domingo, 26 de mayo de 2013
lunes, 20 de mayo de 2013
Comentar una obra actual: JERUSALEM AZUL, AURORA VALERO
Jerusalem Azul es un óleo sobre lienzo
realizado por Aurora Valero. Fue concebida en el año 2000, después de haber
viajado a Israel junto con otros pintores de todo el mundo, cuyo objetivo era
pintar Israel. Sería una experiencia muy importante para ella, que intentó
reflejar de un modo abstracto en su obra.
Presenta
un formato apaisado, por lo que se trata de un paisaje. Este aspecto se
corrobora con el título de la obra, por lo que también podría considerarse una vedutta, representación pictórica de una
ciudad, aunque el concepto quede un poco desvirtuado por el grado de
abstracción.
Fruto
de esa abstracción observamos que la línea, concebida tradicionalmente como
elemento que retiene el color, ha desaparecido, dando paso a un virtuosismo
cromático mediante manchas de color con aspecto descuidado, pero con un
trasfondo expresivo y emotivo. Predomina una cromática fría, limitándose al
color azul y algunas manchas de negro y gris. Esta monotonía se rompe con el
color ocre u oro en el centro del lienzo que, además de contrastar, simula un
segundo plano al encontrarse debajo de la capa azul. El empleo de este color
puede deberse a la posesión de la ciudad por el bando israelí en la fecha en
que se concibió, cuya bandera juega con los mismos tonos cromáticos (excepto el
oro).
Al
igual que se anula la línea, también el volumen, la luz y la perspectiva,
propio de la abstracción, cuyo objetivo no es reflejar fielmente la realidad,
sino huir de una representación figurativa que evoque algún aspecto de la
misma. A la composición horizontal se contraponen las pinceladas verticales del
centro del lienzo, que rompen la horizontalidad tan definida de la obra, tanto
por el formato como por la mayor parte de las pinceladas.
Es una obra abstracta, con
ciertos rasgos expresionistas como es el trato del color (pincelada cargada) y
la gran vinculación de la autora con la música para realizar sus obras. El
movimiento abstracto surgió alrededor de 1910, formando parte de las
vanguardias artísticas. De las tres corrientes abstractas, muestra rasgos de la
abstracción lírica (supresión de la línea), o del Neoplasticismo Holandés
(colores básicos, predominio de la línea recta). Los rasgos expresionistas
recuerdan, en cierto modo a la pincelada de Van Gogh, Goya o Munch, uno de los
principales representantes del movimiento de vanguardia que surgió alrededor de 1900.
Aurora Valero nació en Alboraya
en 1940. En los primeros años muestra una obra muy cercana al expresionismo,
hasta que comenzó a experimentar con el modelado en la segunda etapa. A partir
de 1980, comienza a mostrar rasgos de la abstracción sin abandonar la
figuración, como muestra en la serie Versit
Barat, a la que pertenece la obra comentada.
En 1969 fue nombrada Catedrática
Numeraria en la universidad de Córdoba, Barcelona y la Politécnica de
Valencia, en la que desde 1988 es Doctora en Bellas Artes. Además,
recientemente ha sido nombrada Académica Numeraria de la Real Academia de
Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Ha realizado un total de doce series,
muchas de ellas expuestas por diversos países, como Italia, Francia, Nueva
York, Japón.
Esta obra se presenta como una
fotografía, pues las pinceladas no se ciñen a las dimensiones del lienzo, sino
que se cortan, como si fuera una panorámica que no ha entrado en el objetivo de
la cámara. En el período en que se realizó, el conflicto palestino-israelí
atravesaba por una nueva etapa de violencia tras el intento de estabilización
con el Camp David. Se iniciaba en septiembre (después de la temporada propia de
peregrinaciones en la que pudo acudir la autora) la Segunda Intifada.
Rosa Gasque Rubio
Comentar una obra actual: L’HORTA, AURORA VALERO
L’
Horta es el
óleo sobre lienzo realizado por Aurora Valero en 1980, como protesta contra las
políticas que destruían la huerta valenciana llevadas a cabo en esta época. De
temática costumbrista, muestra un formato apaisado, propio de las
representaciones de paisajes.
Presenta una concepción de la
línea racional, marcada con color blanco, que rige la organización de la obra.
Al igual que con las pinceladas, ofrece una contraposición compositiva entre
las líneas y pinceladas verticales del centro y las horizontales de los lados.
