JAPÓN EN LA ACADEMIA

Se realiza una exposición en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, que se enmarca en los actos programados para conmemorar el Año Dual España – Japón. 

Kunisada y la escuela Utagawa, exponen una selección de 116 estampas de la colección de ukiyo- e. Es una manifestación artística que su temática abarca imágenes de la vida cotidiana, lugares famosos o actores de kabuki. Son unos ejemplares muy poco conocidos que mantienen su color original y hasta ahora nunca se habían expuesto. 

Esta exposición se realizara desde el 15 de mayo de 2014 hasta el día 10 de Julio de 2014. 

La escuela de Utagawa fue fundada en el siglo XVIII por el famoso grabador Utagawa Toyoharu. Alcanzó una popularidad superior al resto de escuelas. Entre sus artistas destacan: Kunisada que fue el maestro de retratos de bellezas femeninas; Kuniyoshi, fue especialista en estampas de guerreros y Hiroshige fue el gran creador de paisajes.

Alexandra Nastase

LA APARICIÓN DE NUEVAS OBRAS DE DALÍ

La Fundación Gala-Salvador Dalí ha descubierto dos óleos desconocidos hasta el momento que el genio pintó en 1930. Estas dos obras se pueden ver a partir de hoy en el catálogo razonado del artista online, junto con las fichas de otras 756 obras de entre 1910 y 1964, pertenecientes a cien colecciones diferentes.

Una de ellas es “El Simulacre de la nit”, un óleo que se encuentra en manos de un coleccionista privado. En él está representada una mano venosa enrojecida situada sobre una columna apoyada sobre un paisaje estéril y en primer plano un animal putrefacto. La pintura, que hasta hoy no estaba publicada, se pudo localizar gracias a que se supo que Dalí había participado en una exposición surrealista en Tenerife, con dos obras, “Reflexe cranial” y “Lliure inclinació del desig”.

Se localizó gracias a una fotografía de un recorte de periódicos.

En el segundo tramo del catálogo (1931-1939), que incluye 211 pinturas, también se han podido incluir otras seis obras de las que finalmente se ha tenido información suficiente. Algunos ejemplos serían unos óleos sobre tela “El Somni apropant-se” (1932), o el óleo sobre metal “Planxa d’associacions demencials o focs artificials” (1930-31).

La fundación Gala-Salvador Dalí espera incorporar la última etapa de producción del artista, que se compone de obras realizadas entre 1965 hasta el último año de su actividad, se ha destacado que a partir de ahora el catálogo, que pretenden que sea una herramienta imprescindible para profundizar en la actividad artística de Dalí, se puede consultar en catalán, castellano, inglés y francés.

Carmen Zaera

EXPOSICIÓN: PINTORAS EN ESPAÑA 1859/1926, DE MARÍA LUISA DE LA RIVA A MARUJA MALLO

PARANINFO DE LA UNIVERSIDAD DE ZARAGOZA, del 20 de febrero al 28 de junio de 2014

http://moncayo.unizar.es/unizara/actividadesculturales.nsf

 El objeto de esta exposición es rescatar la producción artística de varias pintoras activas entre mediados del siglo XIX y comienzos del XX y analizarla dentro del contexto social en el que vivieron, realizando un gran esfuerzo, pues buena parte de las obras que la componen se hallaban dispersas o en paradero desconocido.

 Algunas de las expresiones empleadas para calificar a las pintoras activas de esta época fueron “pintoras aficionadas” y “pintoras de flores”, un periodo durante el cual la capacidad intelectual y creativa de la mujer estaba menospreciada en toda Europa. A pesar de ello y de los obstáculos que debieron sortear, un amplio grupo de artistas decidió seguir con su vocación.

 Para presentarla, se ha elegido como punto de partida la figura de la pintora María Luisa de la Riva (Zaragoza, 1859-Madrid, 1926), que sirve como hilo conductor para profundizar en el trabajo de otras 22 artistas coetáneas que desarrollaron su actividad entre 1859 y 1926, y cuya trayectoria no había sido presentada conjuntamente hasta la fecha, aun constituyendo una parte representativa del arte español de ese momento.

 La exposición reúne sesenta y tres obras, en su mayoría pinturas, en las que se muestran los diferentes lenguajes artísticos y que, a grandes rasgos, coinciden con las dos principales vertientes plásticas de la época.

En la primera sala se presenta la más académica, propia del arte decimonónico, y junto a las obras de María Luisa de la Riva, se incluyen otras de autoras como Julia Alcayde, Fernanda Francés o Alejandrina Gessler.

Los inicios de la vanguardia artística de principios del siglo XX, ocupa la segunda sala, y en ella destacan las pinturas de Luisa Vidal, Carolina del Castillo, María Blanchard, Sonia Delaunay o Maruja Mallo.

