LECCIÓN DE HISTORIA DEL ARTE SEGÚN ROMERO DE TORRES

En una exposición de Julio Romero de Torres se muestra esta curiosa una obra suya: Amor profano y amor sagrado.Hace referencia a la obra con el mismo título de Tiziano y, por la composición de los personajes, al Matrimonio Arnolfini de Van Eyck. La contraposición de los paisajes (idílico en el de Tiziano y acogedor en Van Eyck) con el cementerio, la ruptura de la unión con las manos separadas y la sustitución del perro (fidelidad) por la nada, o la presencia del niño en la obra de Tiziano frente el ataúd de la de Torres (vida/muerte), o la mirada perdida del amor sagrado (abstracción) con la mirada hacia el espectador y un aspecto de "ponerse en marcha" del amor profano, el predominio de colores oscuros y fríos del amor sagrado frente al amor profano (que marcan más la ruptura)...

Rosa Gasque

Día Mundial del Arte

Hace dos años que, como recuerdo de la muerte de Leonardo Da Vinci, se celebra el 15 de Abril el día mundial del arte. Por ello algunos museos tienen este día jornada de puertas abiertas, pero al estar los museos en diferentes ciudades, no es fácil acceder a ver todas las obras. Para ello, Google Arte Project creó una nueva aplicación en la que en un principio había mil obras de arte y hoy, se encuentran 40000. Esto nos permite ver obras de arte a través de la web, pudiendo así ver obras, incluso los detalles y los trazos del pincel acercando la imagen, y obtener información sobre ellos. Con motivo del día mundial del arte, se ha pedido a los directores de algunos museos que hicieran una selección de cuadros para el público.

A esta iniciativa se ha sumado el Banco Interamericano de Desarrollo que ha hecho que Google Arte Project incluya obras de los artistas de América Latina y el Caribe.

Pilar Soler

INFLUENCIAS RAZONABLES 2

Esta urbanización está edificada simulando una fortaleza, con edificios que parecen torres al introducirles almenas. Cada edificio es de un color distinto, pero predominan los tonos amarillos, rojos y azules.
Comparando La expulsión de los demonios de Arezzo de Giotto con Port Saplaya, me di cuenta que en la urbanización predominan los mismos colores que en la obra de Giotto e intenta recordar una ciudad medieval, como la que plasma Giotto.
Es curioso ver cómo se puede reproducir una obra pictórica en arquitectura.

ecordando la obra de Fra Angelico me vino a la cabeza un barrio de Alboraya, Port Saplaya. No sé si tienen mucho que ver...

Rosa Gasque Rubio

El MET de Nueva York recibe una valiosa colección de arte cubista

Una de las donaciones más significativas que ha recibido el Museo de Arte Metropolitano de Nueva York es la de Leonard Lauder que ha entregado a esta institución su colección de arte cubista compuesta por 78 cuadros, dibujos y esculturas.

Entre las obras se encuentran 33 de Picasso, 17 de Braque, 14 de Léger y 14 trabajos de Juan Gris, todas ellas valoradas en más de 700 millones de euros.

"Una colección que convierte al museo en el referente del arte de principios de siglo XX y cuya exposición se inaugurará en otoño de 2014", según han asegurado fuentes de la pinacoteca, quienes también dicen que la colección es una de las más grandes del mundo y la mejor.

Especialistas del New York Time dicen que además estas obras llenan un vacío que había en el  Museo.

Para el director del museo esta colección es algo irrepetible con la que cualquier encargado de un museo sueña, además pujaban otros museos por tener estas colecciones como la Galería Nacional de Arte de Washington.

Para muchos, esta colección también refuerza la posición de la ciudad de Nueva York como referente mundial del arte moderno con cuatro grandes museos. Fuentes del museo han asegurado que van a abrir un centro de investigación sobre este período artístico. Para ello se necesitará una donación de más de 17 millones de euros que también será apoyada por Lauder.