El
color se encuentra, de esta manera, supeditado al dibujo, ofreciendo al mismo
tiempo un nuevo contraste, entre los colores cálidos predominantes con los
fríos del centro, que representan las acequias. Transmiten una sensación de
calidez, de lo cotidiano, de un elemento “de estar por casa”, con el que la
autora está muy relacionada. En el trato del color podemos señalar también la
facetación de las parcelas que representan los campos, sin un sentido realista.
Fruto
de esa facetación, la luz no está definida y se ha eliminado el volumen, como
la perspectiva. Está concebido desde un punto de vista cenital, lo que puede
dar lugar a una confusión con una perspectiva aérea. La composición, centrífuga
por la dirección horizontal de las pinceladas, es en sí racional, fomentada esta
racionalización por las líneas marcadas y el predominio de formas geométricas.
Como
muestra de su carácter abstracto, no muestra ninguna referencia a la realidad,
aunque la crítica que realiza puede encontrarse con las líneas rectas. Estas
líneas no se observan en el entorno natural, sino que son fruto de la
intervención humana, criticando así las políticas antinaturales que se
pretendían llevar a cabo.
Además
de ser una composición abstracta, muestra rasgos también propios del cubismo,
especialmente en la anulación del volumen, de la luz y del realismo con la
facetación cromática. La abstracción surgió en torno a1910 como un movimiento
de vanguardia más. De las tres corrientes abstractas, muestra rasgos del neoplasticismo
holandés con el predominio de la línea recta y de los colores básicos (amarillo
y azul), aunque en esta obra aparecen graduados, complementados por colores
neutros, como el negro, el blanco o el gris.
Nacida en 1940 en Alboraya,
Aurora Valero ha experimentado una evolución en sus obras. Su primera etapa
está marcada por el estilo expresionista, hasta que comenzó a experimentar con
el modelado. Las primeras obras abstractas las realizó a partir de 1980, como
esta serie de L’ Horta, a la que
pertenece la obra comentada. Después de ser nombrada Catedrática Numeraria en
la universidad de Córdoba, Barcelona y la Politécnica de
Valencia en 1969, es desde 1988 Doctora en Bellas Artes. Además, recientemente
ha sido nombrada Académica Numeraria de la Real Academia de
Bellas Artes de San Carlos de Valencia. Ha realizado un total de doce series,
muchas de ellas expuestas por diversos países, como Italia, Francia, Nueva
York, Japón.
En los inicios de la década de
1980, España iniciaba el proceso democratizador, mostrando un fuerte desarrollo
económico, gracias en parte a la expansión turística y al crecimiento
demográfico. Estos dos factores supusieron una fuerte agresión al ámbito
agrario, especialmente en la costa mediterránea. El planteamiento simbólico de
la obra era denunciar esta agresión, que desde el punto de vista de la autora
destruía la cultura tradicional de muchos pueblos valencianos.
Con todo ello, podemos observar
grandes semejanzas compositivas con la obra Composición
en rojo, azul y amarillo de Mondrian, uno de los principales representantes
del Neoplasticismo holandés. La facetación cromática nos remite a la obra de
grandes pintores cubistas, como Picasso y, por el trato del color, podemos
establecer cierta semejanza con los impresionistas, como con el pintor
valenciano Sorolla que, siguiendo la nueva teoría del color, realizó juegos
cromáticos con colores contrapuestos (facetación azul en el color amarillo).
Rosa Gasque Rubio
martes, 14 de mayo de 2013
Choque franco-alemán en el Louvre
La exposición llamada De L’Allemagne 1800-1939, inaugurada hace poco más de un mes en el
museo del Louvre, ha provocado una gran polémica al ser considerada por los
alemanes como una interpretación falsa del arte, siendo relacionados cuadros de
temáticas paisajísticas con el germen hitleriano y la catástrofe de la Segunda
Guerra Mundial. Esta exposición fue creada con la intención de estrechar los
lazos entre Francia y Alemania (contó con el patrocinio de François Hollande y
Angela Merkel), como celebración del 50 aniversario del Tratado del Elíseo, el
cual permitió sellar la paz entre ambas potencias tras casi un siglo de
enfrentamientos.
