lunes, 27 de abril de 2015
lunes, 20 de abril de 2015
El Museo de Reina Sofía recibe a Guzmán con los brazos abiertos
Federico Guzmán aparece en el Palacio de Cristal del Parque del Retiro para presentarnos su exposición: “Tuiza. Las culturas de la jaima”, organizada en colaboración con San Sebastián (ciudad española)
Guzmán lleva años admirando la cultura saharaui, desde que empezaron los Encuentros Internacionales de Arte y Derechos Humanos del Sahara Occidental. De esa admiración ha surgido una jaima beduina llamada Tuiza.Dicha jaima es diferente a todas las que hemos visto siempre, pues está construida con los melhfas, vestidos tradicionales de las mujeres saharauis, que ellas mismas han pintado y teñido.
La decisión de que las paredes fueran melhfas es debida a que Guzmán se quedó impresionado y sobrecogido con la historia que le contó una poetisa saharaui. Esa historia hablaba de como las mujeres saharauis para cuidar a sus familias del sol, colgaban sus vestidos en un árbol proporcionándoles sombra, mientras huían de sus casas con lo puesto, por los bombardeos a los que estaba expuesta su ciudad. Por otra parte, el techo está realizado con benias (tejido acrílico fino, resistente y decorado con motivos geométricos multicolores) y en el interior se pueden ver cojines, alfombra de rezo, un baúl beduino, juegos de té, incienso, pufs y asientos forrados de brocado.
La jaima se ha convertido en un lugar de reunión para intercambiar información cultural de manera oral. Allí se funden dos formas de afrontar una construcción y dos periodos históricos distintos, por un lado el popular y nómada que opta por la igualdad de culturas; y por otro, el de la construcción de hierro y vidrio de finales del siglo XIX, época de utopías y de desigualdades sociales.
Tamara Pérez
domingo, 19 de abril de 2015
Los diez mejores besos de la historia del arte
1.- "El beso" de Gustav Klimt
2.- "El Beso", de Rodin
3.- "Los amantes II" de Rene Magritte
4.- "Los amantes de Ain Sahkri",
5.- "Beso frente al Hôtel de Ville, París" de Robert Doisneau
6.- "Eros y Psique", Antonio Canovas
7.- "El beso de Times Square", Alfred Eisenstaedt
8.- Erastes y Erómeno,
9.- "Beso de la hermandad"
10.- "Policias besándose", Banksy
Silvia Jarque
Un Greco robado por los nazis es recuperado y devuelto a sus propietarios
Un cuadro de El Greco, perteneciente a un industrial vienés y capturado por la Gestapo en Viena en 1938, ha sido devuelto a la familia de su antiguo propietario después de un proceso de rápida recuperación.
Se trata de la pintura «Retrato de un caballero», un lienzo del que se sabe que fue vendido en la década de los 50 a un intermediario en Nueva York, pero los intentos de llegar a él no tuvieron éxito y el óleo cambió de manos varias veces en los últimos sesenta años, hasta que por fin ha sido recuperado.
Según expertos, el cuadro representaba a los herederos del antiguo propietario, además han asegurado que la recuperación con tanta rapidez se trata de un buen ejemplo de la ayuda que están realizando los coleccionistas de arte para que se puedan recuperar las obras saqueadas por los nazis.
El retrato de El Greco de un hombre con barba, apoyado en un libro con la mano izquierda sobre el pecho y una mirada profunda, reflexiva, que colgaba sobre el aparador en el comedor de la casa de los Priesters antes de la Segunda Guerra Mundial
Silvia Jarque
lunes, 13 de abril de 2015
VELÁZQUEZ VIAJA A PARÍS
Cuando Manet vio por primera vez las Meninas de
Velázquez, se rindió a los pies de aquel cuadro. Un siglo después, los
parisinos se vuelven a rendir ante el gran Velázquez en una exposición en el
Grand Palais de París. La exposición está compuesta de cuatro secciones que
recorren la vida de Velázquez y van mostrando a los visitantes las incontables
maravillas de un pintor que era moderno para los pintores del S.XIX pese haber
nacido dos siglos antes.
En ella se puede observar la evolución pictórica del
autor desde la Andalucía del siglo XVII, de una Sevilla cosmopolita y
trasatlántica hasta sus últimas obras como pintor de la corte, con la serie de
las infantas. Pasando por las facetas “naturalistas”
y “picarescas”de un Velázquez que
comenzaba a convertirse en un gran maestro de su tiempo o la “Venus del espejo”.