Sandra Juste

ARTISTAS DESCONOCIDOS EN EL PRADO

Historias Sagradas. Pinturas religiosas de artistas españoles en Roma (1852-1864) es una exposición de cinco lienzos, restaurados hace poco por Eva Perales, que se puede visitar en el museo de El Prado hasta el 1 de julio. Son obras de artistas españoles que realizaron pinturas de la corriente nazarena, dentro del estilo romántico, en Roma durante los años centrales del siglo XIX.
La selección de obras, llevada a cabo desde el Departamento de Restauración del Museo, expone unas pinturas que tuvieron gran importancia en su tiempo y en etapas posteriores, ya que muestran una evolución hacia la pintura realista, sentando sus bases. Forman parte de las colecciones del siglo XIX de El Prado, las más numerosas del museo, pero también las más necesitadas de estudio y restauración. Por ello se reservó en el edificio Villanueva una sala para exponer estas obras.
Realizadas en Roma en el siglo XIX, se basan en el descubrimiento de las catacumbas de San Calixto a las afueras de la ciudad. Este hecho influyó en la representación artística, ya que a la hora de representar la vida y muerte de mártires, ya no había que imaginar o inventar, sino simplemente plasmar los lugares reales que se convirtieron en lugar de estudio y peregrinación.
Madrazo está considerado el artista más importante con su obra Entierro de Santa Cecilia en las Catacumbas de Roma. Este pintor ya estaba en Roma cuando se hallaron las catacumbas, sirviendo como primicia a los demás artistas que llegarían a la capital italiana años más tarde. Otras obras que se exponen son: Entierro de san Lorenzo en las Catacumbas de Roma de Alejo Vera, El Descendimiento de Domingo Valdivieso y Tobías y el Ángel, Estigmatización de Santa Catalina de Siena o Doña Isabel la Católica dictando su testamento, de Eduardo Rosales, quien marcará el tránsito entre este romanticismo purista y el realismo.
Siendo uno de los géneros menos considerados en el arte español al disminuir el mecenazgo de los principales demandantes de este tipo de obras, esta exposición pretende devolver su importancia y darlas a conocer, no sólo al público, también a muchos historiadores. 
 http://www.museodelprado.es/exposiciones/info/en-el-museo/presentacion-temporal-historias-sagradas-pinturas-religiosas-de-artistas-espanoles-en-roma-1852-1866/video-con-comentarios-del-comisario/

Rosa Gasque Rubio.

El escultor Alfonso Pérez

Alfonso Pérez, famoso escultor nacido en Catarroja en 1932 y reconocido en todo el mundo, falleció a los 76 años en su pueblo natal. El artista fue enterrado en el cementerio de Catarroja.

Alfonso Pérez nació en Catarroja y con doce años ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia. También cursó estudios en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Carlos que más tarde amplió en la ciudad alemana de Stuttgart, París y Roma. Desde prácticamente el inicio de su carrera, el escultor conoció el reconocimiento público de su obra. En 1957 comenzó a recibir premios y, desde entonces, ha conseguido al menos veinte. Entre ellos destacan el reconocimiento otorgado por el Ministerio de Información y Turismo en 1969, la medalla de oro de la Villa de Catarroja y la de la facultad de Bellas Artes de San Carlos. Además, era doctor en Bellas Artes por la Universidad Politécnica de Valencia. La mayoría de sus obras permanecen expuestas en instituciones como The Eton Art Gallery, en Berkshire (Reino Unido), la Lladró Art Gallery de Nueva York, la Jans Gallery de Amsterdam y en los Palacios de Neue y Solitude de Stuttgart (Alemania). El Ayuntamiento de Valencia organizó en octubre de 2011 en las Atarazanas la muestra Esculturas dedicada a Alfonso Pérez Plaza y en 2005 inauguró Pensadores en el Palau de la Música con 18 esculturas en bronce pulido y patinado.

Cristina García

Van Gogh, Lautrec y Picasso en la constelación Allen

 Cuando hemos visto a Toulouse Lautrec en clase me he acordado de una película que he visto
hace poco: Medianoche en París, escrita y dirigida por Woody Allen. Es una película que recorre los ambientes del París de finales del siglo XIX y principios del XX y muestra a grandes personalidades del Arte y la cultura en general.
Aparece Picasso, Lautrec, escritores, un torero español... En algunas escenas se ven a Lautrec y Picasso.
La portada de la película ya lo dice todo: Noche estrellada de Van Gogh.
Rosa Gasque

El Museo del Prado propone un mapa del dibujo español

Durante mucho tiempo se decía que los artistas españoles del renacimiento y comienzos de la Edad Moderna no dibujaban, sino que ejecutaban directamente sus pinturas. Pero no es así aunque no hay muchas pruebas para demostrar que antes de empezar a pintar, trazaban en primer lugar el dibujo.