 Con esta muestra, la Universidad de Zaragoza pretende cubrir el vacío investigador y expositivo existente sobre el trabajo de estas autoras. 

Rubén Sánchez

Homenaje a Salvador Victoria en Rubielos de Mora

Se ha hecho un homenaje a Salvador Victoria que se inaugura con motivo del 20 aniversario de la muerte del pintor y que reúne obras de 17 artistas amigos del creador durante sus años de formación en Valencia y París.

Mompó, Genovés, Andreu Alfaro, Amadeo Gabino, Equipo Crónica, Rosa Torres y Dora Balaguer son algunos de los artistas, cuyas obras se podrán ver más adelante en el Museo Salvador Victoria, que conserva el legado del pintor y obras de otros creadores de la generación abstracta de los años 50, que abrió las fronteras de España al arte de vanguardia internacional.

Salvador Victoria (Rubielos de Mora 1928-Alcalá de Henares, Madrid 1994) estudió en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de Valencia, donde entabló amistad con algunos de estos artistas que conservó a lo largo de los años, durante los que se fueron uniendo al grupo otros creadores de generaciones posteriores.

Doro Balaguer, que ha viajado a Rubielos para la inauguración, fue gran amigo de Salvador, con quien compartió casa en Madrid después de sus años de formación en Valencia, y luego estudió en París, donde viajaron juntos en 1956.

Además de los pintores y escultores citados, están representados otros artistas del grupo Parpalló, el más importante, que surgió en torno al crítico de arte Vicente Aguilera. Son los pintores Vicente Castellano, Joaquín Michavila, Monjalés y Salvador Soria; el escultor Bayarri y el arquitecto Juan Estellés.

Este homenaje continuará el próximo 14 de mayo, con una exposición en Zaragoza, en el Museo Pablo Serrano, que incluirá la totalidad de las 70 obras donadas por su viuda, Marie Claire Decay.

Almudena Sánchez

A SUBASTA UNA ICÓNICA OBRA DE WARHOL

Marilyn Blanca, de Andy Warhol, saldrá a subasta en la sala Christie's de Nueva York el próximo 13 de mayo y se espera que alcance un precio de entre 8,7 y 13 millones de euros. Esta obra forma parte de una de las series de este artista más valoradas. Esta obra fue realizada por Warhol en 1962, justo después de la muerte de la actriz. Es uno de los ocho cuadros que seleccionó el artista para su primera exposición monográfica, que se celebró en la Stable Gallery de Nueva York. La obra está dedicada a la dueña de la galería, Eleonor Ward. Otras «marilynes» de Warhol se hallan en lugares de gran importancia: la de color menta se la entregó Warhol a Jasper Johns, la dorada cuelga en la National Gallery de Washington; la azul, en Princeton. 

Andy Warhol siempre sintió fascinación por las estrellas de Hollywood. La obra que sale a subasta es uno de los retratos más icónicos de Warhol, que quedó obsesionado con la actriz, tras su muerte. Con su capacidad única de fusionar la pintura y la fotografía, Warhol crea esta obra, en la que la actriz trasciende como un ser excepcional.

Carlos Punter

El arte, recompensado en la Iglesia de Sant Climent de Taül.

La Iglesia de Sant Climent de Taül es considerada como patrimonio de la humanidad desde el año 2000.

Sus pinturas fueron arrancadas por miedo a la venta extranjera, pero gracias a la novedad tecnológica podemos observar virtualmente las coloristas pinturas de hace 800años. Esta incorporación tecnológica a costado 400000€.

Un mapping con seis proyectores de gran calidad permite hacer un recorrido en apenas unos 10 minutos. Seis meses después de inaugurarse esta nueva manera de ver y percibir ha recibido un premio internacional "El mejor proyecto multimedia", premio que cada año concede el congreso Museums and web celebrado en Baltimore (EEUU) .

Gracias a este proyecto a aumentado un 40% las visitas respecto al año pasado.

Todo ello ha coincidido con la restauración integral de la Iglesia.

Reyes Pobo

Regresa la figura gitana de Pierre Gonnord

Esta exposición de fotografía realizada en el 2013 como trabajo de Pierre Gonnord trata sobre el pueblo gitano, hace un homenaje a Lorca, estará expuesta en Almeria hasta el próximo 15 de junio inaugurado por la CAF (centro andaluz de fotografía). Esta exposición consta de diferentes retratos como gitanos de Sevilla, de las tres mil viviendas, también incluye paisajes inéditos.

Este trabajo quiere homenajear al clan gitano muchas veces criticado por la sociedad y con pensamientos erróneos.

El autor quiere expresar en los retratos de los gitanos las expresiones de carisma, su reflejo de fuerza y su fe.

