Con el cáliz hasta la tumba

El hallazgo de un individuo del siglo XIV enterrado junto a su ‘santo grial’ es uno de los hallazgos más destacados de la arqueología catalana en 2019.
Hace unos días, en Cataluña el protagonista fue un pequeño cáliz de plata con baño de oro en alguna de sus partes y decorado con pequeñas piedras de pasta vítrea.
Las características de la pieza, de 21 centímetros de alto, 12 de diámetro y 350 gramos de peso, remiten a un elemento del ajuar litúrgico de tradición gótica del siglo XIV y se puede encontrar todavía en algunas iglesias como objeto de culto.
Lo extraño es que este objeto se ha localizado, no sobre un altar o en un rincón de una iglesia
perdida, sino junto a un muerto, en la necrópolis situada alrededor de la iglesia de Santa María de Besora (Osona). En concreto sobre el brazo izquierdo de un individuo del que, solo se sabe que era un hombre que se enterró envuelto en un paño de lino.
El cáliz estaba dentro de una caja de madera de la que solo han sobrevivido los clavos de hierro.
El arqueólogo que recuperó este santo grial explica que no tienen ningún indicio de quién era el individuo, quizá un clérigo o el mismo rector de la parroquia que decidió enterrarse con su cáliz, con el que había oficiado durante su vida, o que se trate de un ladrón que se llevó al más
allá su último hurto. No hay ningún rastro que indique que se trata de una cosa o de otra; ni botonaduras, ni hebillas, nada de nada. Hay que esperar al resultado de los análisis de
laboratorio y si se pueden llegar a saber las causas de la muerte del individuo para poder saber más.
Otros de los numerosos objetos artísticos que se han recuperado en el último año en Cataluña son: una lucerna romana del siglo II con forma de gladiador localizado en el área residencial de La Estrella, de Badalona, en el que se han excavado enormes cavidades en las que se encajaron recipientes cerámicos (dolias) para fermentar vino. Y otro de los avances importantes que se anunció fue la localización de las estructuras portuarias de la colonia griega de Empúries (Alt Empordà) que hasta ahora se había resistido a aparecer.
Lucía Garcés

El Roto entra en el Prado de la mano de Goya

Andrés Rábago, conocido como El Roto, ha expuesto 300 obras como homenaje a Goya, llamado “solo la voluntad me sobra”, en el claustro de los Jerónimos del Museo del Prado. Lo que ha querido utilizar son los elementos iconográficos de Goya y pretendió reflejar temas de la actualidad junto con temas que Goya trato. Según el viñetista, una mañana estuvo tomando apuntes de obras satíricas pero le resultaba que iba a quedar heterogéneo, hasta que llego a Goya. Además, con motivo de esta exposición, la editorial Reservoir Books y El Prado han editado un libro que suma 15 dibujos más y dos textos del autor y del comisario de la muestra, José Manuel Matilla.

Algunas de las obras fueron, el dibujo de un condenado por la inquisición que cuelga bocabajo, martirizado, dos siglos después de que Goya reflejase el horror de la tortura. También destaco, lo llaman amor en el que la zarpa de una bestia desgarra el pecho de una mujer, estampa de un día en el que un hombre ha matado de una cuchillada a su pareja en Tenerife. Otra obra fue la de Saturno que no devora a sus hijos, sino salchicha. Por último, una pintura que trata sobre la tauromaquia, en el que un torero se dispone a matar a una mosca gigante. Él critico que no entendía como le han podido llamar goyesca a una corrida de toros (Ronda, Málaga), además sin haber pedido permiso a Goya por ello.

