EL OJO SANGRANTE DE WEYDEN

En el descendimiento de Van Der Weyden del Prado, la herida abierta en la mano de Cristo se convierte en un ojo que ve desde el dolor.
Este año no hay asignatura de Historia del Arte, aquella con quien muchos aprendimos a ver.

ARTres porque el arte también es una cuestión de mujeres

ARTres-”El museo como debe ser”. Se trata de una exposición que pretende ser una llamada de atención sobre la cuestión del género en el arte, su intención es realizar de manera forzada una exposición en la que la mujer sea la protagonista, no
como objeto del arte, sino como artista siendo así un reflejo contrario a las exposiciones realizadas comúnmente en los museos en la que las exposiciones cuentan con obras de más hombres que de mujeres, esta exposición pretende lo contrario, mostrar obras de 30 mujeres y 4 hombres reivindicando así que tanto hombre como mujeres siguen los mismos caminos para expresar sus emociones con el arte.
Así pues la exposición se articula en torno a dos ideas clave:
-El arte, de una época o de otra, de un género o de otro, se interesa por las mismas cuestiones.
- Las mujeres, como colectivo, están conquistando espacios sociales que le habían sido negados, y el arte no es una excepción. El montaje de las obras que integran ARTes se organiza en tres líneas de discurso: la introspección (la persona y sus interioridades), la inspección (el mundo, el paisaje, las políticas, el conflicto) y el arte mismo (la creatividad, la estética).
Andrea Roche

El amigo que retrató a Picasso en la bañera

El museo dedicado al pintor en Buitrago de Lozoya expone entre el 10 de mayo y el 22 de julio 60 fotografías del reportero David Douglas Duncan.
La primera vez que la mirada de Pablo Picasso se cruzó con la del fotógrafo y reportero estadounidense David Douglas Duncan, era el año 1956. Le abrió la puerta Jacqueline, segunda esposa de Picasso, quien le condujo de la mano hasta el segundo piso, donde el pintor tomaba plácidamente un baño. “Le dije que si le podía hacer una fotografía y me dijo
que sí. Esa fue la primera vez”. Y así nació una amistad de 20 años recopilando 25.000 fotografías, muchas obtenidas en la
intimidad, que han aportado una perspectiva singular sobre la vida, la personalidad y el
proceso creativo de uno de los genios de la pintura universal. Cuando en 2011 le preguntaron a Duncan el porqué de aquella familiaridad con Picasso, el fotógrafo dijo: “Nos caímos bien. Así de sencillo”. No hizo falta nada más, incluso ante la evidente dificultad de comunicación oral entre dos personas que desconocían la lengua del otro.
163 de aquellas imágenes fueron donadas por el propio David Douglas Duncan al Museo Picasso de Barcelona hace cinco años. A partir del próximo 10 de mayo, y hasta el 22 de julio, 60 piezas de ese lote se expondrán temporalmente en la sede de la Colección Eugenio Arias en Buitrago de Lozoya bajo el título Picasso por Duncan. La mirada cómplice.
Paloma Montón

BRANCUSI Y LA IMAGEN

De origen rumano, parisino de adopción y nacionalizado francés al final de su vida, Constantin

Brancusi (1876, Hobita – 1957, París) destaca como uno de los artistas más singulares de su

generación. El Centre Pompidou Málaga le dedica ahora una exposición del 20 de marzo al 24

de junio de 2018 que muestra la diversidad de su obra a través de la selección de un centenar

de fotografías, negativos y grabaciones, así como algunas esculturas y dibujos.

A pesar de trabajar solo, sin asistente, Brancusi no se encuentra aislado de los creadores de su

época: cuando se muda a París en 1907 se hace íntimo amigo de personalidades de la talla de

Erik Satie, Marcel Duchamp, Tristan Tzara o del fotógrafo Edward Steichen, además de

frecuentar de manera regular a las bailarinas Lizica Codrano o Florence Meyer.

