DOBLE "FACHADA" PARA LA CATEDRAL DE SEVILLA

La fachada de la Catedral de Sevilla deseosa de volver a sus antiguos ropajes

La catedral de Sevilla desde 2006 hasta hoy ha intentado volver a su diseño anterior. Antiguamente, era una mezquita almohade llamada Ben Basso, del S.XII, que mandó construir Abu Yacub, la cual tenía un color blanco. Conforme pasaron los años la mezquita se convirtió en catedral y esta fue demolida y cambiada por un edificio religioso de formas góticas. A lo largo de los años, la catedral siguió cambiando hasta que, en la restauración del S. XX, le pusieron una capa de cemento a la que se le añadió una mano de pintura amarillenta. 

Actualmente, en la catedral de Sevilla, no se conservaban muchos restos del arte islámico, exceptuando la fachada norte. Por otro lado, todo el muro tiene ocho siglos de antigüedad, pues este no se cambió, sino que fue aprovechado por los cristianos. 

Ahora desean que vuelva a tener el mismo aspecto que en el S. XII y lo primero que reconstruyeron fue la Giralda (alminar de la antigua mezquita convertido en campanario). Lo último en elaborar fue la fachada norte, acabada el 31 de diciembre de 2014 haciendo que la catedral ofrezca un aspecto muy parecido al que debió tener el muro de la catedral hasta la época de la Revolución Francesa, cuando la revistieron de una capa de ocre con juntas blancas, obra que se detuvo debido al temor de lo que estaba ocurriendo en Francia. 

El Cabildo de la Catedral de Sevilla desea conservar al máximo lo que queda de la mezquita de Ben Basso, a diferencia de la actitud del Obispado de Córdoba, el cual está empeñado en borrar el pasado islámico de la Mezquita de Córdoba.

Tamara Pérez

SEVILLA VUELVE A SENTIRSE ORGULLOSA DE SU PASADO MUSULMÁN

Nueve años han tardado los restauradores en recuperar el pasado musulmán de la portada norte de la Catedral de Sevilla, de liberarse de sucesivas “curas” aplicadas durante el siglo XX que han “maltratado” su belleza para recuperar el aspecto que tenía en 1793. Este lateral, en el que se ubica la puerta del Perdón, da acceso al patio de los Naranjos, marca del pasado musulmán de la Seo y que ocupa más de un 50% de la superficie total del templo. 

A modo de palimpsesto, el arquitecto Alfonso Jiménez ha recuperado la historia de la mayor catedral gótica del mundo, erigida sobre la mezquita almohade que mandó construir el califa Abu Yacub en el siglo XII. La obra, que ha costado casi 4,5 millones de euros, da la vuelta a la fachada y deja ver en sus muros desnudos una superficie blanquecina de 10.221 metros cuadrados en la que se combina el ladrillo con el tapial.

Esta reforma ha despertado el recelo del obispado cordobés, quien pretende eliminar el pasado islámico de la Mezquita-Catedral de Córdoba.

Pablo Edo

El arte ruso llega a Málaga

El edificio de Tabacalera de Málaga acogerá a partir de marzo una sede del Museo Estatal Ruso de San Petersburgo. La exposición anual de la colección contará con un centenar de obras de autores como Kandisky, Chagall, Malevitch y Tatlin; mientras que las dos muestras temporales de 2015 tendrán como protagonistas a Diaghilev y a Pável Filonov.

El nuevo museo contará con tres exposiciones al año, una anual de la colección y dos temporales. 

La primera, que además inaugura el museo, se titula Arte Ruso de los siglos XV-XX y contará con un centenar de obras que proponen una amplia panorámica del arte ruso, desde los iconos del siglo XV hasta el realismo soviético. Entre los artistas destacados se encuentran Alexey Venetsianov, Carl Brulov, Alexander Ivanov, Isaak Levitan.

Samuel Ortiz

UNA MUJER QUE HACE ARTE CON LAS PRÓTESIS QUE FABRICA

 Sophie de Oliveira Barata es una mujer que vive en el norte de Londres y antiguamente se dedicaba a realizar extremidades artificiales en una empresa. Ésta era muy buena imitando los miembros reales y estaba especializada en la realización de prótesis para efectos especiales en películas y para la televisión.