Sin lugar a dudas, una exposición única que ha
conseguido acercar a los parisinos obras únicas que de no ser por ellas, la
pintura francesa no sería lo que es y el arte seguiría anclado en el reflejo
fiel de la realidad.
Pablo Edo
viernes, 27 de marzo de 2015
Los caprichos de Goya y Dalí «conversan» en el Instituto Cervantes de Nueva York
Los caprichos de Goya son célebres, pero los de Salvador Dalí son prácticamente desconocidos, y ambos dialogan desde este el 7 de marzo en el Instituto Cervantes de Nueva York, un lugar donde se muestran a dos de los pintores españoles más geniales de la historia.
"El sueño de la razón produce monstruos", de Francisco de Goya es uno de sus más célebres grabados. Y Dalí, amante y retratista de lo onírico, no pudo más que rendirse a pintar, entre 1973 y 1977, sobre la obra de Goya sus propias pinceladas a veces obscenas, a veces irónicas, que pasaron desapercibidas en su carrera.
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Las obras de uno y otro pintor, se exponen en Manhattan en sencillo diálogo (arriba los originales de Goya y abajo las reinterpretaciones de Dalí) y estarán visibles hasta el 4 de abril.
La vigencia del Goya más caricaturesco y libre brilla por sí sola. Escenas macabras, con caras desencajadas de una España llena de miseria y superstición y perseguida por la Inquisición.
"El sueño de la razón produce monstruos", de Francisco de Goya es uno de sus más célebres grabados. Y Dalí, amante y retratista de lo onírico, no pudo más que rendirse a pintar, entre 1973 y 1977, sobre la obra de Goya sus propias pinceladas a veces obscenas, a veces irónicas, que pasaron desapercibidas en su carrera.
A muchos de ellos les dio color, les introdujo mucha fantasía y hasta les cambió los pies de página. Pero hubo uno que lo dejó igual, apenas le introdujo un poco de color: era el "El sueño de la razón produce monstruos".
Las obras de uno y otro pintor, se exponen en Manhattan en sencillo diálogo (arriba los originales de Goya y abajo las reinterpretaciones de Dalí) y estarán visibles hasta el 4 de abril.La vigencia del Goya más caricaturesco y libre brilla por sí sola. Escenas macabras, con caras desencajadas de una España llena de miseria y superstición y perseguida por la Inquisición.
Lo que hace Dalí es una revalorización en términos del siglo XX, después de haber vivido dos guerras mundiales. Ironiza y a la vez respeta la idea de Goya.
Curiosamente, esta exposición se abre poco después de que se surgieran 20 años sin "Los Caprichos" de Goya en Nueva York. “Los caprichos" quedó patente el año pasado gracias a los coleccionistas estadounidenses que los recuperaron en una subasta.
Silvia Jarque
domingo, 22 de marzo de 2015
DALÍ Y PICASSO, LOS AMIGOS ENFRENTADOS
La exposición solo se podrá visitar en Barcelona con el objetivo de que los amantes del arte catalanes y los que visiten la ciudad durante estos días hagan suya la exposición, “Al igual que Dalí y Picasso se hicieron suya, durante un tiempo, la ciudad de Barcelona”. En ella, se podrán observar pinturas, dibujos, collages, esculturas y grabados, para argumentar la relación entre los dos gigantes del siglo XX y a su vez se destacará la admiración de ambos pintores por Goya y Velázquez.
La propuesta de la exposición deriva de la publicación de un libro con las cartas que se escribieron ambos pintores durante toda su larga vida, pues aunque no tengamos ninguna foto de ambos juntos, su vida siguió un destino paralelo, especialmente remarcado con su encuentro en París.
Pablo Edo
jueves, 19 de marzo de 2015
El museo Kunstmuseum cede 176 obras maestras a España
El museo Kunstmuseum, localizado en Basilea (Suiza), es considerado actualmente como uno de los más importantes a escala mundial debido a la extensa colección que este guarda, así como a la gran diversidad e importancia de la misma, ya que desde el siglo XVI esta institución se ha dedicado a albergar en su interior muchas de las grandes obras de arte.
Debido a una reforma y ampliación del mismo, el museo ha decidido ceder de forma gratuita 176 obras maestras a España, 10 de ellas, pertenecientes a Picasso, han sido expuestas en el Museo del Prado como La pareja, Mujer con sombrero sentada o Los dos hermanos; mientras que las 166 restantes han sido destinadas al Reina Sofía, las cuales se han expuesto bajo el título de Fuego Blanco constituyendo un recorrido por las principales vanguardias europeas con obras de autores como Picasso, Munch, Le Corbusier, Rothko o Warhol.