El País. Natalia Sánchez

25 N

El monumento romano que era visigodo

El mito de que el acueducto de Los Milagros, en Mérida, es de  construcción romana se tambalea. Si hasta ahora se creía que esta edificación monumental había sido levantada en el siglo I d. C., las recientes pruebas de termoluminiscencia realizadas por la Universidad Autónoma de Madrid retrasan su fábrica, por lo menos, al siglo IV, rozando el inicio de la Edad
Media.
Este acueducto de 830 metros de longitud y una altura de 25 metros en su parte más elevada siempre ha sido considerado el paradigma de lo que se supone que es una construcción romana. Pero dos análisis de laboratorio realizados en España y Alemania lo ponen en duda ya que arrojan la fecha de construcción en torno al año 560, ya en plena época visigoda. Según estos resultados, la edificación tendría su origen en una de las frecuentes guerras civiles visigodas.
El ingeniero de Caminos Manuel Durán Fuentes, cree que la arquería de Mérida “presenta fábricas de época tardía por algunos detalles constructivos”. Y lo explica: “Por ejemplo, el empleo de ripiado [pequeñas piedras entre los sillares para nivelar el acueducto] se corresponde más a épocas tardoantiguas y altomedievales que a romanas”.
Durán, que ha estudiado la práctica totalidad de los puentes romanos de Hispania, cuestiona también otras dataciones en la Península. Expone como ejemplo el puente de Villa del Río. “Su
fábrica no es romana tampoco, aunque sí la cimentación”.
María Escuin

EL CUADRO, con mayúsculas

Viaje a la generación de ‘rock stars’ del arte de los ochenta

Querían acabar con la diapositiva en blanco y negro de la España atrasada y marginal. Así que deciden recurrir al arte contemporáneo para
introducirse en los grandes espacios internacionales. Javier Solana, Ministro de Cultura entre 1982 y 1988, tenía muy claro que con la entrada de España en la Comunidad Económica Europea en 1986 era una oportunidad única para presentar a los nuevos creadores. 1990, en Madrid el Museo Nacional Reina Sofía abriría sus puertas. Hubo entonces cinco artistas que, a modo de rock stars, pasearon su obra por todos los escenarios posibles. Fueron Miquel Barceló, Ferran García Sevilla, José Manuel Broto, José María Sicilia y Miguel Ángel Campano, legaron inmediatamente después otros artistas españoles como Juan Muñoz, Cristina Iglesias, Susana Solano o Juan Uslé, aunque las crónicas de la época se centran en el quinteto capitaneado por
Barceló. Carmen Giménez trajo su experiencia como comisaria independiente y colaboradora del Comité Conjunto Hispano-Norteamericano para la Cooperación Cultural y organizó la exposición,  Contemporary Spanish Prints, que estuvo durante dos años y medio en ocho museos y universidades de los Estados Unidos y allí había obras de varios artistas.
Asegura que ella no escogía a los artistas participantes en las numerosas exposiciones que se celebraban en el extranjero. Todos eran muy jóvenes (en torno a los 30 años), la pintura era su medio de expresión y practicaban un informalismo próximo a lo que se podía contemplar en las galerías de
Nueva York, Londres o París. Nada que ver con las generaciones inmediatamente anteriores. Todos siguieron viviendo de su trabajo y, con mayor o menor fortuna, han seguido apareciendo en diferentes exposiciones.
Nerea Atienza

Arte que suena en los ojos y la imaginación

La Fundación Joan Miró de Barcelona reúne en una exposición 70 obras para mostrar la huella
del sonido en las artes plásticas.

Claudia Aragón

DESCUBREN RESTOS VALIOSOS EN EL BARCO QUE TRASLADABA A INGLATERRA LOS MÁRMOLES DEL PARTENÓN Y QUE NAUFRAGÓ

El bergantín se hundió tras haber chocado contra unas rocas en la isla de Citera, al sur de Peloponeso, a pocos metros del puerto de Avlemon en septiembre de 1802.

Arqueólogos subacuáticos griegos que investigan el naufragio del bergantín Mentor,que transportaba a Inglaterra los mármoles retirados de la Acrópolis de Atenas por Lord Elgin, han descubierto objetos importantes que van desde la Antigüedad hasta el suceso.

El embajador británico del Imperio Otomano Lord Elgin consiguió recuperar del naufragio todas las cajas que contenían las metopas del Partenón, unas piezas impresionantes que Grecia aún espera recuperar de Inglaterra. Elgin había conseguido las piezas gracias al permiso del Sultán, tras lo cual mandó arrancar gran parte del friso interior, cortar las metopas para separarlas del alto relieve -lo que provocó la mutilación de muchas esculturas-, y se adueñó de otras, como una de las cariátides del

Erecteion y varias piezas de los Propileos y del Templo de Atenea Niké, todos en la Acrópolis.