Los artistas españoles no eran tan aficionados a guardar sus dibujos como los  europeos, por eso no hay tantas pruebas para demostrarlo. Así se demuestra en la exposición que hoy (20-03-13) se ha presentado en el Museo del Prado, bajo el título El Trazo español en el Britsh Museum. Una relevante selección de 71 obras por primera vez que se pueden ver en España. Los autores de estas obras son Goya, Murillo, Velázquez, Vicente carducha. La exposición es patrocinada por la Asociación de amigo del Museo.

Adil Essaghraoui

EL ARTE EN LA GUERRA, MUSEO GUGGENHEIM

En esta exposición patrocinada por BBVA se puede ver como la guerra interviene mucho en el arte, en la forma de verlo y en la forma de interpretarlo.
Tras la primera Guerra Mundial y hasta la Guerra Fría (entre 1938-1947) los artistas estuvieron bajo una presión política, que les hizo hacer el arte trabajando recluidos en prisiones o campos de concentración; otros ocultos en diversas poblaciones, y los que se quedaron en París lo hacían sin comprometerse demasiado ante el nuevo orden que les oprimía. En la exposición se muestran obras pero con una transición histórica, que realza según el periodo unas características o connotaciones diferentes. Este arte se le denomina, dentro del movimiento artístico surrealista, llamado ‘maldito’. Ante la escasez de los materiales que tenían los artistas tuvieron que realizar las obras con diferentes como cera, cuerdas, papel de embalaje, etc., que abrieron nuevos caminos. Algunos artistas más destacados en esta exposición son: Matisse, Bonnard, Roualt o Picasso que realiza obras como ‘L´Aubade’ o ‘Un Grand’. Esta exposición ha sido expuesta en varios lugares importantes, como por ejemplo Tokio, Nueva York, Francia y muchos más.

María Durbán Bronchud CS2ºB

DIÁLOGOS ARQUITECTÓNICOS

Las farolas situadas en la Avenida de la Conciliación de Roma que conduce hacia la plaza de San Pedro remiten al obelisco central de la plaza barroca.
Fue Marcello Piacentini el encargado. Fue un arquitecto y urbanista italiano del siglo XX, al que se le atribuye la remodelación. La realizó en 1941, en el estilo y la estética urbanística que responde a la
época. Aunque la plaza es del siglo XVII, tres siglos después siguió marcando el aspecto del acceso. Piacentini "leyó" la lección urbanística de Bernini.

Rosa Gasque

EL LABRADOR EN EL PRADO

El anterior día 12 de marzo de 2013 en el museo  del Prado se inauguraron 11 de los 13 bodegones de Juan Fernández de los que se tiene noticia, que  permanecerán en la planta superior hasta el día 16 de junio del 2013. Juan Fernández también conocido como el labrador cuya procedencia es incierta, se cree que pudo  nacer en Cáceres o Badajoz. Su prestigio fue debido a la acción de mercadear con sus obras cuando bajaba a las cortes de Madrid una vez al año, giro en la órbita de Giovanni Battista Crescenzi en tiempos de Felipe III y Felipe IV.

El sobrenombre del labrador proviene de que era un ágrafo y probablemente analfabeto , sentía una obsesión por los racimos de vides, en  sus obras representa racimos solitarios que cuelgan con la inesperada presencia de una mosca, y la elaboración especialmente de bodegones de naturaleza muerta que se impulsaron en ese periodo, causa del olvido sufrido hasta la fecha por la presencia de otro artista de bodegones también español como es la figura de Zurbarán a quien se le atribuirán obras por error pero tras la reciente firma descubierta en el margen del lienzo se ha averiguado su autenticidad. Sus composiciones se caracterizan por la representación de frutas que cuelgan de un espacio que no se sabe de dónde y escenas de penumbra en las que se observan zonas de claroscuro en la que la luz delimita sus formas.

Juan Fernández también tuvo adeptos en Inglaterra que impulsaron y moldearon su trayectoria, la presencia de un increíble Florero marca la ruptura con todas sus obras anteriores. El prado también posee cuatro de sus cuadros que se integraron en la pinacoteca después de la compra en 2006, de la colección de bodegones de Rosendo Naseiro, como parte de un lote que incluía los famosos lienzos del ex tesorero del PP Luis Bárcenas.