Sara Jáñez
domingo, 15 de marzo de 2015
LIMA SIN PINTURAS
El pasado jueves, 12 de marzo de 2015, el alcalde de Lima, Luis Castañeda, anunció que serían borrados todos los murales del centro histórico de dicha ciudad. Elliot Túpac asegura que es por una rivalidad política, pues se realizaron cuando estaba en el ayuntamiento Susana Villarán. Estas pinturas serán sustituidas por el color amarillo (color de la nueva agrupación política), que cubrirá pronto los edificios abandonados, en mal estado y privados de ese centro histórico.
Esos murales fueron elaborados por peruanos y extranjeros, destacando los nombres de Entes, Pésimo y Elliot Túpac (jóvenes muralistas peruanos), en sitios donde no estorbaban, es decir, que no se realizaron en ninguno de esos 608 monumentos históricos que hicieron posible que el centro de Lima fuera patrimonio mundial, proclamado por la UNESCO. Por ello muchos ciudadanos están indignados por la sentencia de su alcalde y dicen que se deberían preservar por su originalidad. Por dicha indignación, muchos jóvenes se organizaron en grupos y se reunieron alrededor de algunos murales para evitar su desaparición y la aparición del color del partido Solidaridad Nacional.
¿Se deberían tapar los murales? Si los murales se realizaron por personas que no podían tener acceso al arte ¿de verdad deberían ser eliminadas esas obras de arte callejeras?
Tamara Pérez
domingo, 1 de marzo de 2015
El IS destruye las reliquias asirias de Mosul
(Retiramos el vídeo de los hechos porque no queremos contribuir a la difusión de la ignorancia o del morbo)
El IS cuya principal fuente de ingresos procede de la venta del petróleo y el control de las plantas petrolíferas ha colgado un nuevo vídeo en la red, donde se muestra como en Mosul, la segunda ciudad de Irak, varios hombres derriban, golpean con mazas, trituran y taladran esculturas de la civilización asiria que hasta ahora permanecían expuestas en el museo de la ciudad o en las ruinas de la ciudad de Nínive, o la quema de numerosos libros de la biblioteca como de la universidad.
La mayoría de las obras saqueadas en los principales edificios de la región han sido vendidas para su financiación, mientras que han destruido todas aquellas que no han podido vender.
Con este vídeo aseguran las autoridades que su objetivo es influenciar y controlar a la población para conseguir nuevos miembros a su organización.
El patrimonio destruido pertenece a la civilización asiria, que ocupó el norte de la antigua Mesopotamia entre el 1813 a.C. y el 609 a.C.
Marcos Nadal
Marcos Nadal
miércoles, 25 de febrero de 2015
Arte con plátanos
Desde que Andy Warhol inmortalizase el plátano como uno de los símbolos por excelencia del Pop art, no habíamos vuelto a ver a nadie convertir este alimento en arte. El holandés Stephan Brusche puede transformar esta fruta en arte con un toque muy original. El artista utiliza la piel del plátano para crear divertidas formas o para emular grandes obras de arte como La Creación de Miguel Ángel o el precioso Beso de Klimt. En este recorrido de arte culinario nos topamos con el mismísimo Homer Simpsons, Los Beatles o Marilyn Monroe.
Samuel Ortiz
lunes, 23 de febrero de 2015
El Museo de Goya saca a la luz una obra hasta ahora desconocida del artista aragonés
El cuadro es una de las obras que podrá verse por primera vez a partir del próximo 26 de febrero de 2015, dentro de la exposición temporal ‘Goya y Zaragoza (1746-1775). Sus raíces aragonesas’, que se inaugurará con la reapertura del Museo Goya.
Se trata de un óleo sobre lienzo (83,7 x 58,30)que muestra una delicada escena sobre un fondo neutro de una virgen joven de belleza marmórea que mira con dulzura a un niño Jesús rollizo que flota entre paños. Es un cuadro muy temprano del artista que se relaciona estilísticamente con la pinturas murales de Aula Dei; se estima que la obra pudo pintarse entre 1772 y 1774.
Desde el punto de vista estilístico, la obra presenta "recursos que son absolutamente propios, como el rigor y precisión de la pincelada, el colorido o el toque subraya cómo plasma una iconografía como la de la Virgen y el niño de una forma original y única, así como el naturalismo tanto en la ejecución de las figuras como en la expresión de los sentimientos "que son muy fuertes, eso es absolutamente de Goya". Dice la jefe de conservación de Pintura del Siglo XVIII del Museo del Prado,
Las radiografías realizadas durante la fase de estudio revelaron que el lienzo había sido reaprovechado, y en él se había pintado previamente la figura de San Francisco de Paula, también de medio cuerpo.
