PARECIDOS RAZONABLES

Estos días hemos hablado de la presencia en lo más cercano de la labor creativa de arquitectos destacados. Para refrescar la memoria, aquí van.

‘El último Rafael’ acabó el primero para los expertos

Las últimas obras de Rafael (y sus discípulos) han tenido un importante papel en las salas de exposición del museo del El Prado. Esta exposición junto con la de Eduard Hopper en en la Thyssen han sido exposiciones históricas (por la abundancia de cuadros importantes expuestos, la ambición académica, y también simplemente por su belleza). Ambas exposiciones han resultado elegidas como las exposiciones más interesantes del año en España por un grupo de críticos como Ángeles García, Estrella de Diego, Ángela Molina, Fietta Jarque, Javier Rodríguez Marcos, Roberta Bosco e Iker Seisdedos.
El tercer puesto lo ocupa la exposición con la que La casa encedida (centro cultural madrileño) celebra sus 10 años de funcionamiento y muestra la producción tardía de Louise Bourgeois. El cuarto puesto es para la ambiciosa exposición del Reina Sofia con “Encuentros en los años 30”. El quinto puesto es para El joven Van Dyck en el Prado y el sexto lugar es para la muestra de David Hockney en el Guggenheim de Bilbao.
El séptimo corresponde a la muestra de María Blanchard (en la Fundación Botín de Santander y el Reina), mientras que en el octavo empatan Hans Haacke (Castillos en el aire, también en el Reina) y Mona Hatoun en la barcelonesa Fundació Miró.
Completan el top 10, Espectros de Artaud, Lenguaje y arte en los años cincuenta (Reina Sofía) y Ernst Ludwig Kirchner en la Fundación Mapfre de Madrid.

Paula Baigorri

BACH, ROSTROPOVICH Y SANTA MAGDALENA DE VÉZELAY

Berta Perales

PARECIDOS RAZONABLES

Reyes Quiñones

Cenizas de Majdanek

En 1989, el artista sueco Carl Michael von Hausswolff visitó el campo de concentración de Majdanek, en Polonia.
Von Hausswolff se las ingenió para hacerse con un puñado de cenizas pertenecientes a las víctimas que murieron allí y se las llevó a su estudio de Estocolmo. Asegura que durante años fue incapaz de tocarlas porque "estaban demasiado impregnadas de las atrocidades que habían tenido lugar en Majdanek". Pero hace un par de años sintió la necesidad de liberar la "energía" que las cenizas contenían: "Recuerdos de almas, de gente torturada, atormentada y asesinada por otra gente en una de las guerras más despiadadas del siglo XX". Mezcló dichas cenizas con agua y pintura y de esta manera pasaron a formar parte de un cuadro que se expondrá desde el sábado en una galería de esa ciudad (Estocolmo).
Las autoridades polacas han calificado de "acto bárbaro" su idea, y los responsables del museo de Majdanek admiten que la intención de Von Hausswolff puede ser plantear "una provocación artística", pero lo único que merece es una condena verbal.
Abraham Foxman, líder de una organización judía de Nueva York que promueve la memoria del Holocausto, ha dicho que "el uso de restos humanos en el arte es irrespetuoso y ofensivo, y punto; pero lo que hace este hecho aún peor es que von Hausswolf está haciéndolo a expensas de las víctimas de Hitler".
En un programa de la televisión sueca, uno de los representantes de los supervivientes del Holocausto dijo que el cuadro le parece "repulsivo en extremo". Y añadió: "Quién sabe, puede que esas cenizas pertenezcan a algún pariente mío". Por su parte, el propietario de la galería que alberga la obra dice no tener "ningún problema moral" por mostrar esta obra en sus instalaciones.
A pesar de que la policía polaca dice estar dispuesta a abrir una investigación, por ahora no se ha presentado una denuncia formal, por lo que, al menos de momento, los planes para inaugurar la exposición siguen adelante.