Gonnord dejo hace una década su trabajo de economista para dedicarse al mundo de la fotografía y poder vivir nuevas experiencias y nuevos mundos. En la imagen adjunta se muestra la fotografía de una joven llamada Elena con su hijo en brazos mientras reciben un visitante, su rostro muestra verdad con sólo mirarla , es lo que quiso representar Gonnord . Esta fotografía recibe el nombre de Elena y AQuiles.

Por último las fotografías de paisajes y animales reprendan el pueblo nómada en el que se envuelven los gitanos nómadas , un ejemplo claro podría ser el caballo por el que sienten gran admiración.

Reyes Pobo

ARTE EN CALANDA

Calanda es un municipio de la provincia de Teruel, que cuenta con el Centro Buñuel (CBC) que inaugura desde el día 30 de marzo una exposición de Joaquín Ferrer, pintor procedente de Caspe, que mantendrá expuesta hasta finales de mayo. No es la primera vez que Joaquín Ferrer expone en el CBC, la primera vez fue en el 2007. La exposición actual, llamada Arte en la Frontera, cuenta con 35 obras que su autor define “basadas en la poesía, la música y el ritmo”. Joaquín Ferrer combina geometría, color, armonía e imaginación y opina que “no quiere comentar sus obras ante el espectador ya que un cuadro transmite tantas sensaciones que no quiere condicionar la imaginación de quienes lo observan.” 

Las bandas sonoras y músicas que han inspirado las obras suenan durante todo el recorrido y los cuadros expuestos tienen al lado pequeños carteles que incluyen una parte de la letra de la canción que se plasma en ellos.

La obra de este artista muestra gran influencia de la música de Serrat, John Lennon o José Antonio Labordeta, entre otros. La música es su mayor fuente de inspiración, como explica diciendo “esas canciones que escuchas y acaban transformándote y emocionándote merecen ser llevadas a un lienzo”.

Los cuadros de esta exposición son óleo sobre lienzo y combinan colores cálidos y fríos, y, según explica su autor en la inauguración, tarda un mes aproximadamente en finalizar cada uno de ellos, escucha la música y la traslada al papel, en él hace modificaciones hasta que logra una composición y de ahí la traslada al lienzo donde la termina.

Andrea Maldonado

“Veronés: Magnificencia en la Venecia del Renacimiento” se expone en The National Gallery

 Desde ayer The National Gallery reúne 50 obras maestras del pintor renacentista Veronés, uno de los pintores “venecianos” que más destacó junto a sus coetáneos Tiziano y Tintoretto. En sus obras se pueden observar la opulenta paleta de colores, tan propios de la ciudad de Venecia y que parece salirse del cuadro, así como la representación de melodramas bíblicos (“La conversión de San Antonio”, “La boda mística de Catalina”…) y mitológicos en sus lienzos.

Veronés recurrió también al sentido del humor para abordar un tema tan universal como lo es el amor, como ocurre en las cuatro “Alegorías del amor”.

En el «Respeto», el dios Cupido impide que un hombre, presuntamente casado, se acerque a una mujer que duerme desnuda. En la «Unión feliz», un matrimonio comparte castamente una rama de olivo. Pero el amor implica también, según Veronés, «Infidelidad», que representa con una mujer abrazada a un hombre mientras pasa un mensaje en un papel a otro. Y «Desprecio», una actitud que Cupido castiga en un mal marido a base de golpes con su pequeño arco. No se sabe qué representan exactamente, ni quién realizó el encargo al pintor.

Este conjunto de cuatro lienzos perteneció primero a la colección del duque Felipe de Orléans, y, después, pasó por a manos del emperador del Sacro Imperio y de la Reina Cristina de Suecia.

Otro aspecto que hace todavía más atractiva la exposición es que las “Alegorías del amor” comparten sala, por primera vez desde que fueron vendidas a la National Gallery, con “Marte y Venus unidos por el amor”. Esta obra, prestada por el Metropolitan de Nueva York, viene a representarnos la idea del haz el amor y no la guerra. Además la sala incluye una versión más cómica de este último lienzo en la que el caballo de Marte sorprende a la pareja en la cama.

Cabe destacar también que cuarenta de las cincuenta obras expuestas han sido prestadas por otros países, entre las cuales destaca una en especial, “El Martirio de San Jorge”. Se trata de la primera vez que dicha obra es cedida por la Iglesia en la que habitualmente se encuentra, aunque ya viajó a través de las manos de Napoleón, quién se lo llevó como motín de guerra.

En este último lienzo, al igual que en la mayoría de la obra de Veronés, se puede observar la teatralidad en las escenas, la sensación de bienestar y calidez y, en muchas de ellas, el típico desnudo femenino delicado y sensual que los artistas venecianos introdujeron.
Podemos encontrar también algún retrato, como la “Bella Nanni”, de este magnífico maestro veneciano del que tanto se fijaron los artistas más notables de etapas posteriores.