No obstante, Sophie de Oliveira Barata conoció a una niña que decía que quería algo diferente en su prótesis y, tras la realización de una serie de dibujos en ésta, Shopie pensó que podría elaborar prótesis únicas, convirtiéndolas en objetos de diseño, en obras de arte, cuyos materiales y formas fueran en cada prótesis distintas y “ reflejaran el alma del dueño”; además lo que pretende es que todos los los que sufren la pérdida de una extremidad enseñen con orgullo la artificial y que se sientan mejor. Así empezó su nuevo trabajo, creando de The Alternative Limb project. 

Actualmente Sophie tiene su estudio en Harlesden en el que realiza miembros realistas, pues imita la textura de la piel, las uñas, las venas, las arrugas... y también fabrica los miembros “alternativos” que son las prótesis singulares. A ese estudio pueden acudir si lo desean los clientes para a ver como se crea su extremidad artificial.

Tamara Pérez

David contra el terremoto Goliat

Más de cuatro metros de mármol se sustentan en dos finos tobillos. La magia de las obras de Miguel Ángel es también el gran riesgo para la pervivencia de sus inmortales creaciones al menos con la figura del David, cuyo mármol está agrietado en los tobillos a causa de las vibraciones del suelo toscano por ello el Ministerio de Cultura italiano, preocupado por los últimos análisis sobre la conservación de la escultura, ha decidido proteger a David de los temblores del suelo toscano instalando urgentemente un pedestal antisísmico.

Un estudio llevado a cabo conjuntamente por el Consejo Nacional Investigador de Italia (CNR) y la Universidad de Florencia, publicado por la revista «Journal Cultural Heritage», determinó que la inclinación de la escultura ya alcanza los 5 grados sobre su posición original.

El arquitecto Fernando De Simone, que desde hace años aconseja que el David sea trasladado a otra sede, el pedestal antitemblores no servirá para proteger a la pieza de terremotos, informa Efe. De Simone asegura que la Galería no está equipada con todas las normas antisísmicas, aunque ha sido sometida a mejoras, por lo que en caso de terremoto podría derrumbarse.

Miguel Ángel ya sabía cuando la terminó que su figura no era perfecta. El artista italiano tomó un bloque de mármol para trabajar que estaba originalmente previsto para otra pieza y a pesar de ello se enfrentó a él para extraer una figura que, irónicamente, se considera un referente de la representación de la anatomía humana. Miguel Ángel se enfrentó a la piedra y arrancó de ella la colosal figura pero no pudo evitar algunos imperceptibles defectos como es la ausencia de masa en la espalda del David, entre la columna vertebral y el omóplato derecho, contribuye a una imperceptible inestabilidad de la figura, por ello ha sido necesario varias restauraciones.

Miguel Ángel quería demostrar que era el mejor escultor del mundo. Y lo consiguió con la Piedad y con el David cuando todavía era muy joven. Esta última pieza fue esculpida a la medida de su ego y grandeza. Las propias dimensiones que conserva dan idea del monumentalismo que pretendía dar a la figura. El objetivo no era, solamente, demostrar su maestría técnica. También crear un gigante que provocara admiración entre la población.

Las obras de Miguel Ángel son inmortales, pero el material con el que las hizo, no.

Silvia Jarque

LUCES ESPAÑOLAS EN AMSTERDAM

Foto de las autoras

Durante el 13 de diciembre, se ha desarrollado el festival de la Luz en Ámsterdam, cuya finalidad ha sido decorar calles y canales del centro de la capital holandesa con obras de artistas tanto internacionales como nacionales, donde podemos destacar varios españoles, autores de piezas centrales e interactivas. Bajo el lema “Una ciudad brillante” reúne 39 piezas artísticas seleccionadas por un jurado entre más de 260 obras. Este festival ofrece dos alternativas para ver las distintas obras, uno en barco por los canales (Water Colors) y otro a pie por el centro de la ciudad (Iliminade)

La pieza española se titula “Light Flow”, esta propuesta está desarrollada por las diseñadoras especializadas en iluminación arquitectónica, las españolas Lola Solanilla y Marga Vicens, la francesa Fabienne Cuny y la brasileña Carla Jardim.

Jardim definió la obra como "una representación poética" que consiste en "una ola de luz en constante movimiento que suspendida a escasos centímetros del agua crea una serpentina luminosa que se desborda en su superficie".

Marcos Nadal

SOTS ART DONDE MIKEY MOUSE SE VUELVE COMUNISTA

“Si el Pop Art surgió como una reacción a la superproducción de bienes de consumo y de su publicidad, el Sots Art, nace de la superproducción de ideología y propaganda”.