Laura Aragonés

LOS REFERENTES ARTÍSTICOS DE LOS CUADROS NUESTRO PASILLO

FACHADA GÓTICA

Reyes Quiñones

TEMPLO DE LA AGONÍA EN TIERRA SANTA

 Se trata de la basílica de las Naciones o de la Agonía, está en el Monte de los Olivos, al lado del Huerto. Esta construcción está sobre una antigua iglesia bizantina. Se realizó en 1924 por el arquitecto Barluzzi, quien ha hecho la mayor parte de las iglesias de Tierra Santa.
En su interior se venera la Roca sobre la que, según los Evangelios, Jesús oró hasta sudar sangre (lo que en la foto pone piedra). Se llama de la Agonía por este hecho y de las Naciones porque cuenta con 12 cúpulas en su interior perteneciente cada una a un país distinto (España tiene una). Como casi todo en Tierra Santa, está bajo el cuidado de los franciscanos, aunque también los ortodoxos tienen el derecho de asistir el día de Jueves Santo. Tiene planta basilical con tres naves y en la cabecera es donde está la Roca, frente al altar.
Rosa Gasque Rubio

El escultor de retratos Alejandro Monge inaugura su primera exposición en solitario

Ayer el escultor zaragozano Alejandra Monge inauguró su primera exposición en solitario que recoge 34 obras del autor que desde 2010 ha realizado en exposiciones colectivas las que trascienden del lienzo, el volumen y la profundidad convirtiéndolas casi en esculturas.
Alejandro Monge es técnico superior de artes plásticas y diseño con la especialidad de escultura en la Escuela de Artes de Zaragoza.
Escultor vocacional, hace tres años cogió los pinceles por primera vez y descubrió en el retrato una nueva vía de expresión. Sus retratos trascienden del lienzo, el volumen y profundidad que crea los convierte casi en esculturas que pugnan por liberarse de las dos dimensiones. Los claroscuros recuerdan a Caravaggio y la estética a los impresionistas, principalmente a Sargent, el pintor que más le ha influido, osea sus retratos son súper realistas.
En la escultura le gusta investigar y experimentar con nuevos materiales: polímeros, resinas, plásticos o fibra de carbono, por ejemplo. La escultura de los billetes, que inicia la serie de obras del proyecto “La destrucción como forma de creación”, está hecha de papel petrificado con resinas; está todo pintado y modelado a mano, no se ha utilizado el fuego en ningún momento. El objetivo no es provocar sino hacer pensar a través de la belleza de lo insólito.

Raquel Sánchez

EL MOLINO Y LA CRUZ, de Majeswki

EL MOLINO Y LA CRUZ TRAILER H264 from Surtsey Films on Vimeo.
El 14 de diciembre, en los cines Babel de Valencia.

Una exhibición se asoma en Nueva York a la búsqueda de la perfección de Matisse

La incansable búsqueda de la perfección de Henri Matisse queda al descubierto en una exposición que se inaugura mañana en Nueva York, en la que el público podrá acceder a la trastienda del proceso creativo de un artista tenaz que se obstinó en que sus pinceles irradiaran la esencia de la pintura.
La muestra "Matisse: En busca de la verdadera pintura" acercará al Museo Metropolitano de Arte hasta el 17 de marzo de 2013 una selección de 49 lienzos del pintor fauvista, procedentes de museos franceses o daneses, que ejemplifican su exhaustivo sistema de trabajo, en el que retocaba y reformulaba sus cuadros hasta la extenuación.
En sus inicios se dedicó a pintar parejas de cuadros, como dos bodegones. El francés continuó con su exploración creativa retratando a un lugareño adolescente con los vívidos colores que fueron insignia del movimiento fauvista en "Joven marinero I".
En los años siguientes, Matisse pintó sendas versiones de un trío de desnudos a tamaño natural encuadrados en un paisaje marítimo. "El lujo I" y "El lujo II" mientras que en 1914 hizo varias obras en las que plasmó las vistas de la catedral de Notre-Dame, de las que disfrutaba desde su estudio de París.
En la etapa final de su carrera, un septuagenario Matisse recuperó el tema recurrente en su iconografía de las escenas de interior, en las que se permitió abrazar el color hasta las últimas consecuencias.
Con estas pinturas, que se exhibieron sin marco, para que el público se viera envuelto por el puro e intenso color del artista, Matisse culminó una trayectoria hecha a base de un perfeccionismo y una búsqueda de la verdad en pintura que permitieron decir al crítico Clement Greenberg 1949 que este "maestro no puede evitar pintar bien en la misma medida que no puede evitar respirar".