Entre los hallazgos de la investigación, que se llevó a cabo entre el 27 de agosto y el 15 de septiembre, se encuentran la empuñadura de una ánfora antigua fabricada en la isla de Rodas, dos pendientes de oro, un anillo también de oro decorado con flores, partes de un compás de madera, tres peones de ajedrez, una vasija de barro que servía para cocinar y poleas de madera con restos de cuerdas.

El mundo, 17/10/19

Natalia Sánchez Gascón

Recuerdos de Ottawa

Gloria Chulilla, antigua alumna de esta materia y habitante del blog, nos manda su experiencia comparativa al entrar en la iglesia de Otawwa y ver el parecido con su natal Teruel en la iglesia de San Pedro..
Gracias, Gloria.

Dubuffet celebra el arte de los locos y al hombre común en ‘Un bárbaro en Europa’

El IVAM exhibe la obra del controvertido creador francés que rompió con el "buen gusto". Al francés Jean Dubuffet (1901-1985) se le despreció por no saber pintar y por hacer un arte degenerado.
En su credo de Art Brut no distinguía entre el dibujo de una persona ingresada en un psiquiátrico o de un preso y el de un artista reconocido.
En su vida trabó amistad con Henri Michaux, autor del libro Un bárbaro en Asia, en el que el
poeta y pintor relata su viaje por Asia y cómo descubre su condición de bárbaro entre esas culturas. Haciendo referencia a esto, la exposición de Jean Dubuffet que se ha presentado este lunes pasado en el Institut Valencià d’Art Modern se llama “Un bárbaro en Europa” y toma prestado el título de Michaux para mostrar las diversas caras del artista francés.

La escultura 'El triunfante', de 1973, de Dubuffet,
junto a un retrato del artista
y una de las antiguas esculturas que admiraba.

Dubuffet abogó por un arte sin jerarquías, cuestionando la noción académica y acercándose a culturas antiguas. Fue el creador del concepto Art Brut, creaciones realizadas por personas al margen de la cultura artística junto a sus esculturas y cuadros donde destaca el uso del grafiti que él consideraba una de las expresiones más genuinas de la cultura y de la naturaleza humana.     
Para él no importaba quién hubiera hecho la obra, si estaba loco o no, sino que la obra nos enloquezca. Se trata de una retrospectiva dividida por bloques temáticos. El primero está dedicado a la celebración del hombre común, y en él se proclama los valores de la humildad y la modestia. El segundo recorre sus inquietudes etnográficas que vincula con el arte e incluye un despojado y divertido retrato de un Michaux un tanto alucinado. El último refleja la crítica radical de la cultura humanista, cuestionando el punto de vista, el lenguaje, los sistemas de creencias y los valores del arte de la época.

Pinturas de Aloïse Corbaz, recluida en un psiquiátrico suizo,
que forman parte de la colección Art Brut de Dubuffet

Jean Dubuffet presentó bajo un aspecto ridículo el concepto de modernidad blanca y occidental y lo amplió dando voz a un conjunto de aspectos, creaciones artísticas que se estaban elaborando en otras culturas y en otros sectores.
https://elpais.com/cultura/2019/10/07/actualidad/1570454048_817737.html
Lucía Garcés

Descubierta en casa de una anciana en Francia una pintura del siglo XIII valorada en más de cuatro millones

Un cuadro del maestro italiano Cimabue, del siglo XIII, ha sido encontrado en la vivienda de una localidad francesa. La familia lo tenía colgado en el salón de la cocina sin darle mayor valor. La mujer no supo explicar cómo la obra había llegado a manos de su familia.
El Cristo burlado, un pequeño cuadro pintado sobre madera de álamo de 25,8 por 20,3 centímetros, formaba parte de una serie de paneles en los que el artista prerrenacentista plasmó escenas de la pasión de Cristo. Hasta ahora solo se conocían dos de esas escenas: una Flagelación de Cristo y una imagen de la Virgen.
El hallazgo será subastado el próximo 27 de octubre y será la primera venta de este pintor
italiano en décadas.
María Escuín

Markerad: la nueva colección para Ikea de Virgil Abloh, objetos ordinarios hechos arte