Cuando Andy Warhol reprodujo cientos de latas de sopa la gente reaccionó ante tal exposición y se sorprendió por el uso de elementos de consumo, algo muy común en la sociedad norteamericana, en el arte. Varios años después, los vecinos del bloque comunista decidieron reaccionar ante tal expresión artística e incorporaron a esta nueva forma de arte algo de lo que ellos iban sobrados, imágenes de líderes políticos, dando lugar así al Sots Art.

La colección Post Pop: East meets West presenta desde el pasado 15 de diciembre en la galería Saatchi de Londres una recopilación de las mejores obras de este arte que consiguió fusionar algo tan propio de la cultura capitalista, el arte pop, con los iconos propios de la cultura comunista. 

En la exposición se pueden observar un conjunto de 250 obras, firmadas por más de cien autores, que varían desde la combinación de un busto en bronce de Josef Stalin con Marilyn Monroe- obra del ruso Leonid Sokow- , la sustitución del martillo por el símbolo del dólar en el emblema comunista, la seriación del Mao o una figura que une los personajes de Lenin, Mickey y Jesucristo con los brazos entrelazados. 

Pablo Edo Castro 
http://cultura.elpais.com/cultura/2014/12/15/actualidad/1418639523_246130.html
http://www.saatchigallery.com/current/postpop.php

DOS SOROLLAS A LA VENTA

El pasado miércoles, 10 de diciembre, se subastaron en la casa Sotheby's (Londres), una serie de cuadros de Joaquín Sorolla entre los que destacó Vuelta de la pesca y Triste herencia cuyos precios de venta alcanzaron cerca de los tres millones y 230.000 euros respectivamente.

Aludiendo a estos dos cuadros representan paisajes de la playa de Valencia, ya que para Sorolla el Mediterráneo trasmitía una gran positividad y donde la luz y los colores vivos y brillantes obtienen una gran importancia.

Respecto a Vuelta de la pesca, refleja uno de los temas más recurrentes de Sorolla, ya que el acostumbraba a pintar situaciones reales y ésta era una de las más comunes en Valencia, representando así a una serie de pescadores que vuelven de realizar su trabajo.

Triste herencia representa a una serie de niños desnudos jugando en el mar. Este se expuso por primera vez en París en el año 1900, donde obtuvo un gran éxito. A esta obra se le otorga una gran importancia ya que, en primer lugar, en él Sorolla muestra una gran destreza para captar la luz, siendo a partir de entonces conocido como el maestro de la luz. En segundo lugar, este le sirve al autor para cerrar su interés por los temas religiosos y sociales que había plasmado hasta 1890 y dar paso a temas enmarcados en el ámbito valenciano.

Sara Jáñez

 http://www.rtve.es/noticias/20141210/oleo-sorolla-alcanza-292-millones-londres/1065140.shtml

IGLESIA DE SAN FRANCISCO

Montaje realizado a partir de las fotografías de José María Sanz.

El claustro de Palamós es falso

En el año 2012 se hizo un estudio sobre el claustro de Palamós en el que se concluye que se trata de una construcción del siglo XX con elementos del siglo XII extraídos de las arcadas del claustro de la catedral de salamanca, pero al no saber ni cuántos ni cuáles se decidió no proclamarlo bien de interés cultural. Un año después rectifican y lo nombran bien de interés cultural, este miércoles la Generalitat dio a conocer un nuevo informe en el que se sostiene que el claustro es totalmente falso según el catedrático en historia del arte Eduard Carbonell con argumentaciones como que las muescas que se atribuyen a haber hecho palanca para trasladar los bloque no son otras que las resultantes de la extracción de los bloques de las canteras también dice que no se han encontrado restos de haber usado instrumentos medievales en las tallas, que no hay restos de mortero y además el claustro había sido planteado de una sola vez y usando el sistema métrico decimal actual.

Sergio Nuevo

LA COTIZACIÓN DEL ARTE ESPAÑOL

Aunque no cuenta con los apoyos institucionales que debería y no se estimula el coleccionismo, según reclaman los expertos, el mercado español del arte crece. En 2013 se registraron unas ventas en galerías y casas de subastas de 336 millones de euros, un 3% más que el año anterior. Se trata del tercer ejercicio consecutivo con un crecimiento débil, y alcanza sus niveles máximos desde el inicio de la crisis en 2008. En los últimos diez años el mercado del arte en España experimentó un crecimiento de tan solo el 68%, un porcentaje discreto si se compara con el 155% de incremento registrado a escala mundial.