Se cree que la obra tuvo que haber sido un encargo por alguien que lo iba a pagar, seguramente para algún patrono de Zaragoza o alguien del mundo religioso". En la actualidad es propiedad de un coleccionista que la adquirió en 2010 hasta este momento.
Silvia Jarque
miércoles, 18 de febrero de 2015
LA REAL FÁBRICA DE TAPICES CONSIGUIÓ SACAR EL GOYA MÁS COSTUMBRISTA
No tenía ni 28 años cuando en 1774 Goya se trasladó a Madrid para trabajar como pintor de la Real Fábrica de Tapices y realizar así los bocetos de los tapices que recorrerían las estancias de El Escorial y el Palacio del Pardo. Se trata de 63 dibujos coloreados que como el Director del Prado, Miguel Zugaza reconoció, “no son simplemente plantillas para tapices, sino obras maestras complejos por derecho propio”, que consiguieron consolidar al pintor en las cortes de Carlos III y IV.
Los enormes dibujos animados - ricos en detalle, de varias capas, y haciendo uso de la perspectiva para invitar al espectador en el centro de la composición - son prueba de que Goya era "mucho más que un grabador de las tradiciones y la vida cotidiana de las personas de Madrid "y que estas piezas son obras de arte.
Ahora, estos cartones han sido recogidos por el museo del Prado y serán expuestos en una de sus salas hasta el próximo 3 de mayo, para mostrar una vez más la grandeza del pintor aragonés y la maestría de los restauradores, que tras limpiar y radiografiar los cartones nos demuestran que para ver bien tenemos que frotarnos los ojos.
Pablo Edo
martes, 10 de febrero de 2015
“SAN JUANITO” DE ÚBEDA: EL INFANTE DE MIGUEL ÁNGEL
Corría el año 1936, cuando un grupo de anarquistas de la Sección Ferroviaria de Linares de la CNT entraron en la Capilla del Salvador de Úbeda (Jaén) y dejándose llevar por el anticlericalismo que se había desatado en los albores de la Guerra Civil, quemaron y destruyeron todos aquellos símbolos religiosos que encontraron en su camino, sin respetar ni siquiera un retablo de Berruguete (fue arrancado y quemado) y una escultura de Miguel Ángel que representaba a San Juan Bautista niño (fue destrozada en 17 pedazos). La obra de juventud del artista fue donada por el duque de Florencia, Cosme I de Medici, a Francisco de los Cobos, secretario del emperador Carlos V, quien la envió a España y la incluyó en su sepulcro personal en Úbeda.
En 1994 los 17 fragmentos viajaron hasta Florencia, donde el Opificio delle Pietre Dure aceptó el difícil reto de restaurar la obra y fragmento a fragmento fueron uniendo con plexiglás y resina al pequeño Miguel Ángel, al que muchos ya llaman el “antecesor del David”. Finalmente, se limpiaron los fragmentos originales con láser, dejando a San Juanito lo más parecido a las 17 fotografías de las que se extrajo información para su reconstrucción.
Tras la delicada y compleja intervención, realizada con la última tecnología de reconstrucción volumétrica láser 3D, y después de su exhibición en Florencia y Venecia, Il San Giovannino di Úbeda regresa a España y visitará el Museo del Prado antes de su traslado definitivo a su lugar de origen en Úbeda.
Pablo Edo
miércoles, 4 de febrero de 2015
Graffiti social
El artista Kaler Ockerman (Mear One) es uno de los principales difusores de este tipo de movimiento. En sus muros plasma la crítica de esta sociedad y nuevo orden mundial mediante el uso de su mejor pincel, el aerosol. Su última obra realizada recientemente muestra a la perfección las características de esta sociedad contemporánea basada en el capital, su tema preferido es el manejo de la sociedad por parte de los llamados Illumunatis (clase social superior la cual dicta las directrices de nuestro planeta).
Esto es un claro ejemplo de que el arte de "las pintadas" no sólo es vandalismo e ilegalidad, sino que incide mucho más sobre la actualidad mundial y sus problemas, a pesar de la postura favorable y positiva del propietario del muro y observadores, su último mural más importante fue censurado y borrado. Parece ser que al grupo moderado no le gusta que le critiquen.