Sensible a las artes no occidentales, así como a las tradicionales rumanas, el artista ha ido

combinando sin cesar algunas de estas referencias con la expresión más moderna de la

escultura. La obra completa de Brancusi, repleta de estas confluencias, sorprende por su

aparente simplicidad, y es ahí donde reside el misterio, el genio y la modernidad de este artista

artesano.

Ya en 1914 dice no estar satisfecho con las reproducciones fotográficas de sus obras, por lo

que decide ser él mismo quien tome sus propias imágenes. En los años 20, Man Ray le ayuda a

instalar una cámara fotográfica en su taller y a perfeccionar sus métodos de revelado,

iniciándolo también en la técnica de la filmación. Cámara en mano, Brancusi juega con las luces

y sombras que emergen al impactar la luz en las superficies de sus obras. Moviéndose alrededor de las esculturas, graba todos sus ángulos, para inmortalizar los “grupos móviles”, esas efímeras configuraciones de esculturas y pedestales en el taller. De cada negativo realiza al menos dos revelados –a veces hasta una veintena– con diferentes tamaños o encuadres. Muchas de sus fotografías en realidad son fotogramas que obtiene a partir de la película expuesta. En Brancusi, la imagen fotográfica o fílmica refuerza el profundo anclaje de la escultura en esta realidad y en esta materialidad que el autor defenderá siempre.

La presentación de las obras de esta exposición, todas ellas pertenecientes a la colección del Pompidou, se ha dividido en cinco partes: la figura de Brancusi, su taller, el diálogo entre la forma en bruto y la forma lisa, lo orgánico y finalmente un homenaje a La columna sin fin.

Cristian Casian

MIRAR COMO BRANCUSI

A POLLOCK

El artista "outsider" que dejó un tesoro artístico de un millón de dólares entre las paredes de su casa

James Castle, vivió al margen del mundo del arte. Su obra, fruto de una frenética actividad artística desarrollada a lo largo de casi setenta años, formuló un imaginario propio inspirado en la cultura popular que le rodeaba.
El ayuntamiento de Bios (Estados Unidos), adquirió la casa donde residía Castle para homenajearlo. El proyecto consistía en convertirla en una galería, donde se expusiera su obra y sirviera de residencia para artistas. Sin embargo, los planes han dado un giro al descubrir un tesoro oculto entre sus paredes.
Este artista, usaba los materiales que encontraba a su alrededor en sus obras de arte, por lo que el equipo de restauración ha comenzado a buscar entre las paredes papeles o estucos que les pudieran ayudar a poner fecha a las piezas del artista. Finalmente, han encontrado once piezas que serán expuestas a finales de mes.
Paula Díaz

LA REVOLUCIÓN SURREALISTA, en Madrid

A principios del siglo XX varios movimientos de vanguardia como son el dadaísmo y el
surrealismo, dieron paso a una experimentación en el arte que supuso una revolución, no
solo en lo político, sino también en el arte. El Palacio de Gaviria acogerá la influencia que
tuvieron en el pensamiento occidental con la exposición “Duchamp, Magritte, Dalí.
Revolucionarios del siglo XX. Obras maestras del Museo de Israel, Jerusalén”.

