anual mundial de escultura al aire libre, Sculpture by the Sea, Bondi 2012. Allí su pieza se plantará ante otro mar, en sus antípodas, en la costa y arenal desde Bondi hasta Tamarama. En este litoral australiano se incorporará al paisaje un centenar de instalaciones y piezas de otros tantos artistas. La selección de autores la efectúan artistas y académicos de Australia. Uno de cada cinco proyectos presentados ha sido escogido. Al museo temporal cada año acude medio millón de personas. La muestra se prolonga apenas dos semanas, del 18 octubre hasta 4 noviembre de 2012. El escultor comenzó a interpretar la cultura megalítica, totémica, de la prehistoria de Menorca y con el tiempo derivó hacia la naturaleza, se fijó en la costa. Jugó con montañas de sal, árboles, algas voladoras, la mítica y amenazada posidonia. Buscó el juego de las aguas, las olas.Habita en la frontera de la vanguardia. Pinta, usa pasta de papel, rejillas metálicas para nubes voladoras y transforma la materia orgánica. Esa alga gigante australiana, sutil y contorsionada, que se exhibirá ante el mar de Sidney remite a su última gran producción que se mostró en museos de Baleares, Valencia y Cataluña.
Bibliografia: elpais.com
Cristina García Fandos
lunes, 15 de octubre de 2012
El Guggenheim cumple 15 años como un icono de la transformación urbana de Bilbao
OBRAS DEL MUSEO
La obra más importante de este museo es el museo mismo.
La "Serpiente", formada por tres chapas de acero curvas y paralelas de 30 metros de anchura por cuatro de altura, es la obra artística más importante del museo. Forman parte de su colección permanente con obras de Mark Rhotko, Willem de Koening o Anselm Kiefer, a parte las exposiciones temporales, que tienen mucho atractivo. El edificio ha albergado exposiciones de Rauschenberg, Cristina Iglesias, Chillida o Mark Rothko. También destaca la escultura del perro de flores y la araña gigante.
También destacan las exposiciones dedicadas a los vestidos de Armani, a las motocicletas o a la historia del arte chino. El museo ha recibido durante estos años un millón de visitantes anuales. Todos estos visitantes, de los cuales muchos son extranjeros, han concedido a Bilbao una proyección internacional.
NOTICIAS NEGATIVAS
ETA asesinó a Txema Aguirre, que lo custodiaba unos días antes de su inauguración. La plaza que da acceso al museo lleva su nombre.
ÉXITO
Todo el mundo quiere repetir el modelo "Bilbao", incluidos los propios vizcaínos: hace tres años se presentó un proyecto para construir un segundo Guggenheim en la reserva de la biosfera de Urdaibai, a unos cincuenta kilómetros de Bilbao, una idea aparcada de momento.
Su único director es Juan Ignacio Vidarte, que lleva siendo director del museo desde su apertura. Fuente: Antena 3 telediario 14-10-12
José Marqués Linares
ARCOS REBAJADOS
Rosa Gasque
WORKSHOP: ARTE DE ACCIÓN
Este trabajo surge a partir del proyecto presentado por Carmen M. Samper y Alicia H. Moreno a la Fundación Universitaria “Antonio Gargallo”, para concursar en las ayudas que promueven el desarrollo de actividades culturales. Esta ayuda sirvió para localizar artistas y ponentes y con ella pusieron su proyecto en marcha.
El primer fin de semana se utilizó para introducir Albarracín como patrimonio y la posibilidad de intervenir en este espacio con acciones de arte contemporáneo. Se habló del arte de acción y las performances con la colaboración de David Pérez, Juan Crespo, Ernesto Utrillas, Carmen Martínez y Laura Hernández.
Y en el segundo fin de semana las performances corrieron a cargo de varios artistas como Raychel Carrión, Katía M. Uliver, Remedios Clérigues, Carmen Martínez, Anna Richardsdottir, Alicia Hernández y Laura Hernández.
A partir del miércoles, 17 de octubre a las 19:00h, en la sala de exposiciones de la Escuela de Arte de Teruel, se expondrá en unas proyecciones (fotos y vídeos) para dar a conocer estas performances y está invitado todo el mundo que esté interesado en ver un arte completamente diferente a lo habitual.
Julia
Fernández M.
miércoles, 10 de octubre de 2012
Langosta y gato, de Picasso
Desde el día 10 de octubre
de 2012 hasta el 20 de enero de 2013 se va a exponer en el museo Picasso Málaga
(como su propio nombre indica este se localiza en la ciudad de Málaga).Una obra
del artista español Picasso titulada Langosta
y Gato. Esta obra es la primera vez que se expone en un museo español,
porque durante todos estos años estuvo en el museo de Nueva York. Los
responsables del museo de Málaga colgaron esta pintura en sala XI del museo,
conocida como El bestiario, ya que en ella se muestran obras que ponen de
relieve la importancia de los animales
en la vida y obra del autor.
