jueves, 3 de marzo de 2016
MCMXCV (hace nada)
BADIOLA
Txomin Badiola cuando estuvo en Londres y Nueva York, empezó a formarse artísticamente convirtiéndose en uno de los renovadores de la vanguardia plástica contemporánea, tomando de referencia a Oteiza, Brancusi, los constructivistas rusos, los suprematistas y los minimalistas para crear obras repetitivas y múltiples . Y al finales de los ochenta empieza a utilizar el color y a experimentar con materiales. Badiola realiza una exposición en Bilbao en la que muestra esculturas pinturas y collages de fotografías, en estas obras ha conectado la idea de vanitas del barroco destacando entre ellas la serie bastardo que representa al cuerpo humano en el espacio. (La idea del paso del tiempo y memento memori).
También representa una imagen sobre chapa en la que representa una figura imaginaria, mitad hombre mitad esqueleto, alado de una bella mujer. Las obras de Badiola muestran la inseguridad de la existencia del ser humano.
Cristina Sánchez
miércoles, 2 de marzo de 2016
HEAVY SEA, de Pejac
Una obra de arte urbano del artista español Pejac. Se titula Heavy Sea y está ubicada en un lugar que Pejac no quiere revelar. Se compone de un montón de neumáticos rotos que simulan olas de mar y entre los cuales se encuentra un salvavidas rojo. Este supone una crítica global al fracaso de la relación del ser humano con el planeta.
Gloria Chulilla
sábado, 27 de febrero de 2016
martes, 23 de febrero de 2016
Sale a la luz una obra de Picasso de su etapa juvenil en La Coruña
El jueves pasado salió a la luz una obra de Picasso, se estima que este retrato minucioso, lleno de detalles y de gran expresividad, fuera pintado entre finales de 1894 y principios de 1895 en La Coruña, en su última etapa de la estancia en la ciudad ya que presenta rasgos semejantes al resto de obras que se guardan de esta época.
El "Retrato de hombre viejo" está actualmente en la Casa Picasso de La Coruña. Estos 25 últimos años se encontraba en París y está valorado en un millón de euros, aproximadamente.
Sonia Moreno
lunes, 22 de febrero de 2016
LOS CUADROS MÁS CAROS DE LA HISTORIA
En la subasta de arte celebrada en otoño el magnate de las finanzas Kenneth Griffin que a sus 47 años tiene una fortuna de 7.400 millones de dólares y con activos por valor de 26.000 millones de dólares pago por dos cuadros la increíble suma de 500 millones de dólares. Por Interchange (1955) de Willem de Kooning, pago 300 millones y por Number 17A (1948), de Jackson Pollock pago 200 millones. Ambos cuadros proceden de la fundación David Geffen y pertenecen a autores expresionistas abstractos. Estos cuadros se expondrán en el Instituto de Arte de Chicago y formaran parte de su colección a la que ya pertenecen cuadros como el de Gerhard Richter por el que pago 46 millones.
El Kooning vuelve a batir un récord tras ser comprado anteriormente por 20,6 por Shigeki Kameyama, se ha convertido en la obra más cara del arte contemporáneo y está empatada con la obra más cara del mundo Nafea faa ipoipo (¿Cuándo te casarás?), de Paul Gauguin, comprada al mismo precio por Qatar quien también compro Los jugadores de cartas de Cézanne, por 250 millones de dólares.
Sergio Sánchez
Sergio Sánchez
JOE GARVEY
Joe Garvey es un artista nacido en 1983 en St.Paul (Minnesota), pero vive y trabaja en Nueva York, lo que hace esta persona es crear posters, pinturas y camisetas, Garvey también crea los anuncios de los servicios de coches (los podemos ver en Manhattan, en Brooklyn y en el norte) .
Lo que hace es escanear viejos recibos o ingresos para sus creaciones, y lo que tenemos más cerca y no sabemos son sus logos que se encuentran on line.
De esa manera engancha con una gran comunidad de artistas y de aficionados mediante varios medios de comunicación (por su blog, por sus redes sociales…), lo que más le divierte es burlarse de las antiguas batallas entre las ciudades neoyorkinas.