El Palacio acoge los cinco espacios que forman la exposición, y a cada uno se le ha
atribuido un color: Yuxtaposiciones maravillosas, Deseo: musa y abuso, El automatismo y su
evolución, Biformismo y Metamorfosis, e Ilusión y paisaje onírico. El director del Museo de
Jerusalén, señala que la exposición no se ha colocado cronológicamente, o por el autor,
sino que se ha indagado en las alucinaciones como necesidad humada y espejos de la
realidad.
De este Museo provienen las 180 obras que ahora pueden contemplarse en Madrid. La
institución debe su rico patrimonio primero y principalmente al académico, poeta y
marchante de arte milanés Arturo Schwarz, quien le donó en 1965 más de 800 obras.
Entre las obras presentes, obras maestras como El castillo de los Pirineos (1959) de
Magritte, Ensayo surrealista (1934) de Dalí y Main Ray (1935) de Man Ray.
André Breton hacía referencia al dadaísmo y surrealismo como “dos olas que se cubren la
una a la otra”, de ahí que se incluyan ambos movimientos en la curiosa arquitectura del
Palacio de Gaviria. El montaje es obra del arquitecto Óscar Tusquets Blanca, que con
motivo de la muestra ha reconstruido la famosísima Sala Mae West de Dalí y la
instalación 1200 sacos de carbón ideada por Duchamp para la Exposition Internationale
du Surréalisme de 1938. Su comisaria, Adina Kamien-Kazhdan, enfatiza que “en esta
corriente lo importante es el proceso conceptual, la idea, la búsqueda de métodos para
escapar de la acción consciente y que promueven la estimulación creadora”.
Desde la sensualidad de las obras de Man Ray en los años 20 y 30, obras de Marcel Jean,
Marcel Duchamp, Bellmer, fotomontajes de Paul Éluard, los preparativos de obras de Dalí
o piezas de Ducasse. “El dadaísmo y el surrealismo aportaron innovaciones como los
juegos de género, la concepción ajedrecística de Duchamp, la impronta del azar, la
naturaleza onírica de Tanguy o la metafísica de Chirico. Como digo a mis alumnos, la
colectividad como concepción artística da mayores resultados creativos”, recuerda
Kamien-Kazhdan.
Como línea transversal se halla la introspección y la terapia, las grietas por las que se cuela
la visión del surrealismo. En El Castillo de los Pirineos de Magritte se puede percibir otra de
las características del movimiento, el avance impetuoso contra la ley de la lógica. La
provocación sigue presente a través de estas obras.
Del 10 de abril al 15 de julio
http://www.hoyesarte.com/evento/2018/04/la-revolucion- surrealista/
Cristian Popa

De exponer en Instagram a pintar para Madonna

El retuit del periodista Andreu Buenafuente a la fotografía de uno de sus cuadros, le llevó a recibir encargos del campeón del mundo de motociclismo Jorge Lorenzo. Y a partir de ahí, se produjo un efecto dominó en redes sociales, como Instagram.

René Álvarez Mäkelä tras estudiar publicidad, comenzó una carrera profesional como guionista en programas y documentales hasta que un parón laboral en el mundo televisivo le llevó a retomar lo que entonces era un hobbie: pintar obras enmarcadas en el “pop street art”.

Su primer acercamiento con el mundo de la fama ocurrió cuando la modelo Cara Delevigne publicó en Instagram la fotografía de uno de sus trabajos. Con tanta viralidad, su obra llegó a ojos de Madonna, que pidió a su fundación Raising Malawi que se pusiera en contacto con el artista para encargarle dos enormes murales para las paredes del hospital que estaba terminando de construir en el país."

Zahra Cabañas

Ana Domingo Castaño expone sus dibujos en la Escuela de Arte de Motril

Es la primera vez que esta joven artista expone sus trabajos, ha denominado a la muestra con el nombre de “insider” y su intención es marcar su evolución desde sus comienzos hasta la actualidad.
La exposición está disponible desde el 4 de abril hasta principios de mayo, se expone en la Escuela de Arte de Motril lugar en el que Ana realizó sus estudios hace tres años, ya que actualmente está cursando el tercer año de Bellas Artes en Granada. Se trata de una pequeña muestra que alberga una
veintena de sus trabajos de distintos tamaños y técnicas.
Según la artista sus dibujos salen “a partir de impulsos de la mente y del cuerpo”, asegura que no es arte abstracto sin forma; sino que en este caso “se trata de construir desde lo que vemos y formar diferentes formas orgánicas e inorgánicas”, a pesar de ello afirma que en sus obras cada persona observa cosas diferentes.
Andrea Roche

ARTE MULTIMEDIA PARA EXPRESAR LO INENARRABLE

Es difícil compartir las sensaciones que motivan la creación de conceptos. Está es la intención de la exposición “Esthétopies”.
Instalación de Pierre Berger.