Marcos Catalá Santafé

Los museos de Venecia se zambullen en el negocio del arte

Debido a la grave crisis económica por la que estamos pasando la cultura ha sido uno de los sectores más perjudicados por los recortes. En Italia algunos de los grandes centros expositivos italianos el recorte fue de un 12% aunque en algunos casos llego hasta un 50%. Frente a esta situación en Venecia se han tomado nuevas iniciativas como La Fundación de Museos Cívicos que garantiza el futuro de los 11 museos que agrupa, dicha iniciativa enumeró el miércoles en la sede del diario económico milanés “Sole 24 Ore” las estrategias de supervivencia para los centros culturales en el marco económico actual.
El título fue La cultura como instrumento de crecimiento y de inversión y participaron además de Belli, el presidente de la Fundación de Museos Cívicos de Venecia, Walter Hartsarich; Guy Gogeval, director del Musée d’Orsay de París; Donatella Treu, administradora del Grupo 24, y el director del Sole 24, Roberto Napoletano.
Los museos venecianos acogieron en 2012 el 5,4% más de visitas que el año anterior en contraposición con los museos europeos y estadounidenses que sufrieron una disminución del 11%.
La receta de Belli, historiadora del arte y exdirectora del Museo de Arte Contemporáneo de Rovereto se resume en cinco puntos. Uno: reducir los costos de gestión. Dos: revisión de la exposiciones temporales. Tres: rehabilitación de las sedes. Cuatro: ofrecer nuevos servicios. Cinco: dinamismo y alianzas con otros centros internacionales.
Manet:
La exposición más ambiciosa será sin duda “Regreso a Venecia” en las salas del Palacio Ducal, una exposición de Manet con pinturas, dibujos y diseños del Musée d’Orsay, la institución que conserva la mayor cantidad de obras del pintor. Además será una ocasión para ver al Manet precoz influenciado por la pintura veneciana de Tiziano, Tintoretto y Lotto, pero por supuesto sin dejar a un lado la influencia en Manet de artistas de la talla de Velázquez o de El Greco
 “Le grand canal de Venise” de Manet, una de las obras que estará en la exposición en el palacio Ducal de Venecia en abril.

Paula Baigorri

Joan Fontcuberta, primer español galardonado con el ‘Nobel’ de la fotografía

El fotógrafo en una de sus obras en Albarracín

El fotógrafo conceptual Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) no para de sumar premios. Tras los nacionales de Fotografía (1998) y Ensayo (2011), ahora ha obtenido el Premio Internacional de Fotografía Hasselblad 2013, considerado el nobel de esta especialidad, siendo el primer español que lo obtiene en 33 ediciones.
Fontcuberta es el creador de un universo propio en el que la verdad y la mentira están separadas de una línea muy fina. Lo podemos comprobar en algunas de sus series como Herbarium (1984) y Fauna (1987), basadas en la naturaleza, o Sputnik (1997) en las que nada es lo que parece ser y el espectador cree ver lo que no existe. Ni las plantas, ni los animales, ni el astronauta ruso perdido para siempre en el espacio son reales, sino fruto de la invención del artista. Hacer dudar e, incluso, engañar al espectador es uno de sus juegos preferidos. Fontcuberta lleva años cuestionando el papel de los medios de comunicación y la investigación científica.
Al principio cuando se lo notificaron no se lo creía, acabó creyéndoselo cuando se lo confirmaron desde Estocolmo por escrito.
Fontcuberta además de uno de los fotógrafos más reconocidos y prolíficos del momento —en la actualidad tiene dos exposiciones en Barcelona, hoy inaugura exposición en la galería Àngels Barcelona y tiene una cuarta muestra en Mataró—; es escritor, editor y profesor.
En octubre, se inaugurará una exposición en Gotemburgo, con algunas de sus series y se presentará una monografía. “Será un libro doble. Por un lado, Fotografía de la naturaleza mostrará imágenes y textos. Por otro, Naturaleza de la fotografía explicará el proceso de producción de estas obras y su realidad”, ha explicado el fotógrafo. “Espero que el premio no sea una especie de defunción”, dijo junto a la lista de los que lo han precedido, entre ellos, Cartier-Bresson o Richard Avedon. El premio le servirá, aseguró, “para seguir trabajando con la imagen como protagonista, usándola, no complaciente, sino para saber más de nosotros”.
Dotado con 110.000 euros, el premio es fruto de la herencia recibida del industrial y fotógrafo sueco Victor Hasselblad, inventor de la réflex del mismo nombre, que alcanzó fama mundial (y beneficios) cuando en 1969 la NASA escogió la cámara para acompañar a los astronautas a la Luna.