Está centrado en una bulliciosa actividad que figura en un espacio pequeño, y mientras que a otros artistas o personas no les gusta el deporte a Garvey le encanta.
Por si te interesa y quieres curiosear: https://www.instagram.com/p/
Tania Mor
jueves, 11 de febrero de 2016
Museo Atlántico de Lanzarote
Frente a la costa sur de Lanzarote, a doce metros de profundidad, en la Bahía de Las Coloradas, han comenzado a colocarse las primeras esculturas del artista británico Jason de Caires que formarán parte del nuevo Museo Atlántico. Más de 300 esculturas podrán ser visitadas, ya sea nadando o a través de buceo a partir de marzo de 2017.
El artista lleva trabajando en el proyecto del nuevo museo desde hace dos años, esculpiendo con un tipo especial de cemento (hormigón de PH neutro) que conservará las figuras durante 300 años en las mismas poses cotidianas, ya sea mirando el teléfono móvil, arrastrando una maleta o vagando sin rumbo fijo por la peana en la que se sujetan.
El museo abarcará una superficie de 2500 metros cuadrados cuyas esculturas contribuirán a crear arrecifes de coral artificiales y se situarán en tramos hoy estériles del fondo marino.
Nicolás Martín
miércoles, 10 de febrero de 2016
La inquietud por lo humano
La galería Elvira González inauguró el pasado 20 de enero una exposición de Juan Muñoz, Premio Nacional de Artes Plásticas en el año 2000. Este artista español es considerado como uno de los autores más relevantes de su generación por ser un auténtico referente en la renovación escultórica contemporánea internacional. Su última gran obra fue "Double Bind", creada para la Sala de las Turbinas de la Tate Modern de Londres.
La muestra en la galería madrileña, que se mantendrá hasta el 30 de marzo, incluye esculturas, pinturas y grabados realizados por el artista desde principios de los noventa hasta sus conjuntos escultóricos del 2000.
Lo más destacado de la exposición es la clara inquietud de Juan Muñoz por la figura humana. Esto se puede apreciar en algunas de sus obras inéditas para el público hasta ahora. Es el caso de "Two figures, one laughing at one hanging", y de otra sin título en la que aparecen dos figuras mirándose al espejo. Ambas están dentro de una selección de piezas que permiten al espectador dejarse invadir por el universo de Muñoz.
Judith Martín
El gran ojo de Calatrava
La profunda herida que se abrió en el bajo Manhattan tras el derrumbe de las Torres Gemelas está muy cerca de cicatrizar. En escasamente un mes empezara a abrirse al público el componente principal de la estación que en el World Trade Centre conectará una decena de líneas de la red de metro que tejen la ciudad de Nueva York con los trenes de cercanías que cruzan el río Hudson hacia Nueva Jersey. Es el proyecto más importante del arquitecto español Santiago Calatrava y se espera que esté plenamente operativo para el verano.
Los neoyorquinos llevan años viendo el esqueleto de acero que se alza a los pies de los rascacielos que emergieron en la zona cero. Unos imaginan que es una gigantesca escultura con forma de dinosaurio. Otros dicen que se parece más a una planta carnívora, con la presa dentro. Nada de eso. El Oculus que se abre a dos plantas de profundidad en el granito es un espacio lleno de luz incluso en un día plomizo. Está pensado y diseñado para ser una plaza urbana bajo tierra.
El vestíbulo es más alto que la imponente sala principal de Grand Centre, el edificio favorito del arquitecto. Tiene 160 metros en el punto más alto y 330 metros de largo. La idea de Calatrava era crear un lugar que te hace sentir bien al llegar a la ciudad. Desde el momento en el que te bajas del tren, el espacio te invita a ir buscando la luz para salir a la calle.
Chechu León
martes, 9 de febrero de 2016
PICASSO EN SUBASTA
Un total de 168 obras privadas que Picasso tenía guardadas en su estudio durante toda su vida, se vendieron el día 5 de febrero de 2016 en una subasta en Londres por un total de 17’6 millones de dólares.