El creador más cotizado del momento colabora con Ikea en Markerad una nueva colección
que introduce un mensaje irónico en la pragmática línea del diseño escandinavo. Todo ello
nace de la ambición de llevar el arte a los objetos cotidianos. "Voy a liderar una nueva era
en que los diseñadores se conviertan en las nuevas estrellas del rock", escribía Virgil
Abloh, que es la figura más destacada de una generación: el año pasado la revista Time lo
incluía entre las 100 personas más influyentes. Al artista 360º, arquitecto de formación, se
le ve tanto fuera como dentro del circuito de la moda y en todos destaca. En julio, por
ejemplo, su nombre aparecía en el cartel de Circoloco en el programa Off Sonar. Porque
también es DJ, y uno muy reputado. Y el pasado julio consiguió que casi mil personas se
gastaran 150 euros en un ladrillo.
Concebir interiores no es algo ajeno a Abloh. El año pasado diseñó una serie de alfombras
para Ikea como adelanto de Makerad. Cuatro modelos los cuales se agotaron en 48 horas.
Además, recientemente ha participado en una instalación para Vitra, que reflexionaba
sobre la relación de los adolescentes con el mobiliario. "El ethos de la colección es añadir
una cualidad artística a artículos anónimos. De la misma manera que puedes colgar una
obra de arte en la pared, esa cualidad artística también puede integrarse en objetos como
una silla, mesa o alfombra. Ese fue el problema inicial que debía solucionar cuando creé
esta colección", comenta Abloh. Y cree que el momento actual es uno que debe dedicarse
a nuevas exploraciones y nuevas declaraciones sobre nuestra época. Además renueva el
concepto en una fórmula de papel reforzado con plástico y el texto "Sculpture", que lanza
una crítica al panorama artístico del momento. "Siempre hay un mensaje subyacente en
mis creaciones. Un poco de ironía y de conexión humana" argumenta. “Llega un punto en
el que te das cuenta de que hacer que un espacio te haga sentir como en casa conlleva
una cualidad intangible. No se trata solo de una silla o su forma. Se trata de crear algo con
carácter que te haga sentir como que ya llevas tiempo viviendo allí", argumenta.
Nerea Atienza

La naturaleza enmarañada de Ricardo Cárdenas

El artista colombiano presenta sus nidos, nubes y manglares en el Hay Festival de Segovia.

Las estructuras enmarañadas de Ricardo Cárdenas, artista procedente de Medellín evocan una naturaleza cada día más asediada. Nubes, lluvias, nidos, bosques, manglares y humedales son una presencia recurrente en la obra del artista colombiano, uno de los protagonistas del Hay Festival de Segovia que comenzó el pasado jueves. En sus obras muestra el efecto de esos volúmenes, compuestos a partir de líneas, invita a reflexionar sobre la fragilidad del mundo contemporáneo, que es el lema que atraviesa el encuentro de literatura e ideas en su versión española. Desde su primera exposición individual en 2005, Cárdenas ha exhibido en La Habana, Miami, Río de Janeiro, Lima y Buenos Aires. Tiene una serie de obras (Nido, Bosque aéreo y Manglar) que dominan espacios públicos de su ciudad Ricardo ingeniero civil, con una maestría en Ingeniería de Manufacturas de la Universidad de Massachusetts, se resistió durante muchos años a entregarse de

tiempo completo al dibujo y la escultura a pesar de que estudió bellas artes desde niño –con una fascinación temprana por los impresionistas–. Siempre se sintió atraído por el paisaje. Mientras estudiaba ingeniería, le interesaban sus estructuras, formas y geometrías. Y más recientemente le despierta una profunda preocupación lo que está ocurriendo, la crisis climática y la perdida acelerada de bosques. Se siente llamado a crear consciencia. “Que la gente no pase por encima de la naturaleza, que entienda su fragilidad y que se puede regenerar también”.

Desde una convención a la que asistió está muy concienciado con la amenaza que la deforestación en reservas verdes, desde entonces se propuso poner su arte al servicio de esa causa.

En España, varias piezas de su exposición Esculturas en Libertad están dedicadas a las huellas de la deforestación, a denunciar esos parches de selva arrasada, y las titula con coordenadas de lugares donde el verdor ha sido devorado en la Amazonia colombiana.

Se complementan con su intervención en el centro histórico de la ciudad, donde se posa una de sus nubes como símbolo de que todos estamos interconectados a través de la atmósfera.