Picasso pintó está obra para
su amigo el galerista muniqués (Justín K. Thamhauses), después de la muerte de
este, su mujer la donó al museo de Nueva York junto a otras 30 obras. Por esta
razón Langosta y Gato casi no ha
salido de este museo.
Adil Es saghraoui
lunes, 8 de octubre de 2012
Guggenheim Bilbao con Egon Schiele
Egon Schiele (1908-1918) es uno de los artistas más
significativos del siglo XX. Desde muy corta edad desarrolló una forma muy
personal y característica en la utilización decorativa de las superficies
planas o las fluidas líneas ornamentales del estilo de la secesión vienesa.
Las obras gráficas de Egon Schiele constan de una mayor libertad y expresividad que su obra pictórica, no como
Gustav Klimt (1862-1918), anterior a Egon Schiele, que únicamente hacia dibujos
a modo de bocetos o borradores.
Usa sobre todo el lenguaje corporal, los gestos y la mímica
corporal. En su obra expuesta en el Guggenheim Bilbao, del 2 de octubre de 2012
hasta el 6 de enero de 2013, presenta una completa aproximación al universo
creativo a través de centenar de dibujos, gouaches, acuarelas y fotografía,
procedentes de la Albertina
de Viena. También expone trabajos de sus últimos años de ruptura con el
naturalismo, con un radical tratamiento del color y nuevos motivos como el desnudo explícito
o los retratos
de los niños.
Fuente: http://www.eitb.com/es/cultura/arte/detalle/961234/guggenheim-bilbao--exposicion-egon-schiele-guggenheim-bilbao/María Durbán
miércoles, 3 de octubre de 2012
FRANCESC CATALÀ ROCA, DE NUEVA YORK A TERUEL
Fransesc Català Roca fue un gran
fotógrafo catalán que nació en Valls (Tarragona) en 1922 y murió
en Barcelona el 5 de marzo del 1998, se trata de un fotógrafo que se
caracterizó tener un ambiente humano en todas sus obras. La visión
del fotógrafo era mucho más sencilla y a la vez mucho más
profunda… Huía tanto como podía de los artificios teóricos tan
de moda en su época, buscaba la fuerza de las imágenes con el ojo
desnudo, aprovechaba sus conocimientos técnicos pero siempre al
servicio de la naturalidad, era muy libre y disciplinado consigo
mismo. Él escogía el encuadre y el momento, pero no tocaba la vida
que sucedía delante de la cámara. Muchas veces se anticipaba a lo
que iba a suceder .
Desde el día 1 de junio del 2012 se
puede visitar una galería de arte con sus obras en New York. Las
fotografias que dispone esta galería son aproximadamente entre unas
45 obras, se caracteriza porque es una exposición íntegramente en
color, sobre papel fotográfico y de gran tamaño. Cosa rara en
exposiciones de fotografias, no tienen ningún maquillaje que las
haga comerciales, es una experiencia cultural no mercantil .
Mayormente las fotografias de este
autor son en blanco y en negro debido a su época pero estas fotos
fueron tomadas entre 1987 y 1991 con una cámara más “moderna” (La
Hasselblad 500 C y la Hasselblad SW). El motivo de sus últimas
fotografias es que para su jubilación se autopropuso estas fotos con
el motivo de hacer un libro, enfocados a la visión arquitectónica y
urbanística de la ciudad, principalmente Manhattan. El libro no se
pudo completar debido a que quería acabar el reportaje con unas
fotografias de una gran nevada, fueron tres inviernos para conseguirlo,
pero no hubo suerte y a causa de su enfermedad se volvió una cosa
prácticamente imposible y no lo consiguió.
Marcos Catalá Santafé (nieto del fotógrafo) 
lunes, 1 de octubre de 2012
RESTAURADOS GRABADOS DE GOYA
Para restaurarlos se ha utilizado un método que a partir de humedad y por capilaridad ha permitido quitar la capa de almidón, así como también los restos de pegamento o adhesivos, haciendo así recuperar la flexibilidad del papel.
En el caso de la obra de La Calle, existía un segundo soporte adherido al dorso, había ocultado otro dibujo, que ha sido identificado a raíz de la revisión de la obra. Al separar el dibujo se ha apreciado un boceto a sanguina del Real Observatorio Astronómico de Juan de Villanueva. En la obra de La Calle, dos zonas quedaron dañadas generando así extraños efectos de luz que no dejaban comprender bien la obra. Para restaurar las zonas dañadas se han reintegrado los trazos con acuarela aplicada con un fino pincel ayudándose de un microscopio y basando la restauración en antigua documentación fotográfica.