FUENTE: El país 8 de marzo de 2013

Laura Aragonés

PICASSO, EN SUS RAÍCES

Así, como se ve en la fotografía, pintaba a José Ruiz Blasco, Picasso de niño, como un adulto con grandes dotes artísticas. Picasso copiaba a su padre, profesor de dibujo y conservador del Museo Municipal de Málaga, quien enseñó al niño no solo para que siguiera sus pasos sino para que finalmente fuera el mejor.
Algunos cuadros del padre se enfrentan ahora a los del hijo, formando parte de la singular exposición Picasso de Málaga. Obra de primera época. Inaugurada ayer en el Museo Picasso de la ciudad andaluza el cual celebra su décimo aniversario.
No hay que olvidar que Picasso fue hijo de pintor. El primer óleo que se guarda de Picasso es una marina que copió a su padre (que a su vez la había copiado de otro pintor de la época), la pintó con ocho años, a escondidas, debajo de una cama, iluminado por una vela. En una ocasión Picasso le dijo a Brassaï que cuando dibujaba a un hombre siempre pensaba en los rasgos de su padre, del que conservaba como un talismán la paleta y la caja de pinceles que le dejó a su muerte.
Con los años va abandonando a su padre, su pintura y Málaga.

Raquel Sánchez

El Ateneo recibe con “desolación” el veto parcial a la subasta

El Ateneo de Madrid es una institución cultural privada, que cuya mala situación económica llevó a la decisión de la subasta de 15 obras de arte para conseguir financiación. Entre estas obras, se hallan dos series de 80 aguafuertes cada una de Francisco de Goya (además de autores como José Moreno Villa, Manuel Millares, Alfonso Fraile, etc.). Esta actuación fue tomada al no recibir las subvenciones municipales. Tras conocer esta decisión, el Gobierno regional de Madrid se propuso paralizar de manera inmediata la salida a subasta de este lote de obras de arte el 21 de Febrero. Esta subasta quedó suspendida, ya que el Gobierno afirmó que se trataba de Bienes de Interés Cultural y se requería una autorización expresa del Consejo Regional de Patrimonio, de la cual , señalan, la operación carece.
Finalmente, a día 21 de Febrero, saldrán a puja todas las obras establecidas excepto los grabados de Goya, para atajar así sus problemas financieros. Así se deduce tras la decisión adoptada ayer por el Consejo Regional de Patrimonio Histórico. Las obras serán subastadas a partir de las siete del 21 de Febrero en la sala Ansorena de Madrid, siendo algunas de ellas donadas por sus autores recientemente, al tener noticia de las dificultades que afronta el Ateneo. También se han hecho propuestas para mejorar la situación financiero del ateneo, como Jaime Lissavetzky (portavoz del Grupo Municipal del PSOE) que propone integrar el Ateneo en los circuitos culturales del eje museístico-cultural del Prado para incentivar las visitas y mejorar así su situación económica.
http://ccaa.elpais.com/ccaa/2013/02/21/madrid/1361436341_551998.html#sumario_2

Reyes Quiñones

LUKAS HOUDEK: EL ARTE DE MATAR

Tal y como asegura el artista checo Lukas Houdek a la gente de su país le resulta muy fuerte escuchar hablar de este tipo de temas, por eso ha decidido plasmarlo en una serie de figuras representadas por las Barbies y Kent, ya que es una apariencia más familiar que si se hiciera de otra manera.
En sus dioramas, Houdek muestra escenas en las que estos muñecos reproducen los hechos ocurridos al final de la Segunda Guerra Mundial en la antigua Checoslovaquia. Tras la derrota nazi, la población de origen alemán fue expulsada de los Sudetes y los restos del ejército checo, así como muchos civiles con sed de venganza se dirigieron a la zona para resarcirse de una manera brutal. Es un tema muy duro para la población ya que aun sigue levantando polémica y es un tema muy duro de tratar en el país.
Una Barbie desnuda se arrastra lamiendo las botas de un oficial, mientras un soldado la apunta con su fusil; junto a ellos, un Ken de uniforme viola a otra muñeca y una pequeña Stacie contempla cómo su madre se desviste a la fuerza frente a un miliciano. En otra escena, parte del rostro y las manos de una muñeca asoman desde la tierra removida de una fosa común.
Su exposición, titulada 'The art of killing' ("El arte de matar") se inauguró la semana pasada en Praga.
Pienso que es otra manera de contar la historia del país sin que así pueda herirse tan gravemente los sentimientos de la población y poder expresar igualmente lo que se piensa y lo sucedido.
Sergio Anadón

EL NEOBARROCO ARAÑA

Pues sí, no solo Dolce Gabanna se apunta al neobarroco, lo puedes tener en la punta de tus dedos, así de cerca. Y si no que se lo digan a Reyes Quiñones.