Fuente: http://www.abc.es/cultura/arte/20140319/abci-londres-veronese-201403181626.html

Alfonso González Féliz de Vargas

RECONSTRUYEN UNA EXPOSICIÓN DE ARTE DEGENERADO DE LOS NAZIS

     

Ziegler /Klee

En 1892, Max Nordau, llevando a cabo un radicalismo crítico, formuló por primera vez el concepto de arte degenerado. A partir de ahí los nazis tomaron esa idea y en 1937 organizaron en Munich una exposición con 600 obras, de las veinte mil incautadas y prohibidas por el régimen, que catalogaron como ''Arte Degenerado''. Acusaban a sus artistas de ''falta de talento'' y a sus obras de ser ''productos enfermos de la locura'' además de no defender la idea de la Alemania Imperial.
Ahora, la Neue Gallery, principal núcleo de arte alemán y austriaco en Nueva York, rescata todas esas obras y las muestra en una exposición denominada: ''Arte degenerado: el ataque al arte moderno en la Alemania nazi, 1937''. El objetivo de la exposición es mostrar la ofensa que hicieron los nazis contra artistas como Paul Klee, Ernst, Emil Nolde... Como mayor atractivo la organización ha añadido uno de los libros originales en los que se hacía inventario sobre las veinte mil obras confiscadas además de un cuadro que Hitler tenía colgado en el salón de su casa a modo de antítesis con el resto de obras.
Fuente: 20minutos.es

Juan Carlos Calvo

BILL VIOLA ENTRE LOS SUYOS

Bill Viola dialoga conVelázquez y Goya

¡NOS VAMOS A MADRID!

MAD//13 - Madrid Aerial Demo-Reel from cromatica45 on Vimeo.

Exposición "Ernesto Neto: el cuerpo que me lleva"

El Museo Guggenheim Bilbao presenta hasta el próximo 18 de mayo “Ernesto Neto: el cuerpo que me lleva”, una retrospectiva dedicada a la obra de Ernesto Neto (Río de Janeiro, 1964), uno de los artistas más sobresalientes de Brasil, famoso internacionalmente por sus esculturas orgánicas, a menudo de dimensiones colosales.

La exposición reúne una selección de más de cincuenta obras, algunas de las cuales se han reconfigurado específicamente para adaptarse a los singulares espacios arquitectónicos del Museo.

Son obras creadas para atravesarlas, habitarlas, sentirlas e incluso olerlas, con la intención de que el espectador pueda interactuar con ellas, sin perder de vista que, al mismo tiempo, son, como el cuerpo humano, frágiles y delicadas.

Como Ernesto Neto afirma, una exposición es un lugar para la poesía: “Todo el tiempo recibimos información, pero quiero que aquí se deje de pensar. Refugiarse en el arte. Pienso que no pensar es bueno, es respirar directamente de la vida”.

Es un trabajo en el que subyace, de forma permanente, el concepto de 'naturaleza como maestra del arte'. Es de la naturaleza de la que aprendemos, no cabe ninguna duda al respecto. En ella se encuentra y se resume todo. Estoy seguro de que algún día viviremos en plena armonía con el mundo natural, afirma Ernesto Neto.

Dividida en nueve espacios ('¿Por qué vas de nuevo a Roma?', 'Así es la vida', 'La casa de los sueños', 'Dulce borde', 'Que no te asuste el caos', 'Hermano de montaña', 'Trueque trueque', 'Vendo caramelos' y 'Comer con los ojos'), la muestra introduce al espectador en algunas zonas de inestabilidad, para regalarle después momentos de sosiego y de reconciliación con su ser. Un viaje mágico a través de túneles por los que vagar, superficies en las que hundir el cuerpo, figuras prominentes a las que abrazar y entornos fantásticos para oler y sentir.

http://www.arteinformado.com/Criticas/86085/ernesto-neto-el-cuerpo-que-me-lleva/

http://ernestoneto.guggenheim-bilbao.es/

Rubén Sánchez

EL GRAN TESORO DE MÚNICH

El anciano alemán Gurlitt, en cuyo piso de Múnich la policía halló unos 1.400 valiosos cuadros, guardaba también en su casa de Austria, más de 60 joyas artísticas, entre ellas lienzos de Monet, Renoir y Picasso.
El portavoz de Gurlitt, explicó que las obras serán examinadas por expertos del mundo del arte para despejar dudas sobre sus orígenes y aclarar si pueden ser «arte robado» por los nazis, como se sospecha de parte del tesoro encontrado en su casa de Múnich.
La existencia de estas obras en Austria amplía aún más la leyenda en torno a la colección de Gurlitt, que tiene 81 años y es objeto de una investigación por presunto delito fiscal.
El hallazgo de alrededor de 1.400 cuadros en su apartamento de Múnich fue guardado en secreto durante más de un año por las autoridades, que defendieron la necesidad de investigar sin la presión de los medios el sorprendente descubrimiento
Entre los cuadros de Múnich había lienzos de Picasso, Marc, Nolde, Spitzweg, Renoir, Macke, Courbet o Beckmann y obras nunca catalogadas y hasta ahora desconocidas de artistas como Marc Chagall y Otto Dix.
Hace unos días la justicia alemana atendió una demanda del popular diario «Bild» y decidió que los medios de comunicación deben tener acceso a una lista completa del denominado «tesoro de Múnich».