 La motivación de muchos matemáticos no está en el proceso, sino en la sensación producida durante el proceso de investigación, y por desgracia es complicado compartir este tipo de sensaciones. Esto ha sido el trabajo de la exposición de Esthéopies, y a través de esta muestra audiovisual, diseñada entre matemáticos, informáticos y artistas, compartimos con el público el sabor de las emociones experimentadas al enfrentarse a un problema matemático. En este proceso se suceden, primero, la intuición, luego el hallazgo, y finalmente la formalización matemática, que permite expresar la idea claramente, como una verdad matemática (un teorema con su demostración, o nuevos conceptos).

Lo que encontramos en esta exposición son muestras geométricas llamados 3-variedades, estas son una generalización a tres dimensiones de las superficies.

Estos procesos permiten que los visitantes experimenten nuevas experiencias sensibles sobre espacios matemáticos contemporáneos, que les llevan a la parte inenarrable del proceso de investigación; la formalización matemática de sus sentimientos daría lugar a un teorema.

Helga Weissová: la niña que pintó el Holocausto

Una exposición en Madrid muestra las pinturas y dibujos que ayudaron a sobrevivir a la artista judía en los campos de concentración. Esta mujer de 88 años fue una de las 100 supervivientes del campo de concentración en Terezin, en el cual los nazis montaban obras de teatro, conciertos y juegos antes de prescindir de ellos. Allí, Helga comenzó a dibujar y de cierto modo a documentar las atrocidades vividas en la época del holocausto, un hábito que consideraba una evasión de la cruda realidad que tuvo que vivir en aquellos años, hasta que finalmente decidió publicar varias de sus obras. Estas obras tienen un gran valor histórico como documentación sobre el holocausto nazi desde el punto de vista de una superviviente, además de un gran valor artístico.

He elegido esta noticia porque no todos los días aparecen este tipo de obras que relatan a través de imágenes hechos tan terribles desde dentro. 

20 de marzo de 2018, El País

Javier Menasalvas

VALENCIA RECUPERA EL ARTE

Durante años la oferta cultural valenciana ha sido una pequeña silueta difícil de advertir entre la luz resplandeciente del turismo de playa. Ahora parece regresar el equilibrio. La región vuelve a presumir de una constelación artística en auge. La Comunidad Valenciana es la que más aumenta su valoración en él , elaborado por casi cuatrocientos expertos e impulsado por la Fundación Contemporánea.
El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) es un buen ejemplo de este resurgimiento que Francesc Colomer, secretario autonómico de Turismo, define como "un renacimiento del ecosistema cultural". El centro cerró 2017 con más de 135.000 visitantes, un 80% más que solo tres años antes. Y en 2018 ha puesto en marcha la exposición más amplia de sus casi 30 años de historia, Joan Miró, orden y desorden, que podrá visitarse hasta mediados de junio. "Tratamos de contar que la obra de Miró sigue viva, que todavía interroga al espectador en nuestros tiempos. Es uno de los referentes de las primeras vanguardias, además con un mediterranismo bestial, y se resiste a ser colocado en un mausoleo", explica Joan María Minguet, comisario de la muestra y uno de los mayores especialistas en la obra del artista catalán.
“Es una exposición que intenta ir más allá del catálogo habitual y sobradamente analizado de Miró. Tratamos de mostrar a un artista radical, con piezas que provienen de grandes centros pero también de colecciones privadas, algunas nunca vistas.”
Regina Gómez

EL PASEO COTIDIANO POR EL ARTE

La Policía italiana recupera en Roma una importante obra del siglo XVIII robada en 1994

Los carabineros italianos han recuperado en la filial romana de una casa de subastas londinense una importante obra del género de las vedute del S.XVIII atribuida a Giovanni Paolo Pannini y a Andrea Locatelli que fue robada en 1994.
La obra fue encontrada cuando estaba a punto de ser puesta en venta a 50.000 euros.
El banco de datos de bienes culturales robados confirmó la identificación y va a ser restituida a las  salas del Museo Nacional de Arte Antiguo de Roma, donde fue donada en 1892 por la familia Torlonia.
Paula Díaz