La obra más “valiosa” fue Visage, un estampado en bronce que se vendió por 288 dólares y que Picasso realizó por medio de la técnica de la cera pérdida, suponiendo un objeto único por el procedimiento utilizado.
Sin embargo, a pesar de que la casa de subasta quiso vender la totalidad de las obras, no todas encontraron “dueño”, como por ejemplo un dibujo a bolígrafo sobre un recorte de papel realizado en 1962 por el artista, al no conseguir el precio mínimo, se retiró de la subasta.
No obstante, los interesados pelearon por conseguir una de las paletas del autor repleta de óleos con diferentes tonalidad de rojos, verdes, azules... Lo que finalmente se vendió por 66 mil 677 dólares.
Esta subasta fue realizada por la nieta del pintor, Marina Picasso, tras la decisión que tomó hace unos años de “poder dejar atrás el pasado”.
Cecilia Cordero
jueves, 4 de febrero de 2016
LAS DIGRESIONES DE MEDUSA
El famoso mito de Medusa cuenta que Medusa, hija de Ceto y Forcis, se enamoró de Poseidón, y este la violó en el templo de Atenea.
Atenea, enfadada porque se había profanado su templo, castigó a Medusa, que era una mujer muy bella y con unos ojos hermosos, convirtiendo su cabello en un nido de serpientes, y además, cualquiera que la mirara a los ojos se convertía en piedra.
Antes de la Grecia clásica, Medusa aparecía como reina de Libia, una encarnación de la sexualidad y de la madre Tierra. Hubo que esperar muchos siglos para que el mito androcéntrico y profundamente machista de Medusa griega fuera releído, y fue en los años 70, cuando unas filósofas feministas representaban a Medusa como mujer rebelde, que no se somete al poder del hombre, una diosa capaz de dar muerte y vida.
En el arte, Medusa siempre ha sido uno de los iconos más representados, y en la Grecia antigua estaba relacionado con los ritos funerarios.
Ahora, 15 artistas contemporáneos se enfrentan al mito desde una exposición, y lo hacen en L’Hospitalet, (provincia de Barcelona) ya que Medusa es uno de los símbolos oficiales de la ciudad desde los años 90, porque hace años cerca de esta ciudad se encontraron restos de asentamientos romanos, y entre ellos una cabeza de Medusa.
Esta exposición, llamada “Ceci n’est pas une Medusa”, hace referencia al pop, al feminismo, el psicoanálisis, las metáforas, la poesía, el humor…
Una copia de la Medusa romana inicia la exposición, mezclando varios estilos, técnicas y conceptos, desde Bob Marley hasta Freud.
Por ejemplo, la artista Marie Françoise, mezcla la leyenda griega con el rey del reggae, haciendo una metáfora estética con las rastas de Marley, y el pelo serpentino. (Un pelo que transforma en tubos que escapan de la plataforma cual serpientes).
También, una interpretación más cercana a nuestra actualidad, nos la ofrece el autor de la obra “La Medusa pop”, Antonio Calderón “Willy”, mostrándonos a Medusa como si fuera una okupa psicodélica, un personaje de cómic, ya que a este autor, le fascinan la geometría y la publicidad.
He elegido esta noticia porque me parecen curiosas las interpretaciones que se le pueden dar a una historia mitológica, siendo tan diferentes y argumentadas en todos los casos.
Por eso, cuando vemos una obra de arte es importante buscarle un sentido más allá de lo que vemos.
Aurora García
martes, 2 de febrero de 2016
Un arte espeluznante
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| Una de las obras que van a ser expuestas: Antílope |
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| El autor preparando el material para elaborar sus obras |
El artista Álvaro Soler Arpa, quien realiza obras a partir de esqueletos animales y residuos, va a exponer en la T1 del aeropuerto de Barcelona sus extravagantes, monstruosas y misteriosas esculturas que componen seres híbridos surrealistas. Su exposición aliada con el medio ambiente pretende mostrar su posición contra la proliferación de plásticos mostrando la ciudad de Barcelona de una manera poco convencional. Esta se exhibirá durante tres meses desde el 15 de febrero y estará acompañada de una exhibición de fotos de las obras de este autor en el Metro y en el Espai Mercè Sala de la Fundación TMB.