(mural censurado primera imagen)
Diego García
martes, 20 de enero de 2015
Nueva adquisición del Museo de Sorolla
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| Vista de sala con Retrato de Don Juan Antonio García del Castillo, 1887 Foto Sonia Aguilera |
El 'Retrato de Don Juan Antonio García del Castillo' (1887) ya se encuentra en la sala de retratos familiares del Museo Sorolla de Madrid. La obra del pintor valenciano ha sido adquirida por el Ministerio de Educación, Cultura y Deporte por 135.000 euros. Junto a ella se han presentado otros cinco cuatros de Joaquín Sorolla depositados temporalmente en el museo por coleccionistas privados.
El lienzo permanecerá expuesto al público hasta el próximo 1 de febrero para posteriormente volver a las salas, donde se expondrá junto al retrato de su hermana. La adquisición de esta obra enriquece la importante colección de retratos familiares que conserva esta institución.
Sorolla realizó este retrato de su amigo y cuñado en 1887, a quien lo dedicó: “A mi querido amigo Tono”. El joven aparece elegantemente vestido con el traje de etiqueta que llevó en su boda. Tanto en la técnica como en las referencias visuales, Sorolla dibuja un rostro nítido, utiliza su mejor carácter pictórico en el tratamiento de tonalidades del traje negro y en el fondo claro que inunda de luminosidad.
El Museo Sorolla ha presentado cinco cuadros más del pintor valenciano que recientemente han sido depositados en la institución por varios coleccionistas particulares y que permanecerán expuestos temporalmente.
Los lienzos El bote blanco. Jávea, Sombra del Puente de Alcántara. Toledo y Playa de Valencia, procedentes de una colección privada estadounidense, serán depositados en el Museo Sorolla a partir de la próxima semana, tras su paso por la Fundación Mapfre, donde han formado parte de la exitosa exposición Sorolla y Estados Unidos.
Arancha Pons
Velázquez, Da Vinci o Goya ya pueden tocarse en el Prado
Las obras 'Noli me tangere' de Correggio, 'La fragua de Vulcano' de Velázquez, 'El quitasol' de Goya, 'La Gioconda del Taller' de Leonardo da Vinci, 'El caballero de la mano en el pecho' del Greco y 'Bodegón con alcachofas, flores y recipientes de vidrio' de Van der Hamen, podrán tocarse en relieve, estas van dirigidas a personas con algún tipo de discapacidad visual que se ha presentado el día 19-01 en el Museo del Prado, de la mano de la Fundación AXA y con la colaboración de la ONCE.
Los lienzos seleccionados son seis imágenes en relieve correspondientes a diferentes géneros y estilos artísticos que abarcan desde la pintura religiosa, la mitología y la escena costumbrista hasta el retrato y la naturaleza muerta. La reproducción en relieve de estas obras, desarrollada a partir de fotografías en alta resolución a las que se confieren texturas y volúmenes de hasta seis milímetros.
Silvia Jarque
jueves, 15 de enero de 2015
DOBLE "FACHADA" PARA LA CATEDRAL DE SEVILLA
La fachada de la Catedral de Sevilla deseosa de volver a sus antiguos ropajes
La catedral de Sevilla desde 2006 hasta hoy ha intentado volver a su diseño anterior. Antiguamente, era una mezquita almohade llamada Ben Basso, del S.XII, que mandó construir Abu Yacub, la cual tenía un color blanco. Conforme pasaron los años la mezquita se convirtió en catedral y esta fue demolida y cambiada por un edificio religioso de formas góticas. A lo largo de los años, la catedral siguió cambiando hasta que, en la restauración del S. XX, le pusieron una capa de cemento a la que se le añadió una mano de pintura amarillenta.
Actualmente, en la catedral de Sevilla, no se conservaban muchos restos del arte islámico, exceptuando la fachada norte. Por otro lado, todo el muro tiene ocho siglos de antigüedad, pues este no se cambió, sino que fue aprovechado por los cristianos.
Ahora desean que vuelva a tener el mismo aspecto que en el S. XII y lo primero que reconstruyeron fue la Giralda (alminar de la antigua mezquita convertido en campanario). Lo último en elaborar fue la fachada norte, acabada el 31 de diciembre de 2014 haciendo que la catedral ofrezca un aspecto muy parecido al que debió tener el muro de la catedral hasta la época de la Revolución Francesa, cuando la revistieron de una capa de ocre con juntas blancas, obra que se detuvo debido al temor de lo que estaba ocurriendo en Francia.