 Pilar Soler

CAMPAÑA DE VUITTON EN BUENA COMPAÑÍA

La campaña de Vuitton ha buscado como escenario el museo del Louvre. La emperatriz Eugenia (la española esposa de Napoleón III) vivió allí y nombró a Louis Vuitton su maletero oficial, y allí vuelve la firma, a sus orígenes.
La sala elegida es la de la Gioconda y se detiene en lo que ve ella, la fiesta a la que está invitada siempre, Las bodas de Caná de Veronés. La presencia masculina intuida evoca al San Juan Bautista de Leonardo. Todo queda en casa.

Reyes Quiñones

El país (femenino) de las Maravillas (surrealistas)

El Museo de Arte de Moderno de México alberga “In Wonderland”, organizada conjuntamente por el Los Angeles County Museum. En ella, aparecen más de 200 obras de un grupo de mujeres mexicanas y estadounidenses (la mayoría a partir de 1931). Estas artistas reflejan en su obra un estilo surrealista, como medio de expresión de su soledad, con personalidades luchadoras, que han sido incomprendidas y en muchos casos eclipsadas por sus parejas.

Hay gran variedad, desde pinturas de Leonora Carrington, Frida Kahlo, Lacqueline Lamba, Helen Lundeberg,Rosa Rolanda,Key Sage, Dorothea Tanning y Remedios Varo, pasando por fotografías de Lola Álvarez Bravo, Kati Horna, Lee Millier y Francesca Woodman ,hasta  esculturas de Louise Bourgois y Adaine Kent. Estas obras muestran personalidades, traumas y miedos de las 48 mujeres artistas que llevaron el movimiento surrealista de André Bretón hasta la década de los setenta.

En estas obras destaca como tema la obsesión por la maternidad, expresada por Frida Kahlo (debido a que su vida estuvo marcada por varios abortos) la cual  se autorretrata  desnuda, en un hospital , desangrándose, apareciendo símbolos que representan la maternidad y la feminidad (como un bebé). Este no fue el único autorretrato, ya que tiene gran presencia en la muestra. Las mujeres sentían la necesidad de plasmarse a si mismas en lienzos o fotografías para expresar como se sentían o quienes eran. Otro ejemplo significativo es la obra de Bridget Tichenor, que cubrió un gran lienzo con imágenes de su retrato sin pelo, creando la obra Autorretrato.

Esta muestra es una gran expresión de las mujeres que instauraron el movimiento surrealista en el continente americano. Trataron de mostrar su realismo interior, como ideas que surgen de sus mentes como el conejo de Alicia de su madriguera (In Wonderland…)

Fuente : http://cultura.elpais.com/cultura/2012/11/25/actualidad/1353871145_101252.html

Reyes Quiñones

Van Gogh hasta en la uñas

 

Reyes Quiñones

EL “NUEVO” TIZIANO EN EL MUSEO DEL PRADO

La obra San Juan Bautista atribuida recientemente a Tiziano se expone por primera vez en el Museo del Prado a partir del lunes 5 de noviembre, tras un largo y complejo proceso de restauración.

Esta pieza llegó en 1872 al Museo como "anónimo madrileño del siglo XVII" y, como tal, fue enviado, catorce años después, a la iglesia parroquial de Nuestra Señora del Carmen en Cantoria, una localidad de la provincia de Almería.

En el catálogo de la exposición Tiziano en 2003, ya se proponía que la obra podía ser la copia puntual de un San Juan Bautista de Tiziano perdido, pero en 2007 se rebeló que era el original de Tiziano.

Este San Juan Bautista llegó al museo en un "lamentable estado de conservación", pero con un gran esfuerzo de restauración, finalmente se ha podido apreciar la grandeza y sutilidad del arte de Tiziano".

La importancia del nuevo San Juan Bautista radica en que fue una de las composiciones religiosas de Tiziano más populares en España.

Asimismo, el lienzo ofrece un testimonio excepcional sobre el modo como Tiziano replicaba sus composiciones y ofrece información sobre los otros dos San Juan Bautista de Tiziano conservados.

 Fuente: http://www.rtve.es/noticias/20121105/museo-del-prado-expone-nuevo-tiziano/572939.shtml

Claudia Pesquera 

CUANDO LA LOCURA SE HACER ARTE Y VICEVERSA...