Los cuadros del Thyssen ganan luz

La iluminación tiene un papel fundamental, tanto en la conservación de las piezas como en el disfrute de las mismas, por eso el museo Thyssen ha iniciado un proyecto de cambio de la iluminación de las aproximadamente 80 salas de su colección permanente y de las de exposiciones temporales, un proceso que terminará antes del comienzo del verano. El museo cuenta con la colaboración de la Fundación Bancaria La Caixa y de Sylvania para mejorar la conservación de las obras expuestas y favorecer su apreciación en unas condiciones más próximas a la luz del sol. Se realzarán los colores y matices pudiendo apreciar mejor pequeños detalles y se reducirán los deslumbramientos provocados por reflejos. Esto también afectará al consumo.

El País, 13-03-18

Zahra Cabañas

DE TACONES Y OTROS ASUNTOS

8M

¿OYES LO QUE VEO?

La sinestesia en la pintura:
http://www.jotdown.es/2018/03/cual-es-la-mejor-cancion-inspirada-en-un-clasico-de-la-pintura/

No es una caja de cerillas, es una cabaña de diseño japonés

Una compañía japonesa llamada Muji lleva realizando desde 1980 objetos para la vida cotidiana de una manera muy curiosa. Satoru Matsuzaki, el presidente de la empresa dijo “En Japón lo barato estaba muy mal visto, pero nosotros hicimos un producto de calidad a un precio razonable. Eliminamos el logo y todo lo superfluo, menos lo fundamental”. Su objetivo es simplemente el de prepararnos para la vida diaria de la manera más simple posible, sin generar ningún tipo de competencia. Esta empresa ya posee un hotel totalmente amueblado en un aeropuerto de Narita y ha creado el MujiHat, un curioso diseño de cabaña prefabricada. Esta cabaña de 9 metros cuadrados tiene una capacidad de 4 personas posee un ventanal que actúa como pared corredera al mismo tiempo y cuenta con una cama, una lámpara y poco más de lo necesario para vivir plácidamente. He elegido esta noticia porque nunca antes había visto ningún tipo de arte parecido a este y me ha gustado la idea de tener una casa tan simple, pero a la vez tan cómoda. Javier Menasalvas Punter 26 de febrero de 2018 El País

El dibujo de Klimt que llevaba medio siglo escondido en un armario

Un armario y un testamento son dos elementos que constituyen la historia de un dibujo de Klimt que acaba de salir a la luz tras desaparecer hace más de un siglo del Museo de la ciudad austriaca de Linz. 

La obra se llama Dos tumbados y se ha localizado tras la muerte de una antigua secretaria del museo que tuvo escondida la obra en su armario porque su jefe se la regaló a cambio de su silencio por la no documentación correcta de los préstamos al museo (todo declarado en su testamento). 

Junto con esta obra también desaparecieron tres cuadros de Schiele que siguen desaparecidos y de los que hay una recompensa de 5000 euros desde 2012 para conseguir pistas de su paradero. 

La obra de Klimt será expuesta dentro de una muestra hasta su devolución a los correspondientes propietarios. 

http://www.abc.es/cultura/arte/abci-dibujo-klimt-llevaba-medio-siglo-escondido-armario-201802140128_noticia.html