Todos estos datos se encuentran en el informe El mercado español del arte en 2014, presentado por la Fundación Arte y Mecenazgo, impulsada por La Caixa.

Los cinco artistas más vendidos el año pasado en España fueron Pablo Picasso, Joan Miró, Juan Gris, Dalí y Eduardo Chillida. Entre los 20 primeros tan solo figuran dos artistas vivos: Manolo Valdés y Miquel Barceló. Por ejemplo, una obra de Picasso, Femme Assise Près d'une Fenêtre, alcanzó los 33,7 millones de euros en una subasta en Londres.

Los precios medios del arte en España, unos 3.000 euros por pieza, se sitúan por debajo de la media europea, especialmente en los sectores modernos, donde los precios globales son siete veces más elevados en mercados como Nueva York o Londres.

Marcos Nadal

EL HORROR SEGÚN DIEGO

FOTOS CADA AÑO

Cada año, fotógrafos de todo el mundo participan en el concurso Sony World Photography Awards. 

Los temas de estas fotografías van desde pequeños detalles de la vida cotidiana a impresionantes escenas de culturas remotas.

En la edición de 2014, la organización ha recibido 139.544 imágenes de 166 ciudades, el mayor número de fotos recibidas en los siete años de historia del concurso. Todas las fotografías finalistas se exhibirán en una muestra en Somerset House en Londres del 1 al 18 de mayo. Los ganadores se darán a conocer en una gala en la capital británica el 30 de abril.

Autora de la fotografía: Melissa Golden

Fotógrafa de EEUU, finalista en la categoría Sociedad: foto tomada tras un tornado en Moore (Oklahoma)

Beatriz Castellot

Expansión del arte dentro de nuestras fronteras

El pasado 6 de noviembre Daniel Merlín, un pintor madrileño, fue elegido como ganador del Premio BMW de Pintura en su 29ª edición. Es un certamen destinado a promover el arte en España, pero sobre todo la pintura, mediante la difusión de las diferentes obras y el descubrimiento de nuevos talentos. Así, la obra de Daniel Merlín, se definió como expresionista, compuesta por papeles pintados encolados pegados sobre un lienzo que representan la cabeza de Samuel Beckett, poeta irlandés y uno de los máximos representantes del experimentalismo literario del siglo XX, resaltando su figura y haciendo referencia al gran ingenio que este poseía.
El Mundo, 7/11/14

Sara Jáñez

DE PASEO POR LA AMPLIACIÓN DEL MNAC

Sara Jáñez nos traía la noticia, el 29 de septiembre, de la ampliación del MNAC de Barcelona, Juan Carlos Calvo lo ha visitado y nos manda su selección de salas. Sin embargo, el románico siempre será el mejor objetivo de nuestras visitas a este museo.

LOS GRAFFITIS DENTRO DE LA NORMA

Desde la ordenanza de civismo de 2006 en Barcelona se esfumó el graffiti como por arte de magia, todo el arte urbano que había crecido desde los 90 en esa ciudad primeriza de España en la adopción de esta nueva corriente de arte procedentes de Norteamérica se había visto entorpecida e iba en declive.

Pero los escritores y artistas de este Arte, junto con partidarios de este movimiento, no se quedaron de manos cruzadas y comenzaron a promover iniciativas para que no desapareciera por completo el graffiti dentro de la legalidad, ya que fuera, estaba claro que permanecería aunque de peor calidad. Barcelona había pasado de no tener regulación alguna a directamente prohibir.

Tras años de diálogo, acuerdos y tolerancia poco a poco ha habido permitiéndose y creándose nuevas formas de actuación y expresión para este arte de manera legal.

Esta semana se está celebrando la cuarta edición de la OpenWalls Conference en Barcelona, encuentro donde se proporcionan lugares y permisos para dejar expresarse a grandes maestros de "las latas". Esto hace ver claramente que ya hay un punto de inflexión acerca de este tema, tanto es así que dedicaron un día a revisar algunas normativas sobre el graffiti.

Diego García

Artistas exponen sus obras en El Camaleón

Luis Curán

“El Camaleón” es un encuentro de expresión artística organizado por estudiantes del décimo semestre de la carrera de Ciencias de la Comunicación de la Universidad de San Carlos, Guatemala.

Más de 30 artistas nacionales de distintas ramas artísticas presentaron el pasado Sábado sus más recientes obras de todo tipo (óleos, crayones de cera, grafitis, caricaturas de anime, fotografía...) en la tercera edición del Festival Artístico y Cultural Camaleón. 