http://www.abc.es/cultura/arte/20140211/abci-tesoro-munich-201402111522.html

 Almudena Sánchez

Georges Braque en el Museo Guggenheim de Bilbao

Este verano el Museo Guggenheim de Bilbao acogerá del 13 de junio al 21 de septiembre la obra retrospectiva de Georges Braque.
Georges Braque fue junto a Pablo Picasso y Juan Gris el creador del cubismo e iniciador de los papiers collés o papeles pegados (es una técnica pictórica y un tipo de collage, los artistas pegan piezas de papel, tela, etc., en la pintura, la forma de las piezas pegadas determina un objeto. Georges Braque, inspirado en la técnica de collage de Picasso, fue su inventor.)
Braque centró su obra en el estudio de la naturaleza muerta y del paisaje. Fue considerado el pintor francés por excelencia, heredero de la tradición clásica y precursor de la abstracción de posguerra.
En la exposición podremos apreciar desde su periodo fauvista hasta su obra tardía, que culmina en las increíbles series de los grandes talleres y de los pájaros, poniendo un especial énfasis en las fases más destacadas de su trabajo, como el cubismo o los paisajes del final de su vida.

Carlos Punter

CAMPAÑAS PUBLICITARIAS MUY CLÁSICAS

UN ZURBARÁN, 350 AÑOS DESPUÉS

Francisco Zurbarán muere en 1664 tras haber dejado una profunda huella religiosa en la pintura española del Siglo de Oro. Una de sus obras ´´Los desposorios místicos de santa Catalina de Alejandría´´, tras haber ido cambiando de propietario y desaparecer sin dejar rastro, ha aparecido. La podemos contemplar en el palacio de Bellas Artes de Bruselas; en el cuadro podemos apreciar a la Virgen María sosteniendo al niño Jesús que coloca el anillo de casada a Santa Catalina. Zurbarán pintó esta escena en los últimos años de su vida. Mayormente pintaba para órdenes religiosas, produjo un gran número de obras gracias a mantener un taller de aprendices muy activos. Este año es el 350 aniversario de la muerte de Zurbarán.

Carmen Zaera

UN CAMINO AL PASADO

Los portugueses tienen a Domingos Sequeira (1768-1837) en el mismo altar que los españoles colocamos a Francisco de Goya. Para ellos es el artista más importante de su época. Sin embargo, en el país vecino, el nuestro, es un completo desconocido.
El Museo del Romanticismo, en la calle San Mateo de Madrid, se ha propuesto subsanar esta carencia y ofrece una exquisita muestra sobre un pintor que simboliza los hechos históricos y políticos de unos años que, como en el caso de España, fueron para Portugal de grandes cambios.
"Es la época, en los primeros años del siglo XIX, del adiós al antiguo régimen y de la bienvenida a la era moderna, y de ahí que el título de la exposición sea 'En el Umbral de la modernidad'.
La exposición reúne 29 pinturas y dibujos, y ofrece a la entrada un código QR para que el visitante pueda descargarse con el móvil una selección de temas en Spotify del compositor portugués y contemporáneo de Sequeiro Joao Domingos Bomtempo (1775-1842). Una bonita manera de recorrer este camino al pasado.
'Domingos Sequeira. En el umbral de la modernidad'. Museo del Romanticismo (C/ San Mateo, 13).
Hasta el 2 de febrero. De martes a sábados, de 9.30 a 18.30 y domingos y festivos, de 10 a 15h. Entrada gratuita a la exposición temporal.
Rubén Sánchez Urbano