Paula Díaz

Pessoa: Arte, vanguardia y literatura

El Museo Reina Sofía de Madrid acogerá hasta el 07 de mayo de 2018 una gran exposición en la que se podrá ver la no muy conocida escena vanguardista portuguesa desarrollada en la primera mitad del siglo XX, y en la que Pessoa, un relevante poeta, intervino activamente a través de sus obras y sus ideas.
Esta exposición reúne más de 160 obras de arte, entre pintura, dibujos y fotografía de más de veinte artistas, entre ellos José de Almada Negreiros, Amadeo de Souza Cardoso, Eduardo Viana, Sarah Affonso, Julio, y Sonia y Robert Delaunay, así como abundante documentación original (manifiestos, libros…) procedentes de diversas colecciones privadas e instituciones como La Fundación Calouste Gulbenkian, la Biblioteca Nacional de Portugal o el Centre Georges Pompidou.
Como explican los representantes de la exposición, la muestra narra cómo Pessoa, autor que cumple este año el 130 aniversario de su nacimiento, y los artistas del momento, no siguieron las innovaciones surgidas en centros como París, pero si tomaron influencia.
Movimientos clave en Europa como el futurismo, el cubismo o el orfismo, que fueron analizados por los artistas portugueses, pero sin llegar a unirse a ninguna de aquellas corrientes.
De esta manera, un gran número de obras reflejan ese gusto por lo popular y por la idiosincrasia portuguesa, que se puede ver en los artistas lusos que viajaron a París, y que a su vuelta introdujeron parte de ese arte que habían adquirido.
En resumen, esta exposición recorre las corrientes desarrolladas en Portugal en aquel momento (Paulismo, Interseccionismo, Teatro, Sensacionismo, y Modernidad). Con esto, podemos ver una de las etapas más relevantes de la historia del arte reciente de Portugal y sus interacciones con el panorama internacional.

 Fuente:  http://www.hoyesarte.com/evento/2018/02/pessoa-arte-vanguardia-y-literatura/

Cristian Popa

LA MAFIA TROCEÓ Y VENDIÓ EN EL EXTRANJERO UNA OBRA MAESTRA DE CARAVAGGIO

En el año 1969 una mafia siciliana entro en el Oratorio de Palermo (Sicilia) y robó la Natividad con San Francisco y San Lorenzo de Caravaggio, obra valorada en 20 millones de dólares. Habían arrancado la tela con una cuchilla de afeitar dejando solo el marco. Tras el trabajo de la policía en vano, ha aparecido un miembro encarcelado de la mafia contando todos los detalles del robo. Al parecer, el capitán de la mafia era Gaetano Badalamenti (condenado a 45 años de cárcel y fallecido allí) fue el encargado de sacar el cuadro de Italia y llevarlo probablemente a Suiza.

El mafioso contó que había troceado la obra de 2,68 x 1,97 en seis u ocho partes para poder darle salida en el mercado clandestino. También ha reconocido en una foto al intermediario de la venta del cuadro que ahora se encuentra fallecido pero podría ser una pista para encontrar el paradero del cuadro Barroco. Aunque desde entonces el museo contiene una copia digital del cuadro que nos permite sentir casi la misma emoción de la obra original.

Paloma Montón

El misterio de la cripta de Gaza

Tras un temporal de lluvias en Oriente Próximo, Abdelkarim al Kafarna, tras ver que después de las precipitaciones el agua no encharcaba el suelo salió a investigar y se encontró con que la tierra se tragaba el agua, después de quitar una enorme piedra se encontró con nueve tumbas perforadas en el subsuelo, cada una con restos óseos de diferentes personas. Tras avisar de este acontecimiento, el arqueólogo de Gaza Ayman Hassun descifró el enigma: “El método de excavación de estas tumbas familiares apunta a su origen romano, hace unos 2.000 años.”

Este viene a ser el relato del misterio de la cripta de Gaza que transmitieron dos fotógrafos locales de France Presse y Associated Press a sus redacciones centrales en Jerusalén.

Gaza fue incorporada a la República romana en año 63 AC. Permaneció bajo el Imperio y siguió en manos de Bizancio hasta el VII, cuando pasó a manos del primer califato de islam. Distintas civilizaciones han dejado su huella a lo largo de los 4.000 años de historia documentada de la Franja mediterránea.