El festival nació en 2012 y es una iniciativa de los estudiantes y este año contará con célebres artistas guatemaltecos como invitados.

Arancha Pons

De: http://www.prensalibre.com/noticias/comunitario/Artistas-exhiben-sus-obras-Usac_0_1232876708.html

Meadows Museum, un pequeño Prado en el norte de Texas

El ciego de Toledo, Joaquín Sorolla

El museo especializado en arte español más importante del mundo (por detrás del Museo del Prado) está donde nunca iríamos a buscarlo: en Dallas (EE. UU.), en el campus de una universidad privada. El Meadows Museum se creó por iniciativa de Algur H. Meadows, un acaudalado industrial petrolero de Dallas, que en los años 50 visitó España en busca de oro negro. Hizo perforaciones por todo el territorio español, pero no encontró yacimientos dignos de explotación. Con todo, su estancia en nuestro país no fue en vano. Algur se alojaba en el Hotel Ritz y pasaba las tardes en el Museo del Prado con su esposa Virginia, alimentando un amor cuyo fruto cumple en 2015 nada menos que 50 años. Y es que las buenas relaciones del museo texano con los museos españoles ha propiciado continuos intercambios; pero el conocimiento del gran público español se ha retrasado hasta ahora; el próximo año se cumple medio siglo desde que se fundó este tesoro.

Ese "toda la colección" significa más de 200 cuadros, además de esculturas, dibujos y una pequeña manifestación de artes decorativas españolas: Tenemos Velázquez, El Greco, Murillo, todas las primeras ediciones de Goya, Ribera, Miró, Picasso, Juan Gris, Tapiès. Además de mostrar los fondos de la colección permanente, el Meadows Museum hace dos o tres exposiciones temporales al año en las que se esfuerzan por poner en el contexto histórico las obras de arte. La mayor parte de los fondos proceden de distintas fundaciones y donantes privados. Se creó un patronato del museo hace ocho años y ha sido fundamental para el museo por la implicación que se ha llevado.

Silvia Jarque

LA CUEVA DE ALTAMIRA

La cueva de Altamira en Cantabria, descubierta hace 135 años por Marcelino Sanz de Sautuola y su hija María y cerrada sus puertas desde el año 2002, va a reabrir para que puedan elaborar un documental dirigido por José Luis López Linares. Pese a contar con el permiso del Ministerio de Educación, Cultura y Deportes, el cineasta ha tenido que esperar casi un año debido a las investigaciones científicas que desde 2012 se vienen realizando para elaborar el nuevo Plan de Conservación Preventiva y determinar el régimen de acceso.

El País acompañó esta semana a José Luis López durante los primeros días de rodaje en la caverna. Éstos vieron como medían la temperatura, la humedad, la presión atmosférica y el CO2, mientras el equipo estaba trabajando en su interior.

El rodaje estaba previsto del 6 al 16 de octubre y solo se autorizó para seis días intercalados y el resto de los días, que serían miércoles, viernes, sábado y domingo la cueva debe descansar, para que las pinturas no se deterioren. Además, el tiempo máximo de rodaje diario establecido es de 360 minutos entre todo el equipo; no obstante sólo se puede estar 120 minutos dentro de Polícromos, la sala en cuyo techo se encuentran pintados los bisontes, el espacio más protegido de Altamira. El maestro de Altamira va a guiar a López por la cueva enseñándole muchas de sus maravillas para que las pueda utilizar en su documental.

Muchos científicos temen que tan solo por visitar unas horas Altamira una serie de personas esas pinturas podrían desaparecer, pero lo más probable es que desaparezcan por la naturaleza, y nada podemos hacer contra ella.

Cuando habían pasado los tres días de rodaje, López pudo conseguir las imágenes y se dio cuenta de que el arte es parecido ahora que hace 15.000 años.

Tamara Pérez

EL ARTE EN FAVOR DEL 9-N

Arte o reivindicación, reivindicación o arte, nunca podremos distanciar la una de la otra como nunca podremos comprender si una nación para la otra. Desde Picasso con su famoso Guernica hasta los artistas del grafiti, pasando por Miró o Delacroix todos han utilizado el arte para revindicar. En la coyuntura actual que vive Cataluña los artistas también han querido dejar claro que su arte también sirve para revindicar. 

Desde el pasado 9 de noviembre el Museo de Historia de Cataluña expone la obra de artistas pro-consulta como Mariscal, Perejaume, Viladecans, Arranz-Bravo y Susana Solano. 