ALTAMIRA VUELVE A NACER

La cueva de Altamira, en Santillana de Mar(Cantabria), volverá a recibir visitantes de forma experimental. Tras doce años para analizar el impacto de la presencia humana antes de decidir de forma definitiva sobre la reapertura, según se ha anunciado este sábado en el Patronato. Estas visitas se harán durante 37 minutos, con cinco personas más el guía cada semana, para dar continuidad a los estudios que se están realizando sobre el estado de la cueva desde septiembre de 2012. En agosto se conocerán los resultados y se decidirá si en el futuro Altamira puede recibir visitas de forma continuada. Las visitas empezaran en breve, aunque no hay fecha concreta y durarán hasta agosto. Se calcula que puedan entrar hasta entonces unas 190 personas. La selección de las personas que puedan entrar se realizará mediante un sorteo, las personas seleccionadas tendrán que vestir monos desechables, gorro, guantes, mascarillas y calzado especial. Además de seguir unos protocolos, como no tocar las rocas, no tomar imágenes. Así hasta agosto, que se conocerán los resultados de todas las visitas experimentales, y los efectos que ha causado la presencia humana en la cueva, entonces será el Patronato de Altamira el que decida si en el futuro la cueva pueda recibir visitas de manera continuada. Los miembros del Patronato han insistido, en los medios de comunicación, que las visitas experimentales no suponen una apertura de la cueva, sino la continuidad de la fase de estudio. En estas visitas se controlará, dentro de la cavidad, la temperatura del aire y de la roca, y otros aspectos como la humedad relativa, contaminación, las aguas de infiltración, el radón y el CO2, y otros parámetros del exterior. La cueva de Altamira es considerada la Capilla Sixtina del arte rupestre. Sus pinturas fueron identificadas en 1879 por una niña del lugar de 10 años de manera fortuita. Se abrieron al público en 1917, en 1924 fue declarada monumento nacional y se convirtió en uno de los lugares más visitados de España. En el mundo existen tres reproducciones de Altamira, una en Múnich, en Madrid y en Japón. http://www.rtve.es/noticias/20140118/altamira-volvera-recibir-visitas-forma-experimental-tras-doce-anos/853180.shtml
Almudena Sánchez Gascón

PASIONES

B E A U T Y - dir. Rino Stefano Tagliafierro from Rino Stefano Tagliafierro on Vimeo.

El Thyssen muestra un sustancioso aperitivo del año Greco

En el Museo Thyssen se encuentran cuatro obras destacadas del Greco. Estas obras serán prestadas para la primera gran exposición que será dedicada al pintor en Toledo por los 400 años de su muerte (El griego de Toledo, del 14 de marzo al 14 de junio). Estas cuatro obras son: La Anunciación (1576), Cristo abrazando la cruz (1587-1596), La Anunciación (1596-1600) y La Inmaculada Concepción (1608-1614). Esta exposición del Greco, va desde su etapa en Italia hasta su etapa en España. El propósito de esta exposición es el estudio técnico realizado sobre las dos Anunciaciones, para así desvelar cómo a partir de un mismo tema, se produjo la radical transformación entre su etapa italiana y su etapa española.
La evolución técnica y conceptual de las dos Anunciaciones, es radical. Los análisis químicos, dan a conocer la composición y distribución de los materiales en las distintas capas de pintura.
Ubaldo Sedano, Jefe del Área de Restauración del museo, explica la contemplación cómo la Anunciación de 1576 recoge todas las influencias de los grandes maestros italiano: la composición arquitectónica de la obra, la distribución de los personajes o las medidas pinceladas distribuidas sobre los dibujos subyacentes que ahora podemos ver.
Veinte años después, en Toledo, la composición, las figuras y las pinceladas cambian radicalmente. Su estilo es ya inconfundible. Las figuras se alargan y desdibujan con toques impresionistas y el dibujo previo ha desaparecido.
Guillermo Solana, director artístico del museo, recuerda que el Thyssen ha reconocido ya la importancia del Greco en varias iniciativas. En 1999 se le dedicó una gran exposición antológica comisariada por José Álvarez Lopera, que se mostraron 80 obras y resultó ser un gran éxito.
Alexandra Nastase

GOYA Y SU MODERNIDAD EN PARÍS

“Goya y la modernidad” es una exposición de Francisco de Goya, uno de los pintores españoles más importantes, que se encuentra en la Pinacoteca de París. Esta exposición cuenta con más de 200 cuadros entre los que destacan los grabados. Se muestran las primeras pinturas que realizó, caracterizadas por los colores vivos, y otras que muestran la crueldad de la guerra. La modernidad de Goya se debe a su compromiso político, tuvo un estilo distinto a los cánones de la época y su temática recibió fuertes críticas, debido a que atacó a instituciones como la Inqusición. En París, en la exposición, se dijo que era muy interesante el que hubiera alguien tan comprometido con lo que hacía y que utilizaba su arte en forma de protesta o crítica social, como, por ejemplo, muestran algunos cuadros de la exposición, ridiculizando la sociedad de la época influenciada por la religión. La modernidad de este pintor influyó en movimientos posteriores como el Impresionismo.

Andrea Maldonado Albasini

VÍCTIMAS MUDAS DE UNA GUERRA

La policía egipcia ha recuperado una estatua del arte egipcio la cual representa a Anjesamón, la hermana de Tutankamón, que fue robada del museo de la localidad de Mallawi en el mes de agosto durante unos saqueos.