El País, 5-2-18

Zahra Cabañas

EL ARTE DE LOS OCHENTA EN VALLADOLID

Los ochenta fueron años de desarrollo cultural en los cuales el arte se desvinculó de la religión y los autores tomaron una gran relevancia gracias a la libertad creativa, aparecieron nuevos materiales y nuevos circuitos de difusión y mercados artísticos.  Ahora muchas obras de esta etapa se exponen en el museo de la Pasión deValladolid en la exposición “Libertad creativa. Los años 80 en las colecciones ICO”en ella se muestran 37 obras de todos esos autores que interpretaron el arte desde una temática mas personal. Esta exposición se podrá ver hasta el 4 de marzo.

En la colección podemos apreciar amplia diversidad de estilos derivada de la variedad de autores aunque es cierto que todas las obras transmiten una ruptura, individualismo, experimentación y tienen un claro reflejo de una etapa de libertad.

Podemos ver desde acontecimientos históricos como la caída del muro de Berlín hasta temas mitológicos o estudios de color.

Esta nueva generación decidió enfrentarse a los lienzos en blanco con una mente abierta a cualquier idea espontánea que les viniese a la cabeza ya fuese un tema de la biblia o un tema de la cultura del Pop. Ángeles Sancho representante del departamento afirma que esta exposición irradia vitalidad y optimismo.

5/2/2018

Andrea Roche

EL AYUNTAMIENTO DE TOKIO Y EL MAUSOLEO DE HALICARNASO

LA CÁMARA OSCURA, LA ALIADA DE LOS PINTORES

En la serie La Peste, Teresa de Pinelo es una pintora (trasunto de Artemisia Gentileschi) que elige entre la gente del pueblo a una ramera para que pose para ella. En una visión completa de su estudio apreciamos la cámara oscura que tantos pintores usaban para acentuar el realismo de lo representado. 

DESCUBREN UN DIBUJO DE VINCENT VAN GOGH

Expertos holandeses han confirmado el descubrimiento de una nueva obra de Vincent van Gogh titulada ‘’La colina de Montmartre con una cantera’’ después de una larga investigación que comenzó en 2013 por parte del Museo Van Gogh. La obra ha sido expuesta en el Museo Singer, en Holanda, y estará abierta al público hasta el seis de mayo junto con otras obras pertenecientes a Monet, Picasso y Renoir.Cabe mencionar que se ha descubierto otra obra titulada ‘’ La colina de Montmartre’’, la cual podría también pertenecer a Van Gogh, pues con la obra anterior comparte similitudes: están hechas con la misma mano, su estilo está ligado al modelo que el artista hizo en Amberes y luego en París, además, parecen estar realizados a cincuenta metros de distancia, los materiales son idénticos y los temas se pueden relacionar con las pinturas que Vincent hizo en Montmartre en primavera y al comienzo de verano.

http://www.abc.es/cultura/arte/abci-descubren-dibujo-vincent-gogh-201801161951_noticia.html

Paula Díaz

La Feria de Arte de Londres, entre el Brexit y el mercado

La Feria de arte de Londres abre las puertas hasta el 21 de enero en el Business Design Centre de  Islingto, en su trigésima edición con una novedad, una exhibición en la que abre la puerta a nuevos talentos en el mundo del arte y se reencuentre con los grandes maestros del siglo XX. Consta de 131

galerías que proceden de 18 países. La Feria, en su primera edición en 1989 invitó a 36 galerías, se ha convertido en un espacio que donde se refleja las tendencias emergentes en el sector. Espera recibir a más de 25.000 visitantes.

En esta exposición se ha contado con artistas españoles desde contemporaneos (Dalí, Miró y

Picasso) hasta artistas emergentes como (Hugo Alonso, Andrea Torres o Patrik Grijalvo) que provienen de las dos galerías españolas que exponen en este treinta aniversario, ambas de Barcelona las cuales defienden la importancia de mezclar artistas consolidados con aquellos que se están dando a conocer actualmente además según Víctor Lope, “el mercado de Londres es clave, lo que hace muy importante que estemos aquí”. Ambas galerías Españolas que participan transmiten la idea de no dejar que el valor de los artistas se infravalora ya que hay una generación con mucha calidad.(Publicado el 16 de Enero de 2018 - 23: 01)