Gloria Chulilla
WEBGRAFÍA: http://ccaa.elpais.com/ccaa/2016/01/27/catalunya/1453927641_079720.html
Gloria Chulilla
lunes, 1 de febrero de 2016
ARTE AFRICANO
El Museo de Arte Contemporáneo presenta una exposición llamada “El iris de Lucy”, formada por obras de 21 artistas africanas contemporáneas. La muestra surge desde las posiciones multiculturales que optan por la diferencia y que han permitido el surgimiento de un nuevo espacio que ha venido a ocupar el lugar dejado por el fin del monopolio cultural occidental en el campo de las artes visuales.
El proyecto pretende ampliar el conocimiento de la riqueza de la creación artística hecha por africanas. Por eso, el título de la muestra recurre a una metáfora del iris del primer Australopithecus descubierto en Etiopía.
Se tratan temas como la cuestión de género, la identidad, la etnia, el cuerpo, la relación con el territorio y las tradiciones, la memoria, el medio ambiente, la historia, etc. Estos se visualizan a través de instalaciones, fotografías, vídeos, pintura y dibujos que nos permiten acercarnos más a las artistas de este continente.
Beatriz Casas
jueves, 28 de enero de 2016
DE LA DISCOTECA A LA PINACOTECA
El pasado 31 de diciembre de 2015, día de celebración de año nuevo como en la mayoría de países, despedimos el año con mucho entusiasmo celebrando la última cena de año acompañándola de grandes platos y cómo no de alcohol, algunas personas le dedican demasiado entusiasmo a este último, lo que impulsa a realizar actos de todo tipo.
El fotógrafo Joel Goodman tuvo la fortuna de poder capturar una de esas escenas en una de las calles de Manchester, la cual ha tenido mucha repercusión en las redes sociales, en la fotografía aparece por un lado unos policías intentando esposar a un hombre en el suelo, el cual es defendido por una mujer, y por otro lado hay un hombre borracho tumbado en medio de la calle al lado de los coches en una postura de pose sujetando con una de sus manos un botellín de cerveza, todo esto crea una escena espectacular que como muchos dicen es digna de un museo. Aunque a mí personalmente la escena que más me sorprende es la similitud del hombre tumbado en medio de la calle, con la postura de Dios padre en la pintura de la creación de Adán de Miguel Ángel de la Capilla Sixtina.
Sergio Sánchez
miércoles, 27 de enero de 2016
“REINA, SANTA O DATE POR JODIDA”
Este no fue el caso de Josefa de Óbidos. A pesar del machismo de su época, esta feminista del siglo XVII alcanzó la cúspide del arte con sus cuatros.
Su carrera empieza tras abandonar el convento en el que se encontraba con 23 años, con la influencia de los textos de Santa Teresa, ambas coincidían en la reivindicación de la mujer. A los 31 años el Museo de Arte Antiguo de Lisboa expone un centenar de sus obras. Heredó de su padre el gusto del bodegón y también se interesó por el Barroco.
Sus obras se caracterizan por su sensualidad y su sensibilidad, el reflejo de felicidad en los rostros de sus obras era un intento de escapar de la realidad de la época, en la que Portugal vivía tiempos de guerras y hambrunas. Como afirmaba el director del museo: “Las penas ya las vemos aquí, ¿para qué reflejarlas? Ella representa la felicidad que nos espera”.
La pintora muere a los 54 años con una gran cantidad de dinero y deja establecido que su herencia no fuera para ningún hombre.
Sonia Moreno
EL DIÁLOGO DE SOFÍA GANDARIAS CON CERVANTES Y SUS PERROS
Sofía Candarías (retratista de literatura), estableció en su última exposición en vida, sobre la obra Cervantina (El coloquio de los perros), la cual se puede visitar en el espacio Santa Clara de Sevilla, hasta el próximo 21 de febrero.
En ella deja para siempre, tras su fallecimiento, una serie de lienzos oscuros pero brillantes, duros pero irónicos e inquietantes pero satíricos; en las que critica y refleja 400 años después, que sigue en la sociedad española, la corrupción, la nobleza y el clero, diferencias sociales…
Con los lienzos de Sofía estamos, pues, ante un principio absoluto y con el grado supremo de la originalidad.