El Museo del Prado restaura la tabla francesa 'La Oración en el huerto'

Los restauradores del Museo del Prado, después de un gran esfuerzo, han descubierto un personaje más en la exclusiva tabla francesa del siglo XV, "La Oración en el huerto", que lucirá hasta finales de abril en la sala 58 A de la pinacoteca. La restauración de esta pieza la convierte en una “pequeña joya” de gran relevancia histórica ya que es la única pintura en tabla en la que se conserva la imagen de Luis I de Orleans.
Cuando esta pieza estaba en proceso de restauración se descubrió que bajo un repinte que cubría la mitad inferior izquierda del cuadro había un donante arrodillado protegido por santa Inés, al que se ha identificado con Luis de Orleans. El culpable de que no se vieran estos personajes era la gruesa capa de barniz.
No existe certeza respecto al autor de "Oración en el huerto" (1405-1407/1408), la misma ha sido atribuida a Colart de Laon (1377-1411), pintor de cámara de Luis de Orleans desde 1391 hasta su muerte en 1407. Aún cuando todas sus pinturas han desaparecido, la documentación analizada por los conservadores del museo le confirma como uno de los pintores más sobresalientes de comienzos del siglo XV en Francia y autor de muchas obras para el duque de Orleans.
Los restauradores han recordado que las tablas francesas de finales del XIV y principios del XV son "muy escasas", por lo que han calificado de fundamental para la historia de Francia y su pintura el descubrimiento de "La oración en el huerto".
Claudia Pesquera
Fuente: http://www.rtve.es/noticias/20130211/museo-del-prado-restaura-tabla-francesa-oracion-huerto/607759.shtml

LO BARROCO, DE MODA

El Prado prepara una gran exposición sobre El Greco

Con el IV centenario del fallecimiento de El Greco, el Museo del Prado está preparando una exposición para el año que viene en el que se mostrar el redescubrimiento de la figura de este pintor y que tubo gran importancia en el desarrollo de la pintura de los siglos XIX y XX. El título de esta exposición se llamará título El Greco y la pintura moderna. Podrá verse en la pinacoteca madrileña de junio a octubre del 2014
Habrá ocho secciones que recogerán la riqueza y la complejidad de El Greco y otros artistas como Manet, Cézanne, Sorolla, Zuloaga, Picasso, Dali, Orozco...
Sobre el ochenta por ciento de las obras prestadas porceden de los museos más reconocidos internacionalmente, que se expondrán junto a las obras seleccionadas del Greco que ya se encontraban antes en España en el Museo Nacional del Prado y otros instituciones.
El Museo del Prado tiene una de las colecciones más importantes de este pintor, entre las que están La Anunciación y La Huida a Egipto, realizadas en Italia, y más de treinta que realizó en España como pueden ser: Caballero de la mano en el pecho, La Trinidad del retablo de Santo Domingo el Antiguo de Toledo, o los cinco grandes lienzos del Retablo del Colegio de Doña María de Aragón.

Berta Perales

INFLUENCIAS RAZONABLES

Si habéis visto la película Detachment (traducida como El profesor, y que responde más a la tradución literal del título, desapego), Adrien Brody inicia el relato con un primerísimo plano en un intencionado tenebrismo barroco. La evocación de San Francisco de Asís (Zurbarán) es directa, por estética, física y ética.