Sus nidos –que suelen estar construidos como una suerte de madeja de tubos, láminas o hilos metálicos– son una metáfora de cómo a partir de elementos frágiles y vulnerables se puede crear una estructura social fuerte. También sus manglares, estructuras a las que atribuye una “vibración visual” que encontró irresistible. Con sus nubes, busca que el dibujo se transforme en volumen y el volumen, gracias a las sombras, regrese al dibujo.

En conclusión es un artista que combina el dibujo con la ingeniería que ha estudiado y la naturaleza. Cárdenas transforma una cosa en otra, de modo que lo que por naturaleza es rígido adquiere milagrosamente movimiento, lo que es pesado da una milagrosa impresión de levedad, y lo que es áspero al tacto, lo que hiere y puya, adquiere la textura del algodón y provoca la caricia”. Arte con el propósito de crear consciencia ambiental.

Claudia Aragón Periódico El País.

EL SANTO DE LA DISPEPSIA

LOS OJOS OCULTOS DE EL BOSCO

Si nos volvemos miopes, a veces las cosas se ven más claras. Y es eso lo intuimos cuando vemos por milésima vez El jardín de las delicias de El Bosco: los ojos presiden las escenas.

EL OJO SANGRANTE DE WEYDEN

En el descendimiento de Van Der Weyden del Prado, la herida abierta en la mano de Cristo se convierte en un ojo que ve desde el dolor.
Este año no hay asignatura de Historia del Arte, aquella con quien muchos aprendimos a ver.

ARTres porque el arte también es una cuestión de mujeres

ARTres-”El museo como debe ser”. Se trata de una exposición que pretende ser una llamada de atención sobre la cuestión del género en el arte, su intención es realizar de manera forzada una exposición en la que la mujer sea la protagonista, no
como objeto del arte, sino como artista siendo así un reflejo contrario a las exposiciones realizadas comúnmente en los museos en la que las exposiciones cuentan con obras de más hombres que de mujeres, esta exposición pretende lo contrario, mostrar obras de 30 mujeres y 4 hombres reivindicando así que tanto hombre como mujeres siguen los mismos caminos para expresar sus emociones con el arte.
Así pues la exposición se articula en torno a dos ideas clave:
-El arte, de una época o de otra, de un género o de otro, se interesa por las mismas cuestiones.
- Las mujeres, como colectivo, están conquistando espacios sociales que le habían sido negados, y el arte no es una excepción. El montaje de las obras que integran ARTes se organiza en tres líneas de discurso: la introspección (la persona y sus interioridades), la inspección (el mundo, el paisaje, las políticas, el conflicto) y el arte mismo (la creatividad, la estética).
Andrea Roche

El amigo que retrató a Picasso en la bañera

El museo dedicado al pintor en Buitrago de Lozoya expone entre el 10 de mayo y el 22 de julio 60 fotografías del reportero David Douglas Duncan.
La primera vez que la mirada de Pablo Picasso se cruzó con la del fotógrafo y reportero estadounidense David Douglas Duncan, era el año 1956. Le abrió la puerta Jacqueline, segunda esposa de Picasso, quien le condujo de la mano hasta el segundo piso, donde el pintor tomaba plácidamente un baño. “Le dije que si le podía hacer una fotografía y me dijo
que sí. Esa fue la primera vez”. Y así nació una amistad de 20 años recopilando 25.000 fotografías, muchas obtenidas en la
intimidad, que han aportado una perspectiva singular sobre la vida, la personalidad y el
proceso creativo de uno de los genios de la pintura universal. Cuando en 2011 le preguntaron a Duncan el porqué de aquella familiaridad con Picasso, el fotógrafo dijo: “Nos caímos bien. Así de sencillo”. No hizo falta nada más, incluso ante la evidente dificultad de comunicación oral entre dos personas que desconocían la lengua del otro.
163 de aquellas imágenes fueron donadas por el propio David Douglas Duncan al Museo Picasso de Barcelona hace cinco años. A partir del próximo 10 de mayo, y hasta el 22 de julio, 60 piezas de ese lote se expondrán temporalmente en la sede de la Colección Eugenio Arias en Buitrago de Lozoya bajo el título Picasso por Duncan. La mirada cómplice.
Paloma Montón

BRANCUSI Y LA IMAGEN

De origen rumano, parisino de adopción y nacionalizado francés al final de su vida, Constantin

Brancusi (1876, Hobita – 1957, París) destaca como uno de los artistas más singulares de su

generación. El Centre Pompidou Málaga le dedica ahora una exposición del 20 de marzo al 24

de junio de 2018 que muestra la diversidad de su obra a través de la selección de un centenar

de fotografías, negativos y grabaciones, así como algunas esculturas y dibujos.