La estatua está tallada en piedra caliza, mide 32 centímetros y es una de las piezas más importantes del museo. Fue recuperada por la autoridades egipcias en una operación contra una banda de tráfico de antigüedades la cual pretendía venderla en el zoco de la ciudad a los turistas.

En total la banda robó 1500 piezas del museo de la ciudad de las cuales han podido recuperarse solamente 800. Esta ciudad se ha visto notablemente afectada por los saqueos debido a que se encuentra dentro de una de las provincias más afectadas por el golpe de estado y es uno de los puntos de mayor tensión del país.

Aunque durante siglos se han sucedido los saqueos, desde la revolución que afectó al país en 2011 la protección en los yacimientos arqueológicos ha disminuido notablemente lo que facilita la sustracción de objetos por parte de los traficantes lo cual hace que tumbas como la de Tutankamón cuyo valor radica en su conservación total pierda parte de su importancia y su valor.

Fuente: El País

Juan Carlos Calvo

LA CREATIVIDAD A PARTIR DE LA DESTRUCCIÓN

José María Sicilia es un pintor español que estudió en la Facultad de Bellas Artes de Madrid y después se marchó a París. En 1989 recibió el Premio Nacional de Artes Plásticas del Ministerio de Cultura de España. Su pintura se caracteriza por un marcado matiz expresionista.

Hace poco ha realizado una exposición llamado “Fukushima. Flores de invierno”, donde refleja las sensaciones tras el terremoto y tsunami ocurridos en Japón, que expone a la vez en Japón y España, como parte del intercambio cultural por los 400 años de relación entre estos países.

Acción Cultural Española inauguró la exposición el pasado mes de octubre en el Fukushima Prefectural Art Museum, y estará expuesta hasta el 1 de diciembre.
En España, la exposición se muestra en una antigua nave de despiece convertida en centro de arte.
Lo que quiere representar el autor es un reflejo de cómo surge la creatividad a partir de la destrucción.
José María Sicilia viajó a Japón poco después del gran terremoto y posterior tsunami del 11 de marzo de 2011, porque lo que pretendía era descifrar sensaciones para proyectarlas de forma visual. Expone la música y el lenguaje del desastre a través del sonido del tsunami, las voces de los supervivientes que subieron vídeos a Youtube y testimonios directos.
Realizó talleres en las ciudades afectadas con psicoterapeutas, profesores y niños, para que estos le expresaran artísticamente su experiencia.
La exposición cuenta con varias esculturas simbólicas, un documental y la banda sonora con esos sonidos recopilados; el nivel del agua, la presión atmosférica, las voces de terror... son plasmadas en creaciones artísticas.

En esta exposición José María Sicilia reflexiona sobre la brevedad de la vida y el ataque de lo inesperado.

Andrea Maldonado

EXPOSICIÓN OUT ART EN TRUJILLO

Esta exposición fue realizada por primera vez en Junio de 2013 al aire libre en pleno paseo peatonal del jirón Pizarro, en el centro histórico de Trujillo, debido a la falta de galerías motivando así a un grupo de artistas plásticos de esta ciudad a realizar una exposición, denominada "Out Art", la cual, es una muestra de pintura, escultura, intervenciones y fotografías de carácter diverso, con el fin de que la gente pueda ver gratuitamente las nuevas tendencias y técnicas variadas del arte vanguardista.
Al igual que la primera edición, el 22 de noviembre a las 10.30 de la mañana se inagurará otra nueva exposición, en la cual, participarán artistas de la Escuela de Bellas Artes de Trujillo.
Esta exposición tiene como fin mostrar el arte vanguardista al público de a pie en uno de los lugares más transitados de la ciudad.
Noelia Maícas

UN SECTOR LIBRE DE CRISIS

La semana que viene se celebran en Nueva York una serie de subastas de arte de posguerra y arte contemporáneo, en ellas se ofrecerán obras muy codiciadas por los coleccionistas a precios muy elevados.

El día más esperado es el martes, en el cual se espera obtener más de 495 millones de dólares, superando así a la subasta más cara de toda la historia. La obra más codiciada es un tríptico de Francis Bacon, ''Three Studies Of Lucian Freud'', la cual posiblemente supere el record de 86,3 millones de dólares establecida por el propio artista en 2008 con otro tríptico. Además se piensa que podría llegar incluso a superar al cuadro más caro vendido en una subasta: El Grito de Edvard Munch (120 millones).

Durante la subasta la atención también estará focalizada en el artista neo-pop Jeff Koons y el archiconocido artista pop-art Andy Warhol de los cuales también van a comercializarse algunas obras, se estima que por valor de entre 40 y 60 millones de dólares.