En febrero de 2010 Pedro Cuevas ingresa el hospital psiquiátrico Borda, con la intención de inspirarse y salir de la rutina del arte. Se le prestó el antiguo pabellón cultural destruido. Tras varios meses, lo arreglaron y le dieron buen aspecto, todo gracias a la colaboración tanto de pacientes como de exteriores. Creó un proyecto llamado “Dadores de Arte” en el que se convocaba a artistas a pintar y a donar obras al hospital para crear un museo. Acudieron 200 artistas de todo el mundo. La principal finalidad de este proyecto fue que la sociedad entrara dentro del hospital para que desapareciera esa gran tristeza que había en el centro mezclando tanto personas externas como internas en él.
Cuevas era un desconocido pero ahora es muy conocido tanto en pintura como en trabajos social.
El centro ya tiene 50 artistas estables.
Cuevas en su estilo tiene el arte marginal, se mete en la piel de otras personas buscando así la inspiración.
La principal idea que quería fomentar Cuevas con este proyecto es que el arte es de todos y para todos y que las obras tiene que hacerse de corazón, sin miedo y haciendo, haciendo, haciendo...

Berta Perales

LA IMAGEN MENTAL Y LA REAL

En una mesa del aula ha aparecido este dibujo. Una aproximación a un capitel jónico que se convierte en capitel eólico, y una columna del torico dórica que contrasta con la real.
Una buena aplicación de lo estudiado pero... NO SE PINTA EN LAS MESAS.

¿CAPITELES EÓLICOS O GRANDES CAULÍCULOS?

Valencia, 10 de noviembre a las 11, 10 h  / Teruel, 10 de noviembre a las 11,10 h.
Rosa Gasque

LA COLECCIÓN PRIVADA DE ABRAHAM SIMPSON

Reyes Quiñones

EXHIBEN OBRAS EMBLEMÁTICAS DE RENOIR, MANET Y CÉZANNE:

 En México ha sido inaugurada la exposición “El placer y el orden. Orsay en el Munal” Ya estuvo en París y son obras muy representativas de Manet, Renoir y Cézanne.
Como afirma el director es una gran oportunidad que permanecerá abierta hasta enero, el titular explicó que a través de 65 piezas (pinturas, fotografías, dibujos, esculturas, etc.) podrán verse “los modelos de apropiación de las esferas publicas y privadas del S.XIX”
Esta exposición explora una influencia y repercusión de corrientes como el impresionismo; y además hay actividades como la proyección de películas a finales del S.XIX, cafeterías decoradas con fotografías del París antiguo y un vestuario donde los visitantes pueden ponerse ropajes de la época.
El director afirma que se trata de un experiencia lúdica (que da juego, divertida) y que tiene gran importancia porque muestra el origen de la modernidad en Francia y su influencia en el espíritu demócrata, critico y moderno del México contemporáneo; también muestra las virtudes y defectos de la sociedad del S.XIX
Los ejes se basan en la cotidianidad de la burguesía de París, en la visión del desnudo femenino y en la apropiación de una idea de edad de oro.
El título (El placer y el orden) que es contradictorio se refiere a una sociedad moderna y democrática según dice el director.

http://www.informador.com.mx/cultura/2012/412855/6/exhiben-obras-emblematicas-de-renoir-monet-y-cezanne.htm

Sandra Juste

EL ARTE ENTRA EN LA CAMPAÑA DE EE. UU.