El Cabildo de la Catedral de Sevilla desea conservar al máximo lo que queda de la mezquita de Ben Basso, a diferencia de la actitud del Obispado de Córdoba, el cual está empeñado en borrar el pasado islámico de la Mezquita de Córdoba.
Tamara Pérez
SEVILLA VUELVE A SENTIRSE ORGULLOSA DE SU PASADO MUSULMÁN
Nueve años han tardado los restauradores en recuperar el pasado musulmán de la portada norte de la Catedral de Sevilla, de liberarse de sucesivas “curas” aplicadas durante el siglo XX que han “maltratado” su belleza para recuperar el aspecto que tenía en 1793. Este lateral, en el que se ubica la puerta del Perdón, da acceso al patio de los Naranjos, marca del pasado musulmán de la Seo y que ocupa más de un 50% de la superficie total del templo.
A modo de palimpsesto, el arquitecto Alfonso Jiménez ha recuperado la historia de la mayor catedral gótica del mundo, erigida sobre la mezquita almohade que mandó construir el califa Abu Yacub en el siglo XII. La obra, que ha costado casi 4,5 millones de euros, da la vuelta a la fachada y deja ver en sus muros desnudos una superficie blanquecina de 10.221 metros cuadrados en la que se combina el ladrillo con el tapial.
Esta reforma ha despertado el recelo del obispado cordobés, quien pretende eliminar el pasado islámico de la Mezquita-Catedral de Córdoba.
Pablo Edo
lunes, 12 de enero de 2015
El arte ruso llega a Málaga
El edificio de Tabacalera de Málaga acogerá a partir de marzo una sede del Museo Estatal Ruso de San Petersburgo. La exposición anual de la colección contará con un centenar de obras de autores como Kandisky, Chagall, Malevitch y Tatlin; mientras que las dos muestras temporales de 2015 tendrán como protagonistas a Diaghilev y a Pável Filonov.
El nuevo museo contará con tres exposiciones al año, una anual de la colección y dos temporales.
La primera, que además inaugura el museo, se titula Arte Ruso de los siglos XV-XX y contará con un centenar de obras que proponen una amplia panorámica del arte ruso, desde los iconos del siglo XV hasta el realismo soviético. Entre los artistas destacados se encuentran Alexey Venetsianov, Carl Brulov, Alexander Ivanov, Isaak Levitan.
Samuel Ortiz
sábado, 10 de enero de 2015
UNA MUJER QUE HACE ARTE CON LAS PRÓTESIS QUE FABRICA
Sophie de Oliveira Barata es una mujer que vive en el norte de Londres y antiguamente se dedicaba a realizar extremidades artificiales en una empresa. Ésta era muy buena imitando los miembros reales y estaba especializada en la realización de prótesis para efectos especiales en películas y para la televisión.
No obstante, Sophie de Oliveira Barata conoció a una niña que decía que quería algo diferente en su prótesis y, tras la realización de una serie de dibujos en ésta, Shopie pensó que podría elaborar prótesis únicas, convirtiéndolas en objetos de diseño, en obras de arte, cuyos materiales y formas fueran en cada prótesis distintas y “ reflejaran el alma del dueño”; además lo que pretende es que todos los los que sufren la pérdida de una extremidad enseñen con orgullo la artificial y que se sientan mejor. Así empezó su nuevo trabajo, creando de The Alternative Limb project.
Actualmente Sophie tiene su estudio en Harlesden en el que realiza miembros realistas, pues imita la textura de la piel, las uñas, las venas, las arrugas... y también fabrica los miembros “alternativos” que son las prótesis singulares. A ese estudio pueden acudir si lo desean los clientes para a ver como se crea su extremidad artificial.
Tamara Pérez
jueves, 8 de enero de 2015
David contra el terremoto Goliat
Más de cuatro metros de mármol se sustentan en dos finos tobillos. La magia de las obras de Miguel Ángel es también el gran riesgo para la pervivencia de sus inmortales creaciones al menos con la figura del David, cuyo mármol está agrietado en los tobillos a causa de las vibraciones del suelo toscano por ello el Ministerio de Cultura italiano, preocupado por los últimos análisis sobre la conservación de la escultura, ha decidido proteger a David de los temblores del suelo toscano instalando urgentemente un pedestal antisísmico.
Un estudio llevado a cabo conjuntamente por el Consejo Nacional Investigador de Italia (CNR) y la Universidad de Florencia, publicado por la revista «Journal Cultural Heritage», determinó que la inclinación de la escultura ya alcanza los 5 grados sobre su posición original.