A pesar de trabajar solo, sin asistente, Brancusi no se encuentra aislado de los creadores de su

época: cuando se muda a París en 1907 se hace íntimo amigo de personalidades de la talla de

Erik Satie, Marcel Duchamp, Tristan Tzara o del fotógrafo Edward Steichen, además de

frecuentar de manera regular a las bailarinas Lizica Codrano o Florence Meyer.

Sensible a las artes no occidentales, así como a las tradicionales rumanas, el artista ha ido

combinando sin cesar algunas de estas referencias con la expresión más moderna de la

escultura. La obra completa de Brancusi, repleta de estas confluencias, sorprende por su

aparente simplicidad, y es ahí donde reside el misterio, el genio y la modernidad de este artista

artesano.

Ya en 1914 dice no estar satisfecho con las reproducciones fotográficas de sus obras, por lo

que decide ser él mismo quien tome sus propias imágenes. En los años 20, Man Ray le ayuda a

instalar una cámara fotográfica en su taller y a perfeccionar sus métodos de revelado,

iniciándolo también en la técnica de la filmación. Cámara en mano, Brancusi juega con las luces

y sombras que emergen al impactar la luz en las superficies de sus obras. Moviéndose alrededor de las esculturas, graba todos sus ángulos, para inmortalizar los “grupos móviles”, esas efímeras configuraciones de esculturas y pedestales en el taller. De cada negativo realiza al menos dos revelados –a veces hasta una veintena– con diferentes tamaños o encuadres. Muchas de sus fotografías en realidad son fotogramas que obtiene a partir de la película expuesta. En Brancusi, la imagen fotográfica o fílmica refuerza el profundo anclaje de la escultura en esta realidad y en esta materialidad que el autor defenderá siempre.

La presentación de las obras de esta exposición, todas ellas pertenecientes a la colección del Pompidou, se ha dividido en cinco partes: la figura de Brancusi, su taller, el diálogo entre la forma en bruto y la forma lisa, lo orgánico y finalmente un homenaje a La columna sin fin.

Cristian Casian

MIRAR COMO BRANCUSI

A POLLOCK

El artista "outsider" que dejó un tesoro artístico de un millón de dólares entre las paredes de su casa

James Castle, vivió al margen del mundo del arte. Su obra, fruto de una frenética actividad artística desarrollada a lo largo de casi setenta años, formuló un imaginario propio inspirado en la cultura popular que le rodeaba.
El ayuntamiento de Bios (Estados Unidos), adquirió la casa donde residía Castle para homenajearlo. El proyecto consistía en convertirla en una galería, donde se expusiera su obra y sirviera de residencia para artistas. Sin embargo, los planes han dado un giro al descubrir un tesoro oculto entre sus paredes.
Este artista, usaba los materiales que encontraba a su alrededor en sus obras de arte, por lo que el equipo de restauración ha comenzado a buscar entre las paredes papeles o estucos que les pudieran ayudar a poner fecha a las piezas del artista. Finalmente, han encontrado once piezas que serán expuestas a finales de mes.
Paula Díaz

LA REVOLUCIÓN SURREALISTA, en Madrid

A principios del siglo XX varios movimientos de vanguardia como son el dadaísmo y el
surrealismo, dieron paso a una experimentación en el arte que supuso una revolución, no
solo en lo político, sino también en el arte. El Palacio de Gaviria acogerá la influencia que
tuvieron en el pensamiento occidental con la exposición “Duchamp, Magritte, Dalí.
Revolucionarios del siglo XX. Obras maestras del Museo de Israel, Jerusalén”.