El próximo día 1 de noviembre se inaugurará en el New School de Nueva York una exposición que se celebra cada cuatro años, por la fundación Robert Rauchenberg, que irá recorriendo la geografía estadounidense. En ella participará el artista catalán de artes plásticas Antoni Muntadas.
La exposición invita a reflexionar sobre los nuevos recortes anunciados para el arte estadounidense y cómo influye la política en el ámbito artístico. Titulada We, the people, reúne 60 obras que abarcan 70 años de historia política. Se expondrán desde los carteles de Norman Rockwell hasta el retrato de Mitt Romney de Richard Philips, además de fotografías de Alvin Baltrop, esculturas de Alex Katz o Tom Otterness, un cuadro de Fernando Botero y un collage de Rauschenberg. Se espera que el tema de las obras de arte haya cambiado, en 2008 fue la raza y el género, ahora serán la política económica y el poder adquisitivo.
Esta exposición se celebra con motivo de las pretensiones de Romney de eliminar las subvenciones al arte si llega a la presidencia. A esta reivindicación se han sumado otros artistas como Saber que sobrevoló Nueva York con una avioneta, cuyo humo dejó el mensaje: “Defiende las artes”.
La instalación misma es una alegoría política pues el espacio lo dividen dos alfombras, una roja y otra azul, que simbolizan a los dos bandos políticos. El retrato de Obama cuelga del techo, mientras que Romney está en el suelo. También se han instalado dos televisiones que simbólicamente se dan la espalda.
Rosa Gasque Rubio

http://cultura.elpais.com/cultura/2012/10/20/actualidad/1350750282_091696.html

REFERENTES ARTÍSTICOS EN LA PUBLICIDAD DE LAS CALLES DE TERUEL

Un bronce de Mallorca rumbo a los mares de Australia

Un alga verde de Mallorca hará de faro -sin destellos- en una playa de Australia. El escultor y pintor Joan Costa (Palma, 1961), emprende esta semana en Australia una aventura de combate solitario. Viaja con una forma de cuatro metros de alto, fundida en bronce, para exhibirla en una playa de Sidney. Es una metáfora de una ‘alga’ del Mediterráneo, como una estela extraída de un naufragio, con la pátina de los pecios. Costa ha sido seleccionado para concurrir al festival anual mundial de escultura al aire libre, Sculpture by the Sea, Bondi 2012. Allí su pieza se plantará ante otro mar, en sus antípodas, en la costa y arenal desde Bondi hasta Tamarama. En este litoral australiano se incorporará al paisaje un centenar de instalaciones y piezas de otros tantos artistas. La selección de autores la efectúan artistas y académicos de Australia. Uno de cada cinco proyectos presentados ha sido escogido. Al museo temporal cada año acude medio millón de personas. La muestra se prolonga apenas dos semanas, del 18 octubre hasta 4 noviembre de 2012. El escultor comenzó a interpretar la cultura megalítica, totémica, de la prehistoria de Menorca y con el tiempo derivó hacia la naturaleza, se fijó en la costa. Jugó con montañas de sal, árboles, algas voladoras, la mítica y amenazada posidonia. Buscó el juego de las aguas, las olas.Habita en la frontera de la vanguardia. Pinta, usa pasta de papel, rejillas metálicas para nubes voladoras y transforma la materia orgánica. Esa alga gigante australiana, sutil y contorsionada, que se exhibirá ante el mar de Sidney remite a su última gran producción que se mostró en museos de Baleares, Valencia y Cataluña. 

Bibliografia: elpais.com 

Cristina García Fandos

El Guggenheim cumple 15 años como un icono de la transformación urbana de Bilbao

Costó veinte mil millones de pesetas de la época (120 millones de euros). Muy poca gente veía el arte contemporáneo como una solución al problema económico de la ciudad. El arquitecto fue Frank Gehry. Fue inaugurado el 18 de octubre de 1998. En su interior, dividido en tres pisos, el protagonismo es para el limpio y altísimo atrio y para la sala principal que alberga de manera permanente la "Serpiente" y el resto de enormes y torcidas planchas metálicas de Richard Serra.
OBRAS DEL MUSEO
La obra más importante de este museo es el museo mismo.
La "Serpiente", formada por tres chapas de acero curvas y paralelas de 30 metros de anchura por cuatro de altura, es la obra artística más importante del museo. Forman parte de su colección permanente con obras de Mark Rhotko, Willem de Koening o Anselm Kiefer, a parte las exposiciones temporales, que tienen mucho atractivo. El edificio ha albergado exposiciones de Rauschenberg, Cristina Iglesias, Chillida o Mark Rothko. También destaca la escultura del perro de flores y la araña gigante.
También destacan las exposiciones dedicadas a los vestidos de Armani, a las motocicletas o a la historia del arte chino. El museo ha recibido durante estos años un millón de visitantes anuales. Todos estos visitantes, de los cuales muchos son extranjeros, han concedido a Bilbao una proyección internacional.
NOTICIAS NEGATIVAS
ETA asesinó a Txema Aguirre, que lo custodiaba unos días antes de su inauguración. La plaza que da acceso al museo lleva su nombre.
ÉXITO
Todo el mundo quiere repetir el modelo "Bilbao", incluidos los propios vizcaínos: hace tres años se presentó un proyecto para construir un segundo Guggenheim en la reserva de la biosfera de Urdaibai, a unos cincuenta kilómetros de Bilbao, una idea aparcada de momento.
Su único director es Juan Ignacio Vidarte, que lleva siendo director del museo desde su apertura. Fuente: Antena 3 telediario 14-10-12