El arquitecto Fernando De Simone, que desde hace años aconseja que el David sea trasladado a otra sede, el pedestal antitemblores no servirá para proteger a la pieza de terremotos, informa Efe. De Simone asegura que la Galería no está equipada con todas las normas antisísmicas, aunque ha sido sometida a mejoras, por lo que en caso de terremoto podría derrumbarse.
Miguel Ángel ya sabía cuando la terminó que su figura no era perfecta. El artista italiano tomó un bloque de mármol para trabajar que estaba originalmente previsto para otra pieza y a pesar de ello se enfrentó a él para extraer una figura que, irónicamente, se considera un referente de la representación de la anatomía humana. Miguel Ángel se enfrentó a la piedra y arrancó de ella la colosal figura pero no pudo evitar algunos imperceptibles defectos como es la ausencia de masa en la espalda del David, entre la columna vertebral y el omóplato derecho, contribuye a una imperceptible inestabilidad de la figura, por ello ha sido necesario varias restauraciones.
Miguel Ángel quería demostrar que era el mejor escultor del mundo. Y lo consiguió con la Piedad y con el David cuando todavía era muy joven. Esta última pieza fue esculpida a la medida de su ego y grandeza. Las propias dimensiones que conserva dan idea del monumentalismo que pretendía dar a la figura. El objetivo no era, solamente, demostrar su maestría técnica. También crear un gigante que provocara admiración entre la población.
Las obras de Miguel Ángel son inmortales, pero el material con el que las hizo, no.
Silvia Jarque
miércoles, 7 de enero de 2015
LUCES ESPAÑOLAS EN AMSTERDAM
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| Foto de las autoras |
Durante el 13 de diciembre, se ha desarrollado el festival de la Luz en Ámsterdam, cuya finalidad ha sido decorar calles y canales del centro de la capital holandesa con obras de artistas tanto internacionales como nacionales, donde podemos destacar varios españoles, autores de piezas centrales e interactivas. Bajo el lema “Una ciudad brillante” reúne 39 piezas artísticas seleccionadas por un jurado entre más de 260 obras. Este festival ofrece dos alternativas para ver las distintas obras, uno en barco por los canales (Water Colors) y otro a pie por el centro de la ciudad (Iliminade)
La pieza española se titula “Light Flow”, esta propuesta está desarrollada por las diseñadoras especializadas en iluminación arquitectónica, las españolas Lola Solanilla y Marga Vicens, la francesa Fabienne Cuny y la brasileña Carla Jardim.
Jardim definió la obra como "una representación poética" que consiste en "una ola de luz en constante movimiento que suspendida a escasos centímetros del agua crea una serpentina luminosa que se desborda en su superficie".
Marcos Nadal
sábado, 20 de diciembre de 2014
SOTS ART DONDE MIKEY MOUSE SE VUELVE COMUNISTA
“Si el Pop Art surgió como una reacción a la superproducción de bienes de consumo y de su publicidad, el Sots Art, nace de la superproducción de ideología y propaganda”.
Cuando Andy Warhol reprodujo cientos de latas de sopa la gente reaccionó ante tal exposición y se sorprendió por el uso de elementos de consumo, algo muy común en la sociedad norteamericana, en el arte. Varios años después, los vecinos del bloque comunista decidieron reaccionar ante tal expresión artística e incorporaron a esta nueva forma de arte algo de lo que ellos iban sobrados, imágenes de líderes políticos, dando lugar así al Sots Art.
La colección Post Pop: East meets West presenta desde el pasado 15 de diciembre en la galería Saatchi de Londres una recopilación de las mejores obras de este arte que consiguió fusionar algo tan propio de la cultura capitalista, el arte pop, con los iconos propios de la cultura comunista.
En la exposición se pueden observar un conjunto de 250 obras, firmadas por más de cien autores, que varían desde la combinación de un busto en bronce de Josef Stalin con Marilyn Monroe- obra del ruso Leonid Sokow- , la sustitución del martillo por el símbolo del dólar en el emblema comunista, la seriación del Mao o una figura que une los personajes de Lenin, Mickey y Jesucristo con los brazos entrelazados.
Pablo Edo Castro http://cultura.elpais.com/cultura/2014/12/15/actualidad/1418639523_246130.html
http://www.saatchigallery.com/current/postpop.php
miércoles, 17 de diciembre de 2014
DOS SOROLLAS A LA VENTA
El pasado miércoles, 10 de diciembre, se subastaron en la casa Sotheby's (Londres), una serie de cuadros de Joaquín Sorolla entre los que destacó Vuelta de la pesca y Triste herencia cuyos precios de venta alcanzaron cerca de los tres millones y 230.000 euros respectivamente.