GIOCONDA EN PLACAS

Construida a partir de centenares de placas base, circuitosimpresos y miles de otros componentes electrónicos, esta imponente Mona Lisa custodia el hall de entrada de la sede central de la empresa Asus, en Taipei. La multinacional taiwanesa de informáticas y tecnologías de la información -cuyo nombre esté tomado del mitológico caballo Pegasus- pretende representar así la fusión de dos signos distintivos, el diseño artístico y la innovación tecnológica.
Fuente: Revista Muy Interesante nº 379 diciembre 2012
José Marqués

El Museo Thyssen-Bornemisza

Retrato de Giovanna Tornabuoni, Ghirlandaio

La baronesa Carmen Thyssen-Bornemisza cederá por tercer año consecutivo su obra al Estado de forma gratuita .
La colección está compuesta por 460 obras de las cuales 240 se exhiben en este museo. A pesar de tener muchas ofertas de otros países, ha preferido que las obras se queden en España, aunque sea de forma gratuita.
El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundación BBVA han firmado este miércoles un convenio que incluirá diversas propuestas educativas y canales de información y de comunicación con el museo.
La navegación podrá hacerse a partir del cuadro elegido, del autor o de una selección de temas que permite abordar de otra manera estas colecciones. Ocho imágenes acercarán a los mínimos detalles de otras tantas obras de forma sorprendente.
Pilar Soler

El escultor de la estatuilla de los Goya expone 16 obras realizadas en madera en el Museo Tiflológico de la ONCE

El escultor de la estatuilla de los Goya, José Luis Fernández, expone 16 obras en el Museo Tiflológico de la ONCE, desde el jueves 24 de enero hasta el 9 de Marzo.
Las personas ciegas que visiten la exposición podrán tocar cada una de las esculturas.
El escultor entró en el mundo de la escultura desde muy joven, a los 18 años y se formó con grandes maestros de la década de los 60 en Madrid, como Juan de Ávalos, Ramón Lapayese, Enrique Pérez Comendador, José Planes, Antonio Suárez, Miguel Ángel Calleja o Cristóbal Toral.
El escultor trabaja materiales orgánicos como la madera, las piedras, los metales y las resinas. Y desarrolla sus obras entre la figuración y la abstracción.
En la década de los 80, la obra de Fernández tuvo una gran transformación e introduce en sus trabajos espirales, péndulos, personajes que buscan el equilibrio mediante plomadas, alusiones a la muerte, etc.
Más tarde, recibe el encargo de realizar la conocida estatuilla de los Premios Goya de cine, que actualmente continúa realizando.
En esta muestra se incluye la estatuilla de los Goya con la finalidad de que las personas ciegas puedan tocarlas para "hacerse una idea exacta de cómo es este galardón". En este sentido, el autor ha expresado que será "muy gratificante ver cómo van a responder las personas ciegas ante la obra".
http://es.noticias.yahoo.com/escultor-estatuilla-goya-expone-16-obras-realizadas-madera-182022485.html
Sandra Juste

LO AFRICANO EN EL RENACIMIENTO EUROPEO

El arte del Renacimiento se muestra como un arte humano, influido por la corriente humanista, que pone el arte al servicio del hombre. Esto es lo que muestran las ochenta obras del periodo 1480-1610 de la exposición Revelando la presencia africana en el Renacimiento Europeo que se va a inaugurar en Nueva Jersey.
En estas obras se muestran los resultados de las exploraciones y los nuevos descubrimientos que abrían a Europa a nuevas razas, nuevas culturas, nuevas rutas comerciales. Es una mezcla de la antropología y el arte de los siglos XV-XVI, pues en lo artístico se refleja la Historia, las costumbres, la cultura africana y su papel en la sociedad renacentista. Al investigar el origen de la producción, se llegó concluir en la influencia de la familia Medici de Florencia, en concreto a Giulia Medici, hija del duque Alessandro, al parecer, hijo de una sirvienta africana.
La exposición, organizada por Spicer, cuenta con obras de Durero, Rubens y Veronés, entre otros. Está formada por préstamos de importantes museos y colecciones privadas estadounidenses y europeas, como El Prado. Son obras no convencionales, pues no era habitual realizar obras de arte a los africanos, en su mayoría esclavos. La muestra está dividida en varias partes: una primera donde se exponen mapas e ilustraciones de África, una segunda donde son las pinturas religiosas las protagonistas, empleando la raza africana como símbolo de la universalidad del cristianismo y, una última parte que la configuran retratos individuales de esclavos, comerciantes, miembros del tribunal y hasta santos.
Estas obras supusieron importantes cambios en la pintura Renacentista, como la introducción del rey Baltasar en las pinturas religiosas. Hoy en día son un reflejo de los estereotipos de la época que, continúa siendo a día de hoy un asunto muy polémico en Estados Unidos: la diferencia racial.
Se prevé que la exposición continúe de gira por territorio estadounidense hasta junio.
Rosa Gasque Rubio

http://blogs.elpais.com/africa-no-es-un-pais/2013/01/lo-africano-durante-el-renacimiento-europeo.html