José Marqués Linares

ARCOS REBAJADOS

Un ejemplo de coincidencias arquitectónicas. Por un lado, el Museo de Historia de Valencia, sobre el antiguo depósito de agua de Ildefonso Cerdá y, por el otro, el Museo de Mérida, obra de Rafael Moneo. En común: material, tipo de arcos, estructura en enfilada y función museística.

Rosa Gasque

WORKSHOP: ARTE DE ACCIÓN

Estos dos últimos fines de semana (28 de septiembre y 5 de octubre) se ha realizado un WorkShop titulado “Arte de Acción” en la ciudad monumental de Albarracín.
Este trabajo surge a partir del proyecto presentado por Carmen M. Samper y Alicia H. Moreno a la Fundación Universitaria “Antonio Gargallo”, para concursar en las ayudas que promueven el desarrollo de actividades culturales. Esta ayuda sirvió para localizar artistas y ponentes y con ella pusieron su proyecto en marcha.
El primer fin de semana se utilizó para introducir Albarracín como patrimonio y la posibilidad de intervenir en este espacio con acciones de arte contemporáneo. Se habló del arte de acción y las performances con la colaboración de David Pérez, Juan Crespo, Ernesto Utrillas, Carmen Martínez y Laura Hernández.
Y en el segundo fin de semana las performances corrieron a cargo de varios artistas como Raychel Carrión, Katía M. Uliver, Remedios Clérigues, Carmen Martínez, Anna Richardsdottir, Alicia Hernández y Laura Hernández.
A partir del miércoles, 17 de octubre a las 19:00h, en la sala de exposiciones de la Escuela de Arte de Teruel, se expondrá en unas proyecciones (fotos y vídeos) para dar a conocer estas performances y está invitado todo el mundo que esté interesado en ver un arte completamente diferente a lo habitual.

Julia Fernández M.

Langosta y gato, de Picasso

Desde el día 10 de octubre de 2012 hasta el 20 de enero de 2013 se va a exponer en el museo Picasso Málaga (como su propio nombre indica este se localiza en la ciudad de Málaga).Una obra del artista español Picasso titulada Langosta y Gato. Esta obra es la primera vez que se expone en un museo español, porque durante todos estos años estuvo en el museo de Nueva York. Los responsables del museo de Málaga colgaron esta pintura en sala XI del museo, conocida como El bestiario, ya que en ella se muestran obras que ponen de relieve  la importancia de los animales en la vida y obra del autor.

Picasso pintó está obra para su amigo el galerista muniqués (Justín K. Thamhauses), después de la muerte de este, su mujer la donó al museo de Nueva York junto a otras 30 obras. Por esta razón Langosta y Gato casi no ha salido de este museo.

 Adil Es saghraoui

Guggenheim Bilbao con Egon Schiele

Egon Schiele (1908-1918) es uno de los artistas más significativos del siglo XX. Desde muy corta edad desarrolló una forma muy personal y característica en la utilización decorativa de las superficies planas o las fluidas líneas ornamentales del estilo de la secesión vienesa.

Las obras gráficas de Egon Schiele constan de una mayor libertad  y expresividad que su obra pictórica, no como Gustav Klimt (1862-1918), anterior a Egon Schiele, que únicamente hacia dibujos a modo de bocetos o borradores.

Usa sobre todo el lenguaje corporal, los gestos y la mímica corporal. En su obra expuesta en el Guggenheim Bilbao, del 2 de octubre de 2012 hasta el 6 de enero de 2013, presenta una completa aproximación al universo creativo a través de centenar de dibujos, gouaches, acuarelas y fotografía, procedentes de la Albertina de Viena. También expone trabajos de sus últimos años de ruptura con el naturalismo, con un radical tratamiento del color y nuevos motivos como el desnudo explícito o los retratos de los niños.