Desde el pantocrátor de Taüll tuneado por Quim Domene hasta un payés con barretina amordazado por una bandera española que le impide hablar dibujado por Anthony Garner, pasando por una partitura de dos pentagramas y dos Sí que simboliza su papeleta electoral, un remake de la Norma de Esquerra o la erótica de votar de Antoni Llena. 

 En definitiva 80 obras en formato DIN-A3 de 100 artistas que plasman en una frase o una imagen, una sola idea, la realización de la consulta.

http://ccaa.elpais.com/ccaa/2014/10/07/catalunya/1412712083_937044.html

Pablo Edo

IMÁGENES QUE HABLAN

Todos nos hemos preguntado alguna vez cómo sería el paisaje antes de que nosotros fuéramos sedentarios; antes de que empezáramos a pensar cómo sería posible vivir más cómodos; a pensar, cómo fabricar casas resistentes para cuando se enfade la naturaleza; a pensar que nos mereceríamos, por cada triunfo, un monumento, una estatua, un arco; a pensar en cómo construir caminos mejores; a pensar cómo tener una mayor energía y así, lo que hemos logrado, es hacer llorar a la naturaleza arrancándole poco a poco trocitos de su cuerpo.

Estamos quitando la belleza que tiene este planeta cambiando nuestro entorno a nuestra voluntad, como si fuéramos esos dioses mitológicos de la religión de la Antigua Grecia; o ese dios de Platón, conocido como Demiurgo y caracterizado por ser el artesano del mundo; o tal vez ese dios cristiano, al que llaman Dios; ¿o por qué no? también podemos mencionar al dios de los musulmanes cuyo nombre es Alá. Estamos imitando a estos dioses cuya existencia desconocemos pero que optamos por practicar su técnica, con la diferencia de que nosotros estrangulamos ese cosmos, ese universo, esa naturaleza, que ha ido desarrollándose a lo largo de millones de años.

Esta imagen se puede ver en las redes sociales y a mucha gente le impacta, pues la naturaleza se ha convertido en una mujer a la cual, una mano humana, le está apuntando con una pistola, una pistola que sostiene algún que otro edificio, por lo que este dibujo equivale a una crítica a la excesiva construcción de fábricas, rascacielos, reactores nucleares... que nosotros, con nuestras propias manos, estamos creando. Y claro, no todo cabe en este planeta, si ponemos unos cuantos inmuebles hay que quitar lo natural, lo primario, lo prehistórico. Y sí, esta señora tiene boca y nariz, y ojos, pero no puede decir nada ya que, al fin y al cabo ésta no sabe hablar, porque no es un ser humano, ni un animal que aun podría irse corriendo o gruñir. No, ella está en el suelo, pegada a la tierra por las raíces que la sostienen, o dejándose llevar por ese cauce que le otorga al agua unas vistas de todo un valle u observando desde bien arriba tanto lo que se cuece en las alturas como debajo de sus pies, gracias a los rascacielos naturales, las montañas. Por eso vemos a la mujer llorando, reflejando el dolor que sufre la naturaleza y que la mayoría de la gente pasa de ese detalle.

Todos hemos pensado alguna vez: “menuda catástrofe hemos preparado en tan solo unos siglos cuando a la naturaleza le ha costado millones de años ser tan bella”. Y es que, poco a poco, nos estamos quedando sin esos tonos verdes en primavera, marrones y amarillos en otoño, blancos en invierno... sin esos perfumes que se les escapa a las flores, a los arbustos, a los árboles... nos estamos quedando sin ese néctar tan valioso para las abejas y sin ese polen que, a la mayoría de la gente les provoca un cosquilleo desagradable en la nariz y es la causa de que lloren en primavera y en otoño; pero a la vez, esas plantas que a veces las creemos tan caprichosas y maliciosas nos dan la vida, porque sin esas plantas de múltiples colores, no tendríamos oxígeno porque, aunque sean minúsculas como 'la lenteja de agua' que mide apenas unos milímetros, o tan grandes como la secuoya, que puede medir hasta cien metros , siguen haciendo la fotosíntesis y regalándonos unos minutos más de existencia.

Para finalizar solo me quedaría resaltar la frase que dejó nuestro amigo Parra, 'el error consistió en creer que la tierra era nuestra cuando la verdad de las cosas es que nosotros somos de la tierra.'Tamara Pérez

Goya visita EE. UU.