El Palacio acoge los cinco espacios que forman la exposición, y a cada uno se le ha
atribuido un color: Yuxtaposiciones maravillosas, Deseo: musa y abuso, El automatismo y su
evolución, Biformismo y Metamorfosis, e Ilusión y paisaje onírico. El director del Museo de
Jerusalén, señala que la exposición no se ha colocado cronológicamente, o por el autor,
sino que se ha indagado en las alucinaciones como necesidad humada y espejos de la
realidad.
De este Museo provienen las 180 obras que ahora pueden contemplarse en Madrid. La
institución debe su rico patrimonio primero y principalmente al académico, poeta y
marchante de arte milanés Arturo Schwarz, quien le donó en 1965 más de 800 obras.
Entre las obras presentes, obras maestras como El castillo de los Pirineos (1959) de
Magritte, Ensayo surrealista (1934) de Dalí y Main Ray (1935) de Man Ray.
André Breton hacía referencia al dadaísmo y surrealismo como “dos olas que se cubren la
una a la otra”, de ahí que se incluyan ambos movimientos en la curiosa arquitectura del
Palacio de Gaviria. El montaje es obra del arquitecto Óscar Tusquets Blanca, que con
motivo de la muestra ha reconstruido la famosísima Sala Mae West de Dalí y la
instalación 1200 sacos de carbón ideada por Duchamp para la Exposition Internationale
du Surréalisme de 1938. Su comisaria, Adina Kamien-Kazhdan, enfatiza que “en esta
corriente lo importante es el proceso conceptual, la idea, la búsqueda de métodos para
escapar de la acción consciente y que promueven la estimulación creadora”.
Desde la sensualidad de las obras de Man Ray en los años 20 y 30, obras de Marcel Jean,
Marcel Duchamp, Bellmer, fotomontajes de Paul Éluard, los preparativos de obras de Dalí
o piezas de Ducasse. “El dadaísmo y el surrealismo aportaron innovaciones como los
juegos de género, la concepción ajedrecística de Duchamp, la impronta del azar, la
naturaleza onírica de Tanguy o la metafísica de Chirico. Como digo a mis alumnos, la
colectividad como concepción artística da mayores resultados creativos”, recuerda
Kamien-Kazhdan.
Como línea transversal se halla la introspección y la terapia, las grietas por las que se cuela
la visión del surrealismo. En El Castillo de los Pirineos de Magritte se puede percibir otra de
las características del movimiento, el avance impetuoso contra la ley de la lógica. La
provocación sigue presente a través de estas obras.
Del 10 de abril al 15 de julio
http://www.hoyesarte.com/evento/2018/04/la-revolucion- surrealista/
Cristian Popa

De exponer en Instagram a pintar para Madonna

El retuit del periodista Andreu Buenafuente a la fotografía de uno de sus cuadros, le llevó a recibir encargos del campeón del mundo de motociclismo Jorge Lorenzo. Y a partir de ahí, se produjo un efecto dominó en redes sociales, como Instagram.

René Álvarez Mäkelä tras estudiar publicidad, comenzó una carrera profesional como guionista en programas y documentales hasta que un parón laboral en el mundo televisivo le llevó a retomar lo que entonces era un hobbie: pintar obras enmarcadas en el “pop street art”.

Su primer acercamiento con el mundo de la fama ocurrió cuando la modelo Cara Delevigne publicó en Instagram la fotografía de uno de sus trabajos. Con tanta viralidad, su obra llegó a ojos de Madonna, que pidió a su fundación Raising Malawi que se pusiera en contacto con el artista para encargarle dos enormes murales para las paredes del hospital que estaba terminando de construir en el país."

Zahra Cabañas

Ana Domingo Castaño expone sus dibujos en la Escuela de Arte de Motril

Es la primera vez que esta joven artista expone sus trabajos, ha denominado a la muestra con el nombre de “insider” y su intención es marcar su evolución desde sus comienzos hasta la actualidad.
La exposición está disponible desde el 4 de abril hasta principios de mayo, se expone en la Escuela de Arte de Motril lugar en el que Ana realizó sus estudios hace tres años, ya que actualmente está cursando el tercer año de Bellas Artes en Granada. Se trata de una pequeña muestra que alberga una
veintena de sus trabajos de distintos tamaños y técnicas.
Según la artista sus dibujos salen “a partir de impulsos de la mente y del cuerpo”, asegura que no es arte abstracto sin forma; sino que en este caso “se trata de construir desde lo que vemos y formar diferentes formas orgánicas e inorgánicas”, a pesar de ello afirma que en sus obras cada persona observa cosas diferentes.
Andrea Roche

ARTE MULTIMEDIA PARA EXPRESAR LO INENARRABLE

Es difícil compartir las sensaciones que motivan la creación de conceptos. Está es la intención de la exposición “Esthétopies”.
Instalación de Pierre Berger.