Cristina Sánchez
martes, 26 de enero de 2016
Arte en mitad del Holocausto
Una serie de obras impactantes creadas durante el Holocausto se exponen en Berlín hasta el día 3 de abril. Por primera vez se expondrán 100 obras de la colección Yad Vashem, la mayor representación del Holocausto fuera de Israel que sirve como símbolo de amistad entre ambos países. De los 50 artistas expuestos, 24 fueron asesinados por los nazis alemanes y sus colaboradores y todas las obras fueron creadas en condiciones inhumanas y en secreto, en mitad de campos de trabajo. El poder de estos artistas, no se centra en retratar humillaciones y atrocidades sino en hablar de esperanza y fuerza.
Nelly Toll, con ocho años, dibuja en 1941 una imagen campestre en la que ella y su madre, vestidas con alegres colores, pasean por una vida futura soñada. Afortunadamente, Nelly sigue viva hoy en día (es la única artista de la muestra con vida), como autora y conferenciante comprometida desde Estados Unidos con los derechos humanos.
Nicolás Martín
domingo, 24 de enero de 2016
ISIS, enemigo de la cultura
El Estado Islámico vuelve a la carga con la destrucción del convento de San Elías, cerca de Mosul, Irak. Un convento cristiano de casi 1400 años de antigüedad, el más antiguo de la región. Recientes fotografías de satélite han confirmado la total demolición de este monasterio, se cree que este ya fue destruido en 2014, cuando DAESH tomó la ciudad y la proclamó capital de su califato, pero la noticia no se había conocido hasta ahora.
Este es solo un nombre más en la larga lista de destrucción masiva de la historia y la cultura por parte del Isis, el cual arrasa con todo lo que encuentra a su paso, destacando la destrucción de la ciudad asiria de Palmira.
Es una pena que una guerra movida por intereses políticos y económicos se haya desmadrado de tal manera y esté acabando con una cultura que es de todos.
Pablo Abril
Un dibujo atribuido a Jan Van Eyck en 2012 será expuesto en Nueva York
El dibujo “Crucifixión”, atribuido al pintor flamenco Van Eyck y que fue descubierto en 2012 por el Museo Boijmans de Rotterdam, abandonará por primera vez Holanda para ser expuesto en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, donde formara parte de la exposición “A new look at a masterpiece of Van Eyck”.
La obra fue comprada en 1971 por el psicólogo W. Hofman por apenas unos florines en una subasta de muebles del castillo de Fraeylemaborg en Slochteren (Groeningen), porque le recordó a una obra de Van Eyck en Nueva York y porque le gustaba el marco.
Tras amplias investigaciones llevadas a cabo por el Museo Bojumans tras encontrar la pieza en 2012, el presentimiento de Hofman resultó ser cierto: se trataba realmente de una obra de arte extraordinaria del siglo XV, de entre 1440 y 1480, y con seguridad del entorno inmediato del pintor.
El museo adquirió el dibujo con la ayuda de diferentes fondos y ahora la obra será expuesta a partir del 25 de enero en Nueva York junto con el óleo sobre tabla del mismo nombre, estrechamente ligado al dibujo, según los expertos.
De esta manera, las dos obras se expondrán por primera vez juntas.
Alejandro Martínez
miércoles, 20 de enero de 2016
El oro de Fra Angelico multiplica la luz del claustro de Prado
Envuelta en oro y vestida de rojo y de azul, La virgen de la Granada pintada por Fra Angelico en el 1426 parecía multiplicar la luz esta mañana la luz que baña el claustro de los Jerónimos del museo del Prado. Junto a ella, la tabla atribuida al artista florentino inspirada en La muerte de San Antonio de Abad. La exhibición de ambas obras en el espacio de honor que el Prado guarda para los grades actos protocolarios se debía a que el Patronato del museo acababa de aprobar la adquisición de la obra por 18 millones de euros que se pagaran a lo largo de cuatro años, sin intereses al duque de Alba, Carlos Fitz-James Stuart y Martínez de Irujo. Por las ventajosas condiciones del acuerdo y por la donación de la tabla rasa de San Antonia de Abad, el jefe de la Casa de Alba ha sido nombrado patrono de honor. Las dos obras pasarán a formar parte de la colección permanente a partir del próximo martes, 26 de enero. Se mostrarán en la galería central frente a La Anunciación, la otra obra del artista italiano propiedad del museo, según palabras del director del Prado (Miguel Zugaza), el Prado se convierte en un punto de referencia para quienes quieran contemplar y estudiar la creación del gran maestro de Quattrocento italiano.