Aludiendo a estos dos cuadros representan paisajes de la playa de Valencia, ya que para Sorolla el Mediterráneo trasmitía una gran positividad y donde la luz y los colores vivos y brillantes obtienen una gran importancia.
Respecto a Vuelta de la pesca, refleja uno de los temas más recurrentes de Sorolla, ya que el acostumbraba a pintar situaciones reales y ésta era una de las más comunes en Valencia, representando así a una serie de pescadores que vuelven de realizar su trabajo.
Triste herencia representa a una serie de niños desnudos jugando en el mar. Este se expuso por primera vez en París en el año 1900, donde obtuvo un gran éxito. A esta obra se le otorga una gran importancia ya que, en primer lugar, en él Sorolla muestra una gran destreza para captar la luz, siendo a partir de entonces conocido como el maestro de la luz. En segundo lugar, este le sirve al autor para cerrar su interés por los temas religiosos y sociales que había plasmado hasta 1890 y dar paso a temas enmarcados en el ámbito valenciano.
Sara Jáñez
jueves, 27 de noviembre de 2014
viernes, 21 de noviembre de 2014
El claustro de Palamós es falso
En el año 2012 se hizo un estudio sobre el claustro de Palamós en el que se concluye que se trata de una construcción del siglo XX con elementos del siglo XII extraídos de las arcadas del claustro de la catedral de salamanca, pero al no saber ni cuántos ni cuáles se decidió no proclamarlo bien de interés cultural. Un año después rectifican y lo nombran bien de interés cultural, este miércoles la Generalitat dio a conocer un nuevo informe en el que se sostiene que el claustro es totalmente falso según el catedrático en historia del arte Eduard Carbonell con argumentaciones como que las muescas que se atribuyen a haber hecho palanca para trasladar los bloque no son otras que las resultantes de la extracción de los bloques de las canteras también dice que no se han encontrado restos de haber usado instrumentos medievales en las tallas, que no hay restos de mortero y además el claustro había sido planteado de una sola vez y usando el sistema métrico decimal actual.
Sergio Nuevo
martes, 18 de noviembre de 2014
LA COTIZACIÓN DEL ARTE ESPAÑOL
Aunque no cuenta con los apoyos institucionales que debería y no se estimula el coleccionismo, según reclaman los expertos, el mercado español del arte crece. En 2013 se registraron unas ventas en galerías y casas de subastas de 336 millones de euros, un 3% más que el año anterior. Se trata del tercer ejercicio consecutivo con un crecimiento débil, y alcanza sus niveles máximos desde el inicio de la crisis en 2008. En los últimos diez años el mercado del arte en España experimentó un crecimiento de tan solo el 68%, un porcentaje discreto si se compara con el 155% de incremento registrado a escala mundial.
Todos estos datos se encuentran en el informe El mercado español del arte en 2014, presentado por la Fundación Arte y Mecenazgo, impulsada por La Caixa.
Los cinco artistas más vendidos el año pasado en España fueron Pablo Picasso, Joan Miró, Juan Gris, Dalí y Eduardo Chillida. Entre los 20 primeros tan solo figuran dos artistas vivos: Manolo Valdés y Miquel Barceló. Por ejemplo, una obra de Picasso, Femme Assise Près d'une Fenêtre, alcanzó los 33,7 millones de euros en una subasta en Londres.
Los precios medios del arte en España, unos 3.000 euros por pieza, se sitúan por debajo de la media europea, especialmente en los sectores modernos, donde los precios globales son siete veces más elevados en mercados como Nueva York o Londres.
Marcos Nadal
viernes, 14 de noviembre de 2014
lunes, 10 de noviembre de 2014
FOTOS CADA AÑO
Cada año, fotógrafos de todo el mundo participan en el concurso Sony World Photography Awards.
Los temas de estas fotografías van desde pequeños detalles de la vida cotidiana a impresionantes escenas de culturas remotas.
En la edición de 2014, la organización ha recibido 139.544 imágenes de 166 ciudades, el mayor número de fotos recibidas en los siete años de historia del concurso. Todas las fotografías finalistas se exhibirán en una muestra en Somerset House en Londres del 1 al 18 de mayo. Los ganadores se darán a conocer en una gala en la capital británica el 30 de abril.
Autora de la fotografía: Melissa Golden
Fotógrafa de EEUU, finalista en la categoría Sociedad: foto tomada tras un tornado en Moore (Oklahoma)
Beatriz Castellot
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