Boston acoge la mayor muestra estadounidense sobre Goya en los últimos 25 años, bautizándola como “Other Worlds, Other States” (“Otros mundos, otros estados”).

El museo de Bellas Artes de Boston (EE UU), albergará 170 obras de Francisco de Goya entre pinturas, dibujos y grabados.

Gracias a la colaboración del Museo del Prado, promovida por el embajador de España en EE UU y patrocinado por el Banco Santander.

Sin seguir un orden cronológico, las obras se han dividido en ocho categorías distinguiéndose por distintos temas.

Esta exposición es la mayor sobre el maestro aragonés en los últimos 25años, la pinacoteca destaca no solo la colaboración del Prado al haber prestado 21 obras sino también del Louvre, Galería de los Uffizi, del MET y de la Galería Nacional de Arte de Washington, todas ellas añadidas a la colección permanente del MFA que cuenta con unas 60 obras aproximadamente, un gran conjunto de obras del autor.

Marcos Nadal

Un ayuntamiento borra un mural de Banksy al pensar que era racista

El Ayuntamiento del pueblo inglés Clacton-on-Sea ha borrado un mural de Banksy.

El equipo de limpieza del municipio limpió la pared en la que de forma anónima Banksy había pintado cinco palomas sobre lo que parece un cable eléctrico con carteles contra la inmigración dirigidos a un pájaro africano mucho más exótico.

Un portavoz del ayuntamiento dijo que se había eliminado el mural tras recibirse una queja de que era “ofensivo” y “racista”. Después de enterarse de que la obra ya inexistente era un Banksy, con un valor calculado de 400.000 libras (medio millón de euros), el Ayuntamiento lamentó haber perdido lo que hubiera sido un reclamo turístico.

Banksy, cuya identidad se desconoce aunque se sabe que es de Bristol (oeste de Inglaterra), es conocido por su humor negro y habilidad para la sátira que plasma en murales que aparecen por sorpresa en cualquier parte del mundo y que son cada vez más cotizados en el mundo del arte.

Silvia Jarque

Fuente de información:

http://www.larazon.es/detalle_normal/noticias/7528801/cultura+arte/un-ayuntamiento-borra-un-mural-de-banksy-al-pensar-que-era-racista#.Ttt16dokZivJsxV

Velázquez, Dalí y el pop

¿Hay algo que siga más la estética Pop que un buen chupachups?.
Dalí diseñó el logotipo (con margarita que envuelve la palabra). La siempre presente infanta Margarita, escapada de las Meninas, se puso su imagen en la cabeza. Y un creativo bañó todo con un aire pop.
La campaña que hizo la infanta Margarita en favor del chupachups lo resume todo en un cartel rosa y amarillo. ¿Más pop?

Pablo Edo

Cristo se personificó en Cástulo y nos sorprendió siendo alejandrino

Aparentemente desde la lejanía los vestigios de Cástulo (Jaén) son solo un montón de restos, un poblado más en ruinas en nuestra Península. Pero este pequeño poblado no deja de sorprendernos, primero fueron restos iberos (pequeñas monedas, ajuares y algunas necrópolis), más tarde restos cartagineses (el león de la puerta por la que probablemente Aníbal entró a Hispania), a su vez restos romanos (increíbles mosaicos, termas…). Ahora le ha tocado el turno a los cristianos, una patena del S. IV en vidrio con la imagen de Cristo junto a los apóstoles Pedro y Pablo.

La patena, de 22 centímetros de diámetro y apenas cuatro centímetros de altura, está considerada ya como una de las manifestaciones de iconografía cristiana sobre este soporte más antiguas y mejor conservadas de la Península Ibérica.

La figura central es un Cristo en majestad, al más puro estilo alejandrino (imberbe y con el cabello rizado), flanqueado por dos apóstoles, probablemente Pedro y Pablo. La escena se desarrolla en el orbe celeste, enmarcado entre dos palmeras que son símbolo de la inmortalidad. 

Un resto más que destaca la importancia artística de nuestra península y que subraya la calidad de estos vestigios que nos pueden deparar un poco más de luz a un pasado que no está totalmente esclarecido.

Pablo Edo

Las obras de la Colegiata de Santa María se podrán visitar desde el verano de 2015

El templo bilbilitano recibirá hasta entonces una inversión de casi 8000000 euros para abrirlo desde el crucero hasta la capilla mayor.

La Colegiata de Santa Maria Mayor de Calatayud, Patrimonio de la Humanidad, cerrado al culto y a las visitas desde el agosto de 2010, va a conseguir el deseado brillo que necesitaba en los próximos meses.