Fuente: http://www.eitb.com/es/cultura/arte/detalle/961234/guggenheim-bilbao--exposicion-egon-schiele-guggenheim-bilbao/
María Durbán 

FRANCESC CATALÀ ROCA, DE NUEVA YORK A TERUEL

Fransesc Català Roca fue un gran fotógrafo catalán que nació en Valls (Tarragona) en 1922 y murió en Barcelona el 5 de marzo del 1998, se trata de un fotógrafo que se caracterizó tener un ambiente humano en todas sus obras. La visión del fotógrafo era mucho más sencilla y a la vez mucho más profunda… Huía tanto como podía de los artificios teóricos tan de moda en su época, buscaba la fuerza de las imágenes con el ojo desnudo, aprovechaba sus conocimientos técnicos pero siempre al servicio de la naturalidad, era muy libre y disciplinado consigo mismo. Él escogía el encuadre y el momento, pero no tocaba la vida que sucedía delante de la cámara. Muchas veces se anticipaba a lo que iba a suceder .

Desde el día 1 de junio del 2012 se puede visitar una galería de arte con sus obras en New York. Las fotografias que dispone esta galería son aproximadamente entre unas 45 obras, se caracteriza porque es una exposición íntegramente en color, sobre papel fotográfico y de gran tamaño. Cosa rara en exposiciones de fotografias, no tienen ningún maquillaje que las haga comerciales, es una experiencia cultural no mercantil .

Mayormente las fotografias de este autor son en blanco y en negro debido a su época pero estas fotos fueron tomadas entre 1987 y 1991 con una cámara más “moderna” (La Hasselblad 500 C y la Hasselblad SW). El motivo de sus últimas fotografias es que para su jubilación se autopropuso estas fotos con el motivo de hacer un libro, enfocados a la visión arquitectónica y urbanística de la ciudad, principalmente Manhattan. El libro no se pudo completar debido a que quería acabar el reportaje con unas fotografias de una gran nevada, fueron tres inviernos para conseguirlo, pero no hubo suerte y a causa de su enfermedad se volvió una cosa prácticamente imposible y no lo consiguió.

Marcos Catalá Santafé (nieto del fotógrafo) 

 

RESTAURADOS GRABADOS DE GOYA

  

Hoy día 1 de octubre, el Museo del Prado ha expuesto tras un largo proceso de restauración, 17 dibujos de Goya que no se habían podido mostrar por su delicado estado. La colección incluye un dibujo inédito: Apunte del Real Observatorio Astronómico de Madrid, recientemente identificado como La calle (una vista urbana de Madrid). La selección corresponde a 14 dibujos preparatorios conocidos como “caprichos amarillos” ya que los dibujos habían sido cubiertos con una capa de almidón con la intención de protegerlos y esto ha hecho que con el paso de los años se torne de un color amarillento impidiendo su lectura correcta. Además de esta degradación del color los dibujos sufrían una sequedad excesiva y por culpa de los sucesivos cambios tenían restos adhesivos que producían ondulaciones.
Para restaurarlos se ha utilizado un método que a partir de humedad y por capilaridad ha permitido quitar la capa de almidón, así como también los restos de pegamento o adhesivos, haciendo así recuperar la flexibilidad del papel.
En el caso de la obra de La Calle, existía un segundo soporte adherido al dorso, había ocultado otro dibujo, que ha sido identificado a raíz de la revisión de la obra. Al separar el dibujo se ha apreciado un boceto a sanguina del Real Observatorio Astronómico de Juan de Villanueva. En la obra de La Calle, dos zonas quedaron dañadas generando así extraños efectos de luz que no dejaban comprender bien la obra. Para restaurar las zonas dañadas se han reintegrado los trazos con acuarela aplicada con un fino pincel ayudándose de un microscopio y basando la restauración en antigua documentación fotográfica.
A estas restauraciones de añaden las de obras tan emblemáticas como Aún aprendo (1825-1828)
El País cultural: “Goya se lava la cara” 1-10-2012

Paula Baigorri