Chechu
Lo que une el arte que no lo separe el hombre
Se sabe que este es un conflicto abierto desde hace 21 años; encontramos un conflicto entre Aragón y Cataluña por obras de arte, que comenzó en 1995, cuando el Vaticano creó la Diócesis de Barbastro-Monzón, como reacción a la idea de crear una Conferencia Episcopal Catalana, distinta de la española. Tras el abandono de 111 parroquias aragonesas de la Diócesis leridana comienza la reclamación de 113 obras de arte conservadas en el Museo de Lleida. A pesar de varias sentencias, el conflicto sigue abierto.
El juicio comenzó en un juzgado de Huesca para disolver el destino de unas pinturas murales románicas del monasterio oscense de Sijena. Los frescos se quemaron en 1936 y fueron arrancados por técnicos de la Generalitat y trasladados a Cataluña, donde se exhiben en el Museo Nacional de Arte de Catalunya (MNAC), tras el acuerdo entre la Generalitat y sus propietarias, las monjas de la orden de San Juan de Jerusalén, en 1992.
Los representantes de la Diputación General de Aragón (DGA), mostraron un decreto del Vaticano de este mismo enero que reconoce a una monja como representante de la orden que ha cedido el derecho de reclamación de las pinturas al gobierno aragonés; algo que la Generalitat ha cuestionado asegurando que las sanjuanistas de Sijena se habían extinguido tras el fallecimiento de todas ellas. La juez admitió el documento de la DGA.
Joan Guitart, que defendió el contrato firmado por él y la priora del monasterio el 17 de diciembre de 1992 en la que se “cedían, en concepto de préstamo, de manera indefinida las pinturas a la Generalitat”. Según Guitart, “las monjas sabían que las pinturas se exponían desde 1961 y nunca las habían reclamado”. Podemos ver cómo en Cataluña se alababa “la labor de recuperación”, desde Aragón se aseguraba “que las pinturas fueron robadas”.
En conclusión, según el juzgado de Huesca, Cataluña se vería obligada a devolver las pinturas a este municipio.
Tania Mor
lunes, 18 de enero de 2016
LUMIERE: UN PASEO BAJO LAS LUCES
El festival de las luces, Lumiere, ha transformado Londres durante cuatro noches (14-17 de enero). Se realiza para dar la bienvenida al nuevo año y es completamente gratis para el público. Este evento engloba diversas instalaciones lumínicas inspiradas en la arquitectura de la ciudad, y se encuentran situadas al aire libre en zonas como el West End y King's Cross.
Entre los artistas internacionales, que se han hecho cargo de esta espectacular exhibición, están Clearly Connolly (francés), Janet Echelman (estadounidense) y Julie Opie (inglesa). También ha participado Patrice Warrener (francés), conocido por haber iluminado extraordinarios edificios en otros festivales de luces.
La organizadora de este festival ha sido Artichoke, una compañía creativa encargada de invadir espacios públicos para darles otro enfoque.
Judith Martín
jueves, 14 de enero de 2016
Corrección política en los museos
Los responsables del departamento de Historia del RIjksmuseum de Ámsterdam, se han planteado el proyecto de cambiar numerosos títulos de cuadros en los cuales se emplean palabras que en nuestros días son despectivas y molestas hacia otras personas.
Son palabras como: negro, moro, esquimal, indio, enano… Admiten que su plan no es fácil, ya que por ejemplo, la búsqueda de otras palabras supone dar con apelativos precisos para los miembros de grandes poblaciones aborígenes que han pasado a la historia del Arte sólo como indios, sin distinción de su tribu original.