La prensa alemana ve el acontecimiento como un
“escándalo político-cultural”, puesto que se muestran interpretaciones como que
el neoclásico alemán anticiparía la escultura de Arno Breker y la arquitectura
de Albert Speer, considerando este arte programado para la catástrofe y la
guerra. Otras visiones de la prensa son, por ejemplo, que este punto de vista
elegido por los franceses se debería a un posible sentimiento de inferioridad
provocado por el mal estado de su economía respecto a la alemana, o que la
exposición termine justo en el año 1939 no es una mera casualidad. El Centro
Alemán de Historia del Arte , el cual participó en la gestación de la muestra,
denunció que el Louvre había ignorado sus consejos sobre la línera directriz de
la exposición y la redacción de los textos que acompañan a las obras, juzgados
tendenciosos.
Estas acusaciones parecen ser originadas por la
estructura elíptica de la muestra, y la poca presencia de los expresionistas, o
la ausencia de la Bauhaus. El director
del Louvre, Henri Loyrette, ya ha comunicado que en ningún momento el museo ha
intentado dar una visión siniestra de Alemania. Hollande y Merkel todavía no se
han pronunciado.
Reyes Quiñones
sábado, 11 de mayo de 2013
Nouvel sella su idilio con Barcelona mediante un jardín vertical
Tiene 357 habitaciones de cuatro estrellas. Se han necesitado siete años para construirlo. Es símbolo del desarrollo urbanístico de la era del ladrillo.
Este arquitecto francés ha realizado numerosos proyectos: la torre Agbar, el Parque Central de Poblenou, rehabilitó la fábrica Motriz y ahora tiene un proyecto de una macrodiscoteca.
Berta Perales
viernes, 10 de mayo de 2013
EN EL CIELO, EN TERUEL
El próximo día 15 de Mayo a las ocho
de la tarde se inaugurara en la escuela de arte la exposición “En el cielo”.
Se trata de una exposición colectiva
en la que participan los profesores de la escuela de arte junto con artistas
invitados por ellos, haciendo un total 27 personas.
El tema en torno al que trabajaran
es una visión personal sobre el cielo, en la cual, cada uno dará una visión
personal utilizando pintura, escultura, grabados, instalaciones…
Esta exposición permanecerá hasta el
25 de Mayo y estará abierta de las 19 a las 21 horas.
¡Estais todos invitados!
Julia Fernández
sábado, 4 de mayo de 2013
Un lienzo pintado con orina de Warhol, vendido por 93.000 dólares
La obra fue subastada por 75.000 dólares a un coleccionista que pagó más de 93.000. Esta obra es de 1978 en la cual Warhol asegura que también hay muestras de orina del artista mexicano Víctor Hugo.
Esta subasta fue pensada por la Fundación Andy Warhol para recaudar fondos subastando las más de 20.000 obras del artista. Otras de las piezas que se subastan, pero que no consiguen llamar la atención son fotografías realizadas por Warhol a personajes famosos como Michael Jackson, Jerry Hall o Mick Jagger en noches de fiesta en el llamativo Studio 54.
También se han pujado por piezas muy valoradas como fue el retrato que el artista realizó a la actriz Farrah Fawcett y que alcanzó los 30.000 dólares, así como un autorretrato tomado por Warhol y que un coleccionista se llevó por 20.000 dólares. Aunque sin duda, el tema favorito de Warhol en el campo de la fotografía eran los travestís, y una de sus mejores fotos llamada “Drag Queen” fue vendida a un internauta por 18.000 dólares.
Finalmente, Warhol creía que la mejor publicidad, es la mala publicidad, como dice esta cita suya: "Todos los escándalos ayudan a su negocio porque no hay mejor publicidad que la mala publicidad. Si no me crees, ven y echa un vistazo a mis álbumes de fotos".
viernes, 3 de mayo de 2013
LECCIÓN DE HISTORIA DEL ARTE SEGÚN ROMERO DE TORRES
En una exposición de Julio Romero de Torres se muestra esta curiosa una obra suya: Amor profano y amor sagrado.Hace referencia a la obra con el mismo título de Tiziano y, por la composición de los personajes, al Matrimonio Arnolfini
de Van Eyck. La contraposición de los paisajes (idílico en el de
Tiziano y acogedor en Van Eyck) con el cementerio, la ruptura de la
unión con las manos separadas y la sustitución del perro (fidelidad) por
la nada, o la presencia del niño en la obra de Tiziano frente el ataúd
de la de Torres (vida/muerte), o la mirada perdida del amor sagrado
(abstracción) con la mirada hacia el espectador y un aspecto de "ponerse
en marcha" del amor profano, el predominio de colores oscuros y fríos
del amor sagrado frente al amor profano (que marcan más la ruptura)...
Rosa Gasque
Suscribirse a:
Entradas (Atom)