EL ARTE MUDÉJAR EN SEVILLA

Juan Ignacio Zoido, el alcalde de Sevilla inauguró el nuevo Centro Mudéjar en el Palacio Marqueses de de la Algada hace unas semanas, con 111 piezas procedentes de distintos museos de la ciudad.
20 pizas proceden de la colección municipal en depósito desde 1940 en los almacenes del Museo Arqueológico de Sevilla, entre las que destacan tinajas mudéjares, sellos y utensilios domesticos de la misma época que cuentan con un especial valor. El museo Arqueológico también ha prestado 44 piezas pertenecientes a su colección estable, entre las que figuran una pila bautismal donada por el pintor Virgilio Mattoni, canes policromos del siglo XV procedentes de la iglesia mudéjar de San Marcos, fragmentos de yeserías procedentes del Convento de Madre de Dios, paños de arrocabe, almizates y piñas de mocárabes de madera de especial singularidad.
Todas ellas convivirán con las piezas restauradas para la ocasión por la delegación por la delegación de Participación ciudadana, como las pechinas mudéjares de Santa Clara. Por su parte, el Museo de Artes y Costumbres Populares cede un total de 19 azulejos que son ejemplos de las técnicas de arista, cuerda seca y azulejos por tabla, mientras que el Museo de Bellas Artes ha prestado una acuarela de Joaquín Guichot de 1872 que representa la fachada del Palacio de la Algaba. El conjunto se completa con las 20 piezas de la colección municipal que se encontraba en la Torre de Don Fadrique de Santa Clara, y que incluyen lápidas góticas, rejas, basas de pomas, capiteles de cardina y renacentistas.Cristina García Fandos

FOTOGRAFÍA: TERUEL EN EL CAMBIO DE SIGLO

Desde el 5 de Diciembre hasta el 24 de Febrero, están expuestas en el museo provincial de Teruel una serie de fotografías de Jaime Fernández Fuertes que nos presentan Teruel a finales del siglo XIX. 
Jaime F. F. empezó fundando una relojería pero dado su carácter empresarial impulsó, entre otros proyectos, una sociedad eléctrica. También participo en la vida política de la ciudad en diferentes asociaciones. 
Jaime Fernández presentó una gran pasión por la fotografía, como se puede ver en esta exposición de fotografías en negativo de cristal, donadas por su nieto al Instituto de Estudios Turolenses. 
En total, son unas 1.600 fotografías (no todas expuestas) que captan la vida cotidiana de aquel entonces de todos los ámbitos del día a día en la ciudad de Teruel. La técnica que utilizaba era, sobre todo, los grandes enmarques y el perfecto posicionamiento de la cámara.

Julia Fernández

“Inverted Sky” (cielo invertido)

 Se trata de una artista mejicana, Erika Harsh, que en su última exposición en Nueva Cork al aire libre invadió el cielo con cometas. Los cometas que lanzó al vuelo tuvieron formas de mariposas que esquivaban a un papalote de más de siete metros con contorno de dragón, impresos en billetes estadounidenses y chinos. Mientras tanto, una famosa flautista, Margaret Lancaster, tocaba una pieza compuesta por Julian Wacher. Para la artista fue muy importante que este acto de arte público se hiciese en medio de una crisis financiera. También dijo que le interesa “levantar el vuelo” cuestionamiento como: quién tiene el control, quién domina a quién, el dinero a nosotros o nosotros a él, quién tira del hilo, qué le mantiene a flote, quién ha jugado con él”. Y como conclusión añadió que le interesaba poner cierta distancia física a imágenes de billetes con objeto de descartar su “volatibilidad y relatividad”, y el poder que tiene el dinero en “una sociedad basada en los valores del mercado”. Erika Harrash nació en la ciudad de Méjico en 1970, ha vivido y trabajado en Méjico, Italia, Alemania y desde 2001 en Nueva Cork. Prontó expondrá sus obras más importantes en España, igual que ha hecho ya en Bélgica, Alemania, Suecia, Reino Unido, Estados Unidos, Argentina, Méjico, Brasil, China, Corea y Polonia, entre otros. Como puntualización final, hay que decir que todas sus obras tienen un significado por la información que conlleva el mensaje u obra. 

Bibliografía: -http://noticiadeldiadehoy.com -http://www.wikipedia.com

 María Durbán Bronchud CS2ºB

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