Este museo espera haber cambiado para mediados de 2016, los títulos de cerca de 300 dibujos, grabados o lienzos conflictivos.
Por ejemplo, en este cuadro se ha cambiado el título de “Jovencita negra” por el de “Mujer con un abanico”.
Otro ejemplo es el cambio de “Esquimal”, ya que esta palabra es el nombre común para los distintos pueblos indígenas de zonas árticas y de Siberia, y se debe investigar acerca del grupo étnico exacto al que pertenecen, lo que supone algo de dificultad.
Por una parte, me parece buena idea que se cambien estos títulos que tienen connotaciones colonialistas, racistas… pero por otra parte también sería importante conservar los títulos originales, para conocer cómo era esa sociedad en ese momento y conocer más su pensamiento.
Puede ser que esto sea el reflejo de que hay una mala conciencia de los europeos con su pasado histórico y sea una forma de “reconciliarse”. Igualmente, hay que estar atento con estos cambios, ya que las sociedades y los lenguajes cambian a lo largo del tiempo, y lo que hoy pueda ser políticamente correcto, mañana no lo sea.
Aurora García
miércoles, 13 de enero de 2016
El Bosco
La muestra se dividirá temáticamente en cinco secciones, y una sexta de destinará a sus dibujos. De entre las obras seleccionadas, 25 son cuadros pintados por el Bosco, 9 realizados por su taller, y el resto de otros pintores correspondientes a su época.
Este acontecimiento es de gran relevancia al creerse que nunca más se podrán reunir esta cantidad de obras en un solo sitio. Se considera que esto ha sido uno de los retos más importantes que ha adquirido este museo.
Se podrán apreciar cuadros como “El tríptico de San Antonio”, “La adoración de los magos” y “El jardín de las delicias”. La exposición comenzará desde mayo hasta septiembre de 2016.
Cecilia Cordero
martes, 12 de enero de 2016
SALVACIÓN ARTÍSTICA
Rossy de Palma, es una actriz española que se dio a conocer como "chica Almodóvar" en películas de dicho director como Mujeres al borde de un ataque de nervios o La flor de mi secreto. Fue "descubierta" por Almodóvar en un bar y desde entonces ha sido el objetivo de muchos de los grandes de la moda y el cine el capturarla. El mismo Almodóvar la describió como "una belleza cubista" debido a sus rasgos tan peculiares (grandes párpados asimétricos, figura voluptuosa). El pasado 9 de diciembre realizó un monólogo titulado 'Resilienza d'Amore'. Resiliencia es un término psicológico que hace referencia a la capacidad de hacer frente de manera positiva en los eventos traumáticos para
reorganizar positivamente tu vida y reconstruir las cosas positivas de esta, sin dañar tu identidad. Esto es sobre lo que ella habló en su monólogo aquel día, dando las gracias al arte por haber hecho posible la obtención de esta capacidad. Gloria Chulilla
ANIMALES CINÉTICOS
Hasta el 17 de enero, el Espacio
Fundación Telefónica acoge 12 obras de
Theo Jansen en una exposición llamada “Asombrosas criaturas”. Jansen fusiona
arte e ingeniería, creando así la estructura de estos extraños “animales”,
creados con tubos inspirados en el cableado eléctrico típico de los Países
Bajos y botellas de plástico, y utilizados para remover la arena de las playas.
El mecanismo es el siguiente: las estructuras remueven la arena, la lanzan al
aire y el mismo se encarga de depositar la arena en las dunas, ayudando así a
su conservación. Para la construcción de los animales el artista utilizó un
programa informático que le indicaba cuál era el tamaño perfecto para las
extremidades de estos. Existe una especie de darwinismo en estas criaturas: las
mejor construidas sobreviven mientras que las más débiles no duran mucho
tiempo, además, algunas de ellas tienen partes vestigiales que el artista
elimina al hacer criaturas nuevas porque no ayudaban al animal en su entorno. Beatriz Casas
Theo Jansen from Salazar on Vimeo.
viernes, 8 de enero de 2016
Las copias de Rubens y Van Dyck
Pablo Abril
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