Andrea Roche

VERMEER, KOONS, MONDRIAN, VAN GOGH, SEURAT Y HOPPER VAN DE VIAJE

MEMES DE PUNTO DE FUGA

MEMES EN PRÁCTICAS

MEMES DE CRISTIAN

MEMES DE REGINA

 

Al infierno con Rodin

“El infierno según Rodin” es el nombre de la exposición que la Fundación MAPFRE ofrece en
Barcelona hasta el 28 de enero. Esta muestra recorre la historia de la obra “La puerta del
Infierno” que tanta relevancia tendrá en el mundo del arte en el siglo XX y que nunca se llegó a
terminar.
Con el motivo del centenario de la muerte del francés, la exposición, que cuenta con la
colaboración del Museo Rodin, expondrá más de 150 obras, algunas de ellas muy poco vistas
por el público, y otras restauradas de manera exclusiva para este evento. El visitante podrá
hacerse una idea de la visión que Rodin pretendía transmitir del Infierno.
Esta obra, La puerta del Infierno, es la pieza clave de toda la carrera del artista. En 1880, el
Estado francés estaba en la búsqueda de un artista que diseñara una puerta monumental para un
futuro museo de artes decorativas, y se le encargó a Rodín. Durante unos diez años dedicará su
tiempo a esta obra, inspirándose primero en la Divina comedia de Dante, y después, en Las
flores del mal de Charles Baudelaire, para expresar, a través de personajes que se encuentran en
los bajorrelieves o en las pilastras, las pasiones humanas.
Los numerosos grupos de figuras de condenados que Rodín modela constituyen un verdadero
repertorio de formas, que el artista reutilizará hasta el final de su carrera, intentando siempre una
renovación. Muchas de sus obras más conocidas surgen de aquí, como El pensador, El beso,
Ugolino, Danide y Las tres sombras. En esta obra se condensan sus indagaciones estilísticas, y
es el punto de partida de muchas variantes, realizadas con sus técnicas preferidas: fragmentación, reunión…
Fascinado por un cuerpo dolorido, violento e incluso erótico, Rodín dibuja, modela y retoca sin
cesar sus obras anteriores para captar y expresar todos los arrebatos del alma. Sus dibujos, así
como sus anotaciones mostrarán esta indagación de la composición y el movimiento.
Información sacada de: http://www.hoyesarte.com/evento/2017/10/al-infierno- con-rodin/
Cristian Popa

“Pagar 382 millones por un cuadro me parece una inmoralidad"

Patricia Phelps de Cisneros explica las razones de su donación y critica el precio de 'Salvator mundi', de Leonardo da Vinci, la obra más cara de la historia.

 Patricia Phelps de Cisneros es una coleccionista poseedora de una cantidad de obras importantes que odia los números. Consecuente con esa forma de ser, elude hacer una valoración económica de las 202 obras que integran la donación que hoy se ha dado a conocer. Responde que lo fundamental es la obra del artista: catalogarla, conservara y exhibirla. Lo demás, forma parte de otros mundos que no le interesan.

Empezó a comprar recién casada en los años sesenta cuando acompañaba a su marido en viajes de negocios y descubrió la ignorancia del arte y de ricas obras que nadie conocía.

Para Phelps, lo ideal es conocer al artista en su lugar de trabajo, conocer a fondo la obra y comprar. Así lo ha hecho con la mayor parte de las piezas que vienen al Museo Reina Sofía. También negocia con galeristas e incluso participa en subastas, pero esta vez se ha negado a participar en la subasta de Salvator Mundi de Leonardo Da Vinci al ser adjudicada por 382 millones de euros. “Me parece una inmoralidad y conste que no me gusta usar palabras tan tajantes, pero así lo siento”.

Cuando se le pregunta sobre los posibles beneficios fiscales que podría conseguir gracias a las donaciones o préstamos, asegura que detrás de estas operaciones está “el más puro amor al arte. Nada más y nada menos”.

Paloma Montón