A estas restauraciones de añaden las de obras tan emblemáticas como Aún aprendo (1825-1828)
El País cultural: “Goya se lava la cara” 1-10-2012
Paula Baigorri
jueves, 27 de septiembre de 2012
ERÓTICO KLIMT
Cuando
se cumple un siglo y medio del nacimiento del pintor, Viena le homenajea. “150
años de Gustav Klimt” podrá verse del 31
de julio al 6 de enero de 2013 en el palacio Belvedere de Viena.
Se
acostaba con sus modelos, sus amantes se contaban por centenares, y los hijos
engendrados, por docenas. Fue un hombre excesivo, en la vida y en el arte, pero
Gustav Klimt (1862-1918) fue uno de los más grandes artistas vieneses. Formaba
equipo con su hermano Ernest y con un compañero
de la escuela de artes y oficios de Viena, Franz Matsch, donde entró con
tan solo 14 años.
Fue
puesto al frente de la corte de Viena. Le llovían los encargos. En 1888 dio como terminado uno de sus grandes
cuadros, Interior del antiguo burtheater ,
una obra descomunal, un cuadro dentro de otro con 150 personajes, entre ellos
las mujeres más bellas de la sociedad Vienesa. Sus exposiciones siempre eran
muy polémicas, los espectadores acudían a ellas en busca de rostros de mujeres
conocidas. Cuando tenía 30 años murió su
hermano, con tan solo 28, y él se tuvo que hacer cargo de cuidar a su cuñada y
a su sobrina. Fue un golpe terrible.
Klimt estaba especializado en retratos a
mujeres, orgullosas miran al espectador de frente con un aire de misterio. Las utiliza como alegorías de la verdad y la
justicia, desnudas, llenas de simbología.
El retrato de Adele Bloch –Bauer (1907) uno de los iconos más
reconocibles de la pintura del siglo XX, se encuentra en la lista de los 10
cuadros más caros de la historia. Fue
vendido hace pocos años en una subasta por 135 millones de dólares. (Sus trabajos nunca dejan un punto vacío del
lienzo, hórror vacui)
Gustav quería entrar en la Academia, pero sus
cuadros de desnudos no gustan a los burgueses, y el emperador no se lo
concede. Su socio Franz Matsch reniega
públicamente de él para no perder trabajos.
En
un viaje a Ravena y Venecia, el pintor descubrió los mosaicos bizantinos y no
tardó en probar la técnica del pan de oro con el primer retrato de Adele
Bloch-Bauer. La apoteosis llegó con El beso (1907-1908), los personajes que
aparecen son él mismo junto a Emilie Flöge. Un abrazo de amor bañado por la
lluvia dorada.
Su
popularidad hizo que la
Universidad de Viena le encargara una serie de paneles. El pintor decidió retratar su idea del ciclo
de la vida y la muerte, la miseria humana, la guerra y la injusticia. El colmo fue su tercer cuadro, La
Jurisprudencia, que
fue clasificada por los académicos de pornografía. Su respuesta fue pintar un
hermoso culo al aire. Filosofía, Medicina
y Jurisprudencia fueron rescatadas de la Universidad con el
dinero de los burgueses de Viena, aunque las obras se perdieron durante la II Guerra Mundial.
En
la segunda mitad de su vida el pintor descubrió la naturaleza, pintó muchos
paisajes, su obra más íntima y personal.
Le entusiasmaba el cambio de estaciones y decía sentirse próximo a
Monet. Jardin con girasoles rinde homenaje a los girasoles de Van Gogh.
Tras
el estallido de la I G.M. dejó de participar en exposiciones porque
eran ‘territorio enemigo’.
Laura Aragonés
martes, 25 de septiembre de 2012
TRES JOYAS DEL RENACIMIENTO EN EL THYSSEN
Las obras, que nunca antes se habían expuesto en sus salas, forman parte del programa de actividades organizado para celebrar su 20º aniversario
El Museo Thyssen-Bornemisza muestra, a partir de mañana, tres tablas del Renacimiento alemán pertenecientes a su colección que nunca antes se habían expuesto en sus salas como parte del programa de actividades organizado este año para celebrar su 20 aniversario.
Las obras, atribuidas a Bernhard Strigel, Christoph Scheller y un maestro anónimo alemán activo en la ciudad de Suabia, formaron parte del depósito de maestros antiguos que el museo mantiene en Barcelona, primero en el Monasterio de Pedralbes y después en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC).
La Anunciación de Bernhard Strigel está formada por dos tablas (c. 1515-1520), unidas en el centro por una columna. En el reverso, unas tallas policromadas representan a los santos ermitaños San Pablo y San Antonio, atribuidos a Christoph Scheller y que han sido restaurados expresamente para esta presentación.
La obra perteneciente a un maestro anónimo la conforman unas puertas pintadas al óleo por ambas caras que representan las siguientes escenas: Santa Ana con la Virgen y el Niño, Santa Isabel ofreciendo pan y vino a los mendigos, La Adoración de los pastores y La Presentación del Niño en el templo, todas ellas fechadas hacia 1515.
Sergio Anadón
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