Se prevé que en el verano de 2015 se abrirá para mostrarse en obras.

Para poder enseñar una parte de la iglesia a las visitas (la zona de crucero y la capilla mayor) tendrán que poner 788.000 euros de los cuales 400.000 los asumirán el Patrimonio Cultural, otros 265.900 la DGA y 125.000 el Ayuntamiento.

Tamara Pérez

SALA NUEVA EN EL MNAC

El Museo Nacional de Arte de Cataluña, el cual tiene una de las más prestigiosas colecciones de arte medieval, decide dedicar por primera vez una sección al arte moderno creado desde la segunda mitad del siglo XIX hasta mediados del XX con el objetivo de poder convertir su colección en una de las más importantes. Así, la exposición cuenta con más de 1.300 obras y 260 artistas, entre los que destacan Edvard Munch, Pablo Picasso y Salvador Dalí, entre otros.

Sara Jáñez

EXPOSICIÓN DE SOROLLA EN LA FUNDACIÓN MAPFRE DE MADRID

Estos días se está celebrando por primera vez en España la exposición de los cuadros pintados por Sorolla y que son parte de las colecciones de museos norteamericanos.

En 1909 Sorolla enamoró a los norteamericanos con sus cuadros de escenas de playa bañadas por el sol del Mediterráneo y se convirtió en el pintor español de la época más famoso en Estados Unidos.

La exposición se propone relatar la historia de Sorolla en Estados Unidos. La mayor parte de las obras pertenecen a colecciones de museos americanos, se compone de retratos, paisajes y jardines y sobre todo de las playas de su tierra, Valencia.

Beatriz Castellot

LI HONGBO

Li Hongbo: Statues in Motion from Todd Martin on Vimeo.
Recomendación de Rosa Gasque al saber que El David  de Miguel Ángel nos había visitado en la selectividad.

MONDRIAN, TAN CERCA

Juan Carlos Calvo

PENSAR CON IMÁGENES, PENSAR SOBRE IMÁGENES

Hace poco hicimos un ejercicio sobre la sociedad de la imagen y bueno vi esta foto en Instagram con 1708 me gustas tras solamente 8 minutos de margen desde que esta había sido colgada en este perfil que me dio de pensar. 

La imagen ha sido editada con varios efectos interesantes que muestran una ciudad moderna llena de grandes edificios y con algo de tráfico. Es invierno y está en blanco y negro, una mezcla triste y a la vez elegante. Y delante podemos ver a una chica medio transparente que sobrepasa a toda esa ciudad en tamaño como si la estuviese dominando. Es una chica muy delgada como se puede apreciar, con las piernas separadas por su extrema delgadez, pelo largo y claro, todo ello son estereotipos actuales.

Las manos por encima de su cabeza, en cruz, pero también parece que esté espolvoreando algo, quizás la intención era parecer que era ella la que espolvoreaba la nieve que hay sobre la calle de la ciudad pero también me ha dado a pensar que puede transmitir cómo que está hechizando a la civilización moderna desde arriba, e incluida a ella ya que su cabeza está por debajo de sus manos. 

Finalmente, al ver estas manos cruzadas me ha hecho pensar que es como una señal de que no le gusta eso que pasa, el que nos dejemos dominar por los estereotipos, pero que abre sus manos y lo deja caer sin que nadie aprecie que estas están cruzadas, de que es algo malo, la gente lo ve como algo normal algo a lo que nadie da importancia y por ello no le queda otra que hacerlo, pues casi nadie intenta evitar que cierre sus manos al revés, la inducen a que lo haga (revistas, jefes de pases de modelos, nosotros...). 

Además de que la nieve que está cayendo por su ciudad, bonita y normal, acabará sentimentalmente, físicamente y mentalmente con la felicidad y así con la vida de muchas personas. 

Todos estamos bajo una sociedad dominada por la imagen, eso es lo más importante para casi todos actualmente, la imagen vale más que el corazón, y aunque no se publiquen imágenes con intenciones como esta o parecidas estamos tan influenciados por ellas que no nos damos cuenta de todo lo que estas contienen y de cómo nos están transformando, solo vemos que es una imagen bonita, porque no somos capaces de analizarlas, solo de tragárnoslas hasta ver en ellas algo bonito y normal cuando en realidad, también inconscientemente, puede estar afectando en otro grado a muchos de nosotros.

Gloria Chulilla (4º B)