Todos estos precios astronómicos contrastan fuertemente con lo que se paga por obras más antiguas de maestros como Rubens, Goya o Botticelli por las cuales se desembolsan entre 2 y 5 millones y medio aproximadamente. Este desajuste se debe a que cada vez hay menos obras antiguas de calidad que no estén ya en museos y a que la gente quiere comprar arte de su generación.

Fuente: abc.es

Juan Carlos Calvo

¿ARTE?

David Walsh, tras forrarse ganando en el casino, invirtió sus ganancias en una impresionante colección de arte valorada en 80 millones de euros, en las que se encuentran mosaicos romanos y sarcófagos egipcios. Para exhibir estas obras, fundó el Museum of Old and New Art, cuya superficie dobla al Guggenheim de Nueva York. Las obras están mayoritariamente marcadas por su vínculo por el sexo, la muerte y la escatología. Su mundo representa la incertidumbre de la democracia y la duda. La Maison Rouge de París expone una parte de sus posesiones hasta el 12 de enero. Wals incita al visitante a tener una copa en la mano, ya que el alcohol ayuda a entender el arte.
Carmen Zaera

FRIEDRICH, ETERNO FRIEDRICH

Un pintor maño triunfa en la feria FRIEZE de Londres

Frieze es una de las ferias de arte contemporáneo más importantes del mundo, que tiene lugar cada mes de octubre en Londres y que cerró, el pasado domingo día 20, con 70.000 visitantes.

En esta edición de 2013, la galería madrileña Maisterravalbuena ha agotado las existencias de lienzos y dibujos del pintor Néstor Sanmiguel Diest .

Néstor Sanmiguel Diest nació en Zaragoza en 1949. Vive en Aranda de Duero y comenzó a pintar casi a los 40 años. Su obra ha cautivado a quienes se han acercado a la zona de proyectos individuales Frame de la feria.

Según explican sus responsables, les quitaron de las manos los 40 dibujos que conforman la exposición «Armas de saqueo» y varios lienzos del artista.

Sanmiguel, de 64 años, había hecho él mismo la selección, rescatando obras de 21 cm. por 30 realizadas entre 1996 y 2006. Rebuscó en sus carpetas, identificó los que le interesaban, y los restauró uno a uno.

Canadienses, austriacos y británicos quedaron cautivados por las obsesivas geometrías narrativas de Sanmiguel. 

Un coleccionista suizo decidió llevárselos todos cuando le dijeron que solo les quedaban once.

«El artista es bueno, y eso es lo que caracteriza Frieze, que aprecian la calidad de la obra aunque no te conozcan como galería», explica Pedro Maisterra, codirector de la galería.

Llamaron a Sanmiguel para que enviara más dibujos, pero la preparación y restauración lleva tiempo.

Sus dibujos se venden a 750 euros, y sus lienzos de mayor tamaño alcanzan los 21.000 euros.

Pero, como ocurre a menudo, es casi un desconocido en España. «En Frieze han venido muchos comisarios españoles confesando que descubrían aquí su obra», explica Belén Valbuena, codirectora de la galería.

En Londres, sus complejas tramas visuales, un uso del color minucioso y sus enigmáticas narrativas encriptadas -sus dibujos llevan títulos como «Parada en Erhenrang», «Sócrates sobre Burbank» o «El arco inconcluso»- han cautivado al exigente público de esta feria.

Rubén Sánchez

LA FUNDACIÓN Y EL MUSEO REINA SOFIA VAN DE LA MANO

Se ha realizado una reunión plenaria, en la que han acudido los miembros del Patronato de la Fundación Museo Reina Sofía, en la que se ha aprobado la apertura de una oficina en Nueva York, que tiene como objetivo facilitar las donaciones para la Fundación por parte de mecenas y coleccionistas internacionales. También se ha aprobado la incorporación de dos nuevos patronos a la Fundación: el empresario y coleccionista español José Lladó Fernández-Urrutia (primer presidente del Museo Reina Sofía entre 1986 y 1994, y un matrimonio de coleccionistas argentinos que vienen a ocupar los sitios vacantes dejados por otros coleccionistas y financieros. 

  Además, se ha aprobado el Plan de actuación 2013-2014, que recoge como uno de sus principales objetivos reforzar las líneas de colaboración entre el Museo y la Fundación. Por ello, se ha firmado un convenio de cara a vincular ambas instituciones. De esta forma, la Fundación podrá servir como vehículo para la promoción, el conocimiento y el acceso del público al arte moderno y contemporáneo en sus diversas manifestaciones, así como ayudar a promover, enriquecer y difundir su colección en el ámbito internacional y especialmente en Iberoamérica.

El acuerdo servirá, asimismo, para consolidar los programas de colaboración en red ya impulsados por el Museo Reina Sofía con otros museos, centros de arte y centros culturales en el ámbito nacional e internacional.

Almudena Sánchez