 La motivación de muchos matemáticos no está en el proceso, sino en la sensación producida durante el proceso de investigación, y por desgracia es complicado compartir este tipo de sensaciones. Esto ha sido el trabajo de la exposición de Esthéopies, y a través de esta muestra audiovisual, diseñada entre matemáticos, informáticos y artistas, compartimos con el público el sabor de las emociones experimentadas al enfrentarse a un problema matemático. En este proceso se suceden, primero, la intuición, luego el hallazgo, y finalmente la formalización matemática, que permite expresar la idea claramente, como una verdad matemática (un teorema con su demostración, o nuevos conceptos).

Lo que encontramos en esta exposición son muestras geométricas llamados 3-variedades, estas son una generalización a tres dimensiones de las superficies.

Estos procesos permiten que los visitantes experimenten nuevas experiencias sensibles sobre espacios matemáticos contemporáneos, que les llevan a la parte inenarrable del proceso de investigación; la formalización matemática de sus sentimientos daría lugar a un teorema.

Helga Weissová: la niña que pintó el Holocausto

Una exposición en Madrid muestra las pinturas y dibujos que ayudaron a sobrevivir a la artista judía en los campos de concentración. Esta mujer de 88 años fue una de las 100 supervivientes del campo de concentración en Terezin, en el cual los nazis montaban obras de teatro, conciertos y juegos antes de prescindir de ellos. Allí, Helga comenzó a dibujar y de cierto modo a documentar las atrocidades vividas en la época del holocausto, un hábito que consideraba una evasión de la cruda realidad que tuvo que vivir en aquellos años, hasta que finalmente decidió publicar varias de sus obras. Estas obras tienen un gran valor histórico como documentación sobre el holocausto nazi desde el punto de vista de una superviviente, además de un gran valor artístico.

He elegido esta noticia porque no todos los días aparecen este tipo de obras que relatan a través de imágenes hechos tan terribles desde dentro. 

20 de marzo de 2018, El País

Javier Menasalvas

VALENCIA RECUPERA EL ARTE

Durante años la oferta cultural valenciana ha sido una pequeña silueta difícil de advertir entre la luz resplandeciente del turismo de playa. Ahora parece regresar el equilibrio. La región vuelve a presumir de una constelación artística en auge. La Comunidad Valenciana es la que más aumenta su valoración en él , elaborado por casi cuatrocientos expertos e impulsado por la Fundación Contemporánea.
El Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) es un buen ejemplo de este resurgimiento que Francesc Colomer, secretario autonómico de Turismo, define como "un renacimiento del ecosistema cultural". El centro cerró 2017 con más de 135.000 visitantes, un 80% más que solo tres años antes. Y en 2018 ha puesto en marcha la exposición más amplia de sus casi 30 años de historia, Joan Miró, orden y desorden, que podrá visitarse hasta mediados de junio. "Tratamos de contar que la obra de Miró sigue viva, que todavía interroga al espectador en nuestros tiempos. Es uno de los referentes de las primeras vanguardias, además con un mediterranismo bestial, y se resiste a ser colocado en un mausoleo", explica Joan María Minguet, comisario de la muestra y uno de los mayores especialistas en la obra del artista catalán.
“Es una exposición que intenta ir más allá del catálogo habitual y sobradamente analizado de Miró. Tratamos de mostrar a un artista radical, con piezas que provienen de grandes centros pero también de colecciones privadas, algunas nunca vistas.”
Regina Gómez

EL PASEO COTIDIANO POR EL ARTE

La Policía italiana recupera en Roma una importante obra del siglo XVIII robada en 1994

Los carabineros italianos han recuperado en la filial romana de una casa de subastas londinense una importante obra del género de las vedute del S.XVIII atribuida a Giovanni Paolo Pannini y a Andrea Locatelli que fue robada en 1994.
La obra fue encontrada cuando estaba a punto de ser puesta en venta a 50.000 euros.
El banco de datos de bienes culturales robados confirmó la identificación y va a ser restituida a las  salas del Museo Nacional de Arte Antiguo de Roma, donde fue donada en 1892 por la familia Torlonia